Écrits de spectateur (4) : Jérôme - DERNIER BILLET • Coup de théâtre

Bonjour à tous,

Vous pensiez être tranquilles ? C'est raté : le blog de Clémence pour l'Athénée rempile pour sa troisième année.

Comme lors des deux années qui viennent de s'écouler, je vous écrirai tous les matins de la semaine pour vous livrer une chronique de la vie de l'Athénée Théâtre Louis-Jouvet : ses coulisses, ses spectacles, ses artistes, ses techniciens, son équipe, son histoire, son architecture, son public n'auront plus (beaucoup) de secrets pour vous.

Tout fout peut-être le camp en ce moment, mais nous, nous sommes toujours là. Et j'espère que vous aussi !

À demain.

PS : je serais curieuse de savoir où vous êtes allé(e)s en vacances cet été, pour ceux qui ont pu partir ; pour me le dire, cliquez ici.

Toi toi mon toit • D'hier à aujourd'hui

Cela fait un petit moment que j'ai repéré la trappe qui mène au toit de l'Athénée.

Seulement voilà, c'est sans doute le seul lieu de l'Athénée où je n'ai pas le droit d'aller seule : il n'était cependant pas évident de me trouver un membre de l'équipe technique pour m'accompagner, le personnel de l'Athénée ayant souvent des choses plus urgentes à faire que de vérifier que je ne glisse pas sur des tôles.

Heureusement, je suis très persévérante (qui a dit "têtue comme une mule"? Papa, Maman, je vous ai entendus !).
Mon dévolu s'est jeté sur Dominique, directeur technique adjoint de l'Athénée et bon photographe amateur, sans doute le plus à même de comprendre que quand on a décidé de prendre des photos à un endroit précis, on fera tout pour mettre l'idée à exécution.

J'ai quand même mis quelques temps à le convaincre : Dominique a du travail, et puis "mais je te jure qu'il n'y a rien à voir sur ce toit! Il y a de la tôle, des cheminées et un bout de l'opéra Garnier, point! L'Athénée n'est pas un bâtiment très haut, on ne voit rien. Et puis tu vas glisser avec tes petites chaussures".
Mais j'ai quand même très envie d'aller ce toit et, heureusement, la technique éprouvée de revenir périodiquement sur un sujet l'air de rien pendant plusieurs mois a finalement marché. Dominique a fini par céder en soupirant ("bon de toutes façons ça ne va pas durer trois heures") et m'a emmenée sur le toit il y a quelques jours. Le pire, c'est qu'il n'avait même pas l'air de m'en vouloir : il s'est laissé prendre en photo de bonne grâce et m'a signalé les quelques centres d'intérêts du lieu.

Dominique

Une statue dorée de l'opéra de Paris (Palais Garnier)

Un bout de la Tour Eiffel

Les statues dorées de l'Opéra Garnier se reflétant dans la vitre de l'immeuble d'en face

Il se trouve que Dominique et moi ne nous trouvions pas seuls sur le toit : nous étions accompagnés d'une troisième personne, que vous découvrirez demain pour le dernier billet de la saison.

Les Garçons et Guillaume, à table ! de Guillaume Gallienne continue à l'Athénée jusqu'au 17 juillet !

Merci à Dominique pour sa collaboration et à Denis pour le titre.

Les Garçons et Guillaume, au lit ! • Pleins feux

Depuis jeudi dernier, le mobilier en fer blanc de Guillaume Gallienne est revenu à l'Athénée où il restera jusqu'au 17 juillet pour la reprise du spectacle Les Garçons et Guillaume, à table !.

Toutes les représentations de cette reprise du spectacle sont complètes. Cependant, des places se libèrent parfois le soir même, certaines personnes ayant réservé ne se présentant pas au Théâtre : il est donc possible de tenter votre chance une heure avant la représentation.

D'autre part, la représentation du 14 juillet à 15h sera gratuite et ouverte à tous sans réservation :  les billets sont à retirer une heure avant la représentation.

Bon début de semaine.

Portrait de spectateur (1) : Alekssandre • Coup de théâtre

En novembre dernier, je vous avais annoncé à la fois des écrits et des portraits de spectateurs à paraître sur le blog.

Si Laetitia, Pierre et Jean, tous trois lecteurs du blog, se sont lancés pour publier un texte sur l'Athénée en particulier ou le spectacle vivant en général, je n'avais pas encore pu réaliser un portrait de spectateur. Pour cette fin d'année, voici donc le premier qui inaugurera, je l'espère, une petite série la saison prochaine :



Lorsque je contacte Alekssandre pour la première fois en octobre dernier, je ne sais rien de lui à part que son prénom a dû faire soupirer plus d'un employé de mairie, qu'il a laissé des commentaires réguliers sur le blog en changeant parfois de nom (le fourbe), et qu'il m'a fait parvenir un gentil courrier à l'Athénée un jour de février 2009.

Les brefs messages qu'il m'a adressés ne témoignent pas vraiment d'une personnalité aimant s'étaler, mais je ne sais pas pourquoi, je lui écris tout de même un mail pour lui proposer de faire son portrait lors de sa prochaine venue à l'Athénée.


À vrai dire, je m'attends à un refus ou à quelques tergiversations, mais son accord sans réserve tombe quelques minutes plus tard.
Bon, les tergiversations viendront tout de même un peu après : alors que j'entre dans la phase agenda, il me donne les dates de ses prochaines venues à l'Athénée et finit par me demander l'air de rien, en fin de mail : "À propos du portrait. Souhaitez-vous que nous parlions de théâtre ou de la pièce que j'aurais vue ?".
Je lui réponds que "pour le portrait de spectateur, je compte parler de vous en fait, ou plus exactement d'avoir une conversation sur les sujets qui viendront naturellement et de synthétiser ensuite la chose... Cela peut donc aller de vos goûts culinaires à la couleur de vos chaussettes en passant par les pièces que vous aurez vues à l'Athénée ou votre première fois au théâtre………".

Je m'attends à ce que le bernard l'ermite rentre dans sa coquille (ne me dites pas que les bernard l'ermite n'ont pas de coquille, j'ai vérifié : certes, ils n'en ont pas une à eux, mais ils se logent dans celles que leurs congénères ont abandonnées), mais sa réponse me parvient le lendemain, le 19 novembre : "D'accord pour le portrait ! Et puis parler de mes chaussettes est toujours un vrai plaisir. En effet, j'ai toujours grand soin à les choisir :

"

                                                      
Là, j'ai conscience d'être tombée sur un vrai challenger, un concurrent à ma propre succession au blog de l'Athénée, un homme prêt à en découdre, un type qui n'hésite pas à m'envoyer une photo de ses pieds alors qu'on ne s'est jamais vus.
Rassure-toi Papa, je n'ai pas cédé à la surenchère, je sais qu'il ne faut pas communiquer avec des inconnus, j'aurais pu envoyer une photo pire en retour, je ne l'ai pas fait (ou presque).

En fait, preuve qu'on se fait toujours une image plus ou moins vraie des gens que l'on n'a pas encore rencontrés, le vouvoiement autant que le "bien cordialement" et le ton général des mails d'Alekssandre me faisaient l'imaginer en respectable père de famille de plus de quarante-cinq ans. Le coup des chaussettes m'a mis la puce à l'oreille, confirmée par la consultation du fichier de billetterie de l'Athénée : jusqu'à récemment, le bougre achetait ses places au tarif "moins de trente ans".
(J'en profite pour préciser à ceux qui m'imaginent en blonde de cinquante-cinq ans avec trois chats qu'ils se trompent)

Lors de notre première rencontre quelques semaines plus tard, il me tutoie rapidement tandis que je m'englue dans un tuvoiement longue durée, dans le genre "et toi, ça fait longtemps que vous faites ce métier ?" et autre "vous croyez que tu vas aller voir Guillaume Gallienne ?". La conversation se fait facilement, tellement facilement que je ne sors même pas mon carnet et que je ne lui pose aucune question pour le portrait.

Nous nous revoyons à l'occasion de sa venue à l'Athénée pour Les Garçons et Guillaume, à table! de et par Guillaume Gallienne. Cette fois, j'ai un sursaut de conscience professionnelle et prends donc des notes dans mon carnet au fur et à mesure des questions que je lui pose.


Alekssandre ne se souvient pas de sa première fois au théâtre, mais de sa première émotion théâtrale, si : il s'agissait de L'Allée du Roi, adapté du roman de Françoise Chandernagor, avec Geneviève Casile. Il ne souvient ni du lieu ("Marseille, Aix-en-Provence, sûrement… Je ne sais plus") ni de la date [d'après mes recherches, c'était pour la saison 1994-1995], uniquement de son admiration devant une actrice capable de jouer tant de rôles, qu'ils soient masculins ou féminins, avec autant de grâce.
Il cite également Un Fil à la patte de Feydeau, vu à la télévision dans l'émission "Au Théâtre ce soir", et plus particulièrement le jeu de Robert Hirsch dans le rôle de Bouzin.

Dans le même ordre d'idées, il ne se souvient pas non plus de sa première fois à l'Athénée, juste de sa première "claque" dans ce Théâtre, Oh les beaux jours de Beckett dans une mise en scène de Giorgio Strehler en 2006 : "je venais de voir une autre mise en scène d'Oh les beaux jours, une vraie catastrophe qui m'avait donné envie de tous les tuer. Enfin bon, je ne vais pas m'étendre là-dessus…
Celle de l'Athénée était en italien, j'y allais avec un peu d'appréhension. Et c'était incroyable : je comprends tout, je comprends ce que ça veut dire, je comprends même le titre, je me prends tout ça en plein visage, je pleure à la fin, j'ai envie d'embrasser tous les murs de l'Athénée. J'étais vraiment ému. J'ai  également un souvenir incroyable du Roi nu de Schwartz mis en scène par Laurent Pelly [2005], et aussi des Justes de Camus mis en scène par Guy-Pierre Couleau [2007].
De manière générale, la programmation de l'Athénée m'épate, on y sent une vraie politique : c'est courageux de monter des textes qui ne sont finalement pas si joués, surtout ceux de Camus. Cela dit, j'attends avec impatience d'y voir un jour Morts sans sépulture de Jean-Paul Sartre…

— Pourquoi vas-tu au théâtre?
— Parce que c'est l'art total par excellence, et que chaque représentation est un moment unique… Le théâtre, ce sont des émotions sincères données par des inconnus et des menteurs qui ne me quittent pas et m'apprennent à vivre. Le théâtre m'a appris à être ce que je suis. Il y a une éducation à prendre dans le théâtre : éducation politique, sociale, culturelle. J'aime le côté mythique de la scène, ce côté "on nous ment", où l'on sait que c'est faux et que pourtant on y croit...
D'ailleurs, cela me fait penser à une représentation de Bérénice de Racine à laquelle j'avais assisté : au moment où Titus annonce qu'il quitte Bérénice, quelqu'un dans le public s'est écrié "Oh, le salaud !!!" Le théâtre, c'est la communion de tout un groupe de personnes, c'est la lumière qui s'éteint, c'est voir de près des acteurs que l'on admire, c'est une odeur aussi...

— Il y a une odeur particulière, à l'Athénée ?
— Bien sûr ! C'est un théâtre très particulier où j'ai l'impression d'être à la maison, de rentrer dans ma famille, que quelqu'un m'y attend… Il paraît très petit alors qu'il peut finalement accueillir beaucoup de gens, et puis il y a certains membres de l'équipe qui sont là depuis des années, cela se voit… C'est très agréable de retrouver des figures connues, des têtes que l'on connaît, même si on ne leur parle jamais…
Son architecture lui donne un petit côté vieillot, complètement cassé par l'audace et le courage des propositions artistiques : ce sont souvent des propositions qui étonnent, avec des comédiens toujours excellents, qui créent un décalage dans ce théâtre aux airs poussiéreux. C'est osé de faire de telles propositions, on voit que la programmation est véritablement portée."


La discussion s'orienta ensuite sur deux questions rituelles du blog, les endives au jambon et le sport à la télévision (pour comprendre pourquoi, c'est à ce billet de juin 2009). Je ne regrette pas d'avoir abordé ces deux sujets qui me font entrevoir des aspects encore inconnus de mon sujet.

En effet, évoquant les endives au jambon, l'Alekssandre jusqu'à présent positif et pondéré a maintenant l'air d'avoir mis les deux doigts dans la prise : "mais quelle horreur, mais pourquoi on nous fait ça ??? Mais enfin, tu vois bien que c'est immangeable, ne me dis pas que tu en manges, ou pire, que tu en cuisines ? C'est jaunâtre ou verdâtre (je ne sais même pas définir la couleur), ça baigne dans son jus, mais beurk ! Dans ma famille, quelqu'un aimait les endives au jambon, alors ma mère en faisait, et il fallait qu'on les mange, en plus ! N'essaye jamais de me faire avaler ça, jamais !"

Concernant le sport à la télévision, Alekssandre m'apprend qu'il regarde le tennis, le golf, l'athlétisme mais surtout le catch ("je ne sais pas, j'aime bien"), mais aussi le télé-achat nord-américain doublé en français  ("c'est fascinant, je me demande à chaque fois ce qui va se passer") ainsi qu'une mauvaise série brésilienne mal doublée en français ("parce que j'aime la médiocrité réalisée avec soin, et que les gens qui travaillent pour ces produits médiocres en les défendant coûte que coûte, cela a quelque chose d'émouvant").


Sur ce, j'ai voulu photographier les chaussettes qu'il portait ce jour-là. Mais parce que ses chaussettes du jour étaient de simples socquettes blanches, il refusa catégoriquement, arguant que j'allais nuire à sa réputation d'enchaussetté cinq étoiles.

Inquiet à l'idée de devoir faire lever des gens au cas où il serait placé en milieu de rang, Alekssandre s'est ensuite dépêché de rejoindre sa place pour la représentation de Les garçons et Guillaume, à table !.

À la rentrée, je vous livrerai le portrait de Laetitia, que j'avais contactée de la même manière qu'Alekssandre après un commentaire très drôle qu'elle avait laissé sur le blog, et que j'ai finalement rencontrée à l'occasion d'une représentation de Vénus à l'Athénée.

Si vous souhaitez que je vous tire le portrait, n'hésitez pas à me contacter soit par mail, soit via un commentaire sur le blog, soit lors de votre venue à l'Athénée (me demander auprès de l'équipe de l'Athénée mais attention, je ne suis pas là tous les soirs !).
Je suis également preneuse de vos écrits portant sur le spectacle vivant en général et/ou l'Athénée en particulier.

Les Garçons et Guillaume, à table!, fort de son succès de janvier et février derniers, se rejoue à l'Athénée jusqu'au 17 juillet !

Bon week-end.

C'est de saison • Pleins feux

Comme je vous le disais hier en vous montrant les coulisses de l'événement, l'Athénée présentait sa saison 2010-2011 il y a peu.

Tour d'horizon partiel et partial, que vous pourrez compléter en allant voir les vidéos de la soirée sur la fiche de chaque spectacle du site internet de l'Athénée :


Oh les beaux jours de Beckett - mise en scène de Robert Wilson

Adriana Asti, que vous connaissez peut-être pour l'avoir vue au cinéma chez Visconti, Bertolucci ou Pasolini, jouera dans Oh les beaux jours mis en scène par Robert Wilson.
En tournage à Venise pour le prochain film d'André Téchiné, elle présente le spectacle par téléphone :

Si vous n'entendez rien, cliquez ici pour aller sur YouTube.

Orchestre de Paris : 4 concerts pour 4 quatuors

Quatre quatuors de musiciens issus de l'orchestre de Paris viendront donner quatre concerts tout au long de la saison, en lien avec les spectacles théâtraux de l'Athénée.

Découvrez des compositeurs du 20e siècle au moment d'Oh les beaux jours, de la musique russe pour accompagner le cycle Tchekhov (Oncle Vania, Les Trois Soeurs et La Cerisaie), des œuvres abordant le néo-classique et la question de l'oppression à l'occasion de Caligula et des partitions pleines d'humour noir en résonance avec Une Visite inopportune.

Oncle Vania de Tchekhov - mise en scène de Serge Lipszyc

C'est Robin Renucci, que vous avez peut-être vu dans Un Village français ou chez Chabrol, Mocky ou Bertolucci, qui interprétera Oncle Vania. Il est venu présenter le spectacle mis en scène par Serge Lipszyc.

Patrice Martinet et Robin Renucci

Fondation Royaumont - 4 récitals pour 6 chanteurs

(c)Malte Martin

Depuis quelques saisons, l'Athénée vous propose d'entremêler théâtre et musique : avec la Fondation Royaumont, découvrez quatre concerts pour voix et piano en octobre, décembre, mars et mai.

Les Trois Soeurs de Tchekhov - mise en scène de Volodia Serre

Volodia Serre, le metteur en scène des Trois Soeurs, a vraiment trois soeurs, toutes comédiennes.
C'est donc tout naturellement qu'il leur a confié les rôles-titres et qu'il interprétera également leur frère dans le spectacle.

Ils sont venus en famille nous lire quelques morceaux choisis de Tchekhov dont on oublie trop souvent le potentiel comique.

Si vous ne voyez pas la vidéo, cliquez ici pour aller sur YouTube.

La Cerisaie de Tchekhov - mise en scène de Paul Desveaux

Pour compléter ce cycle Tchekhov, Paul Desveaux, déjà venu à l'Athénée pour Les Enfants terribles, est venu présenter sa Cerisaie dont vous trouverez cette jolie citation dans la brochure 2010-2011 de l'Athénée : "c'est beau, c'est sensible, à part qu'on ne comprend rien".

© Malte Martin

Résidence de Claire-Marie Le Guay

La pianiste Claire-Marie Le Guay est en résidence à l'Athénée depuis deux saisons : très attachée à la sensibilisation à l'art, elle a construit un véritable projet pédagogique où elle passe du temps dans des écoles primaires parisiennes et donne des concerts spécialement pour les enfants.
Elle donne également des récitals pour les adultes, au nombre de deux cette saison.

Claire-Marie Le Guay en coulisses avant d'entrer sur la scène de la présentation de saison.

Phi-Phi, une opérette d'Henri Christiné et Albert Willemetz - mise en scène de Johanny Bert pour Les Brigands

Si vous êtes un habitué de l'Athénée, vous connaissez déjà l'univers déjanté de la compagnie des Brigands qui livrent une opérette ou un opéra-bouffe au Théâtre tous les ans.

Le metteur en scène Johanny Bert, après avoir présenté Phi-Phi, a fait monter son équipe sur scène pour une démonstration très en jambes :

Si vous ne voyez pas la vidéo, cliquez ici pour aller sur YouTube.

Le Journal d'un disparu, opéra de Leos Janacek - direction musicale et mise en scène de Christophe Crapez.

Chanteuse dans le spectacle, Éva Gruber était déjà venue à l'Athénée pour L'Opéra de quatre notes : elle revient cette fois-ci dans Le Journal d'un disparu qu'elle s'est chargée de présenter.

Janacek est un compositeur tchèque né en 1854 et décédé en 1928. Il a composé des œuvres comme la Sinfonietta, L'Affaire Makropoulos, De la Maison des morts, Jenufa ou La petite Renarde rusée.

Voici un court extrait sonore (moins d'une minute) du Journal d'un disparu :

Si vous ne voyez pas la vidéo, cliquez ici pour aller sur YouTube.

Caligula de Camus - mise en scène de Stéphane Olivié Bisson
Stéphane Olivié Bisson : "Dans l'imaginaire collectif, Camus, c'est la photo en noir et blanc, la cigarette aux lèvres… Ça sent le Panthéon!"

Avant de partir, il offrit à Patrice Martinet, directeur de l'Athénée, ce livre rassemblant Albert Camus, René Char et Henriette Grindat.

La Voix humaine, opéra de Poulenc d'après Cocteau - mise en scène de Vincent Vittoz

Vincent Vittoz est venu présenter l'opéra de Poulenc composé d'après l'œuvre éponyme de Jean Cocteau :

L'Échange de Paul Claudel et l'opéra Didon et Énée de Purcell - mises en scène de Bernard Levy

Bernard Levy a déjà mis en scène deux spectacles à l'Athénée : En attendant Godot et Fin de partie, deux pièces de Beckett.

Il revient deux fois cette saison dans deux œuvres très différentes, L'Échange de Paul Claudel dont il espère faire "quelque chose d'âpre, de sensuel, de drôle mais terriblement émouvant" et Didon et Énée de Purcell qu'il abordera en novice de l'opéra.

Une Visite inopportune de Copi - mise en scène de Philippe Calvario

Philippe Calvario : "La visite inopportune, c'est cette saleté de mort qui arrive un peu trop tôt…"

Ali Baba ou les quarante voleurs, opéra de Cherubini - mise en scène de Charlotte Nessi

Comme l'a dit Charlotte Nessi, "on connaît tous Ali Baba même si on ne sait plus très bien ce que font les quarante voleurs".

© Malte Martin

Le Récit de la servante Zerline de Hermann Broch - mise en scène d'Yves Beaunesne

"Voilà encore une journée de passée qui ne reviendra plus"

Vu à l'Athénée pour sa mise en scène de Cosi fan tutte de Mozart, Yves Beaunesne a un vrai talent pour donner envie d'aller voir ses spectacles, décuplé ici par la présence de l'actrice Marilu Marini.

Je vous laisse donc regarder la vidéo sur le site de l'Athénée en lançant un appel de fashion victim :

Le jour de la présentation de saison, Marilu Marini portait ces chaussures. Je veux les mêmes. Merci de me communiquer toute information me permettant de les trouver ("pique-les dans la loge de Madame Marini quand elle reviendra jouer le spectacle" N'EST PAS une information valable !). Merci.

Il est encore temps de vous abonner pour cette saison 2010-2011 !
La saison actuelle n'est pas encore terminée : Guillaume Gallienne joue jusqu'au 17 juillet la reprise de son spectacle Les Garçons et Guillaume, à table !

Bon jeudi et à demain pour le premier portrait de spectateur sur ce blog.

Où est Charlie ? • Coulisses

La saison de l'Athénée est en train de se terminer, ou presque : Guillaume Gallienne, passé à l'Athénée en janvier et février derniers, reprend son spectacle Les Garçons et Guillaume, à table ! à partir de demain et jusqu'au 17 juillet.

Mais la saison prochaine est lancée, et l'équipe de l'Athénée prépare déjà la venue des spectacles programmés au Théâtre à partir de septembre.

Le 29 mai dernier, Patrice Martinet, directeur de l'Athénée, présentait cette nouvelle saison 2010-2011 en présence des artistes. En coulisses ou disséminée dans le public, l'équipe de l'Athénée assistait à l'événement ou participait à son déroulement :

Alexandra dans une loge d'avant-scène (je crois qu'elle m'a repérée)

Denis dans l'un des postes de régie
(lui aussi m'a repérée, et il ne compte pas me faciliter la tâche)

Dominique et Denis dans le même poste de régie.

Dominique et Denis qui… euh...

Lola, parmi les spectateurs.

Églantine et Aline, quelques mètres plus loin.

Liza en spectatrice, Yoann en régie.

Julie et Mano, organisatrices en coulisses, profitent d'une micro-pause.

L'ombre de Yan en coulisses.

En coulisses, Amandine se penche pour regarder la scène.

Pardon à ceux et celles que je n'ai pas réussi à prendre en photo, et à demain pour le côté face !

Joyeux strapontin ! • Coulisses

Hier soir, c'était la fête de fin de saison de l'Athénée : tous les artistes, techniciens et administratifs qui ont fait la saison étaient conviés à une soirée dont le clou reste, bien sûr

LA CÉRÉMONIE DU STRAPONTIN D'OR

Instaurée par Denis Léger, la cérémonie du strapontin d'or consiste à remettre un prix à l'artiste ou le technicien "le plus" de la saison. Le plus quoi, c'est bien la question…

L'année dernière, le strapontin d'or avait été remis à Thierry Bosc, qui jouait dans En attendant Godot de Beckett mis en scène par Bernard Levy (le billet que j'avais consacré à la cérémonie 2009 est ici).

Thierry Bosc était là cette année pour remettre le strapontin d'or 2010 à son successeur dont je vous laisse découvrir l'identité dans cette vidéo :

La vidéo dure moins de cinq minutes.
Si vous ne la voyez pas, cliquez ici pour la regarder sur YouTube.

Bravo à Mireille Herbstmeyer, qui jouait cette saison dans La Cantatrice chauve (texte de Ionesco et mise en scène de Jean-Luc Lagarce) et Les Règles du savoir-vivre dans la société moderne (texte de Jean-Luc Lagarce et mise en scène de François Berreur).

À demain !

D'abord • Coulisses

Vous n'êtes peut-être pas du genre à aimer assister aux rencontres organisées après les spectacles. En ce qui me concerne, j'ai du mal à parler d'un spectacle dix minutes après l'avoir vu, et si j'ai quelques questions qui me viennent, j'ai parfois envie de les laisser sans réponse (mais ce n'est évidemment qu'un avis personnel).

Pour les gens comme moi (et les autres), l'Athénée propose des rencontres avant les spectacles, comme une sorte d'introduction à ce que vous allez voir.

C'était avant la représentation du Père de vendredi dernier qu'était projeté un documentaire sur la genèse de l'oeuvre composée par Michael Jarrell sur un texte de Heiner Müller et mise en scène par André Wilms.
 
Réalisé par Laurent Feneyrou et Benoît Martin, le documentaire donnait un aperçu de la création du Père, tant du point de vue de la partition que du spectacle : Michael Jarrell, le compositeur, évoquait l'ambiguïté du texte de Müller (entre recherche et mise à distance du père), tandis que Gilles Privat, comédien dans le spectacle, expliquait comment la musique donnait selon lui un espace au texte qui résonnait ainsi comme s'il était sur un coussin, ou qu'André Wilms, le metteur en scène, définissait Le Père comme un très court roman d'apprentissage.

Laurent Feneyrou, Lola Gruber et Benoît Martin

Après le visionnage du documentaire, ses deux auteurs sont montés sur scène pour une rencontre modérée par Lola Gruber, auteure des textes à l'Athénée (les programmes de salle et brochures, entre autres).
Il y fut question des harmonies destructurées de la musique de Michael Jarrell, de la nécessité de conserver la radicalité de chacun des artistes créateurs du Père et d'un mystérieux effet sonore appelé Waveform Synthesis qui consiste à spatialiser le son pour, par exemple, vous donner l'impression que l'on chuchote à votre oreille...

Il faudra attendre la saison prochaine pour assister à une nouvelle rencontre avant un spectacle : le premier "d'abord" aura lieu le 5 janvier 2011 à l'occasion de Phi-Phi.
En revanche, il y aura un "ensuite", c'est-à-dire une rencontre après une représentation, dès le 28 septembre à l'occasion d'Oh les beaux jours de Beckett mis en scène par Bob Wilson (puis pour Oncle Vania, Les Trois Soeurs ou La Cerisaie, et il y aura également des projections de films au Cinéma Le Balzac ou des cafés-débats, mais n'anticipons pas).

Bon début de semaine!

Batterie de cuisine • Pleins feux

Comme je vous le disais hier, les percussions employées dans Le Père (théâtre musical à l'Athénée jusqu'à samedi) sont pour le moins inhabituelles.

Voici ce que mon micro a pu capter de ces drôles d'instruments lors de la première qui a eu lieu hier :

Si vous n'entendez rien, cliquez ici pour aller sur YouTube.

Le Père se joue encore ce soir et demain.

Bon week-end et à lundi !

"Il manque encore une Spontex, là" • Coulisses

Le Père, une pièce de théâtre musical de Michael Jarrell d'après Heiner Müller, commence ce soir à l'Athénée pour trois représentations.

L'orchestre est inhabituel, puisque la partition est composée uniquement pour des percussions qui seront interprétées à l'Athénée par l'ensemble des Percussions de Strasbourg.

Mais si l'on y regarde de plus près, la composition de l'orchestre n'est pas le seul élément étonnant : la nature des instruments, pour peu que l'on s'y attarde, réserve quelques sourires.

Je vous laisse chercher les quelques anomalies présentes sur ces images, en espérant pouvoir vous proposer très vite un aperçu sonore de tous ces ustensiles…

Le Père mis en scène par André Wilms, avec les Percussions de Strasbourg, Gilles Privat, Suzanne Leitz-Lorey, Truike van der Poel et Raminta Babickait, se joue demain, après-demain et samedi à l'Athénée dans le cadre du Festival Agora de l'IRCAM.

Bonne journée !

"Il faut chercher à savoir pourquoi le peuple accepte seulement des sous-produits." • Pleins feux

"Ma langue, pour des raisons bizarres, est considérée comme difficile ; pour l'unique raison qu'elle est en fait toute simple, directe et précise. On n'a plus l'habitude d'écouter des textes précis."

Qui est Heiner Müller ?

C'est l'auteur d'un texte qu'a repris le compositeur Michael Jarrell pour Le Père, œuvre de théâtre musical qui sera jouée à l'Athénée demain, vendredi et samedi.

Le Père est un récit où Heiner Müller retrace autant une vie que l'histoire de l'Allemagne : en dix fragments, l'on passe du nazisme au communisme tout en plongeant dans les liens entre un père et son fils.

Né en Allemagne en 1929, Heiner Müller a quatre ans lorsque son père se fait arrêter en pleine nuit par les Nazis. Refusant l'exil, il assistera successivement à la débâcle de l'Empire nazi, l'occupation et la partition de l'Allemagne, l'expérience communiste de la République Démocratique Allemande (où il avait choisi de rester), la chute du mur de Berlin et la réunification de l'Allemagne. Il est décédé à la toute fin de l'année 1995.



"Une raison essentielle d'écrire des pièces réside dans le malin plaisir ; il est la source de tout humour – le malin plaisir, c'est de voir que quelque chose tourne au vinaigre et qu'on est en mesure de le décrire. C'est là, je crois, un modèle de base du théâtre et également du comique... Prendre conscience du caractère comique de mes pièces est, à mon avis, important, mais personne apparemment ne le voit ni ne le saisit – raison pour laquelle les choses, si souvent, tournent mal."



Resté célèbre pour ses pièces de théâtre, il a également écrit des récits et des poèmes, et a été directeur du théâtre du Berliner Ensemble.
Explorant le destin de l'Allemagne, ses écrits très singuliers témoignent d'une écriture fragmentaire où pointent souvent la réécriture et le montage de textes existants, comme Hamlet, Philoctète, Les Liaisons dangereuses ou Médée. Le mythe et la grande histoire se mêlent aux histoires amoureuses et familiales dans une grande variété de tons souvent imprégnée de second degré.

Parfois interdit en RDA (comme sa pièce Hamlet-Machine, censurée pour "pessimisme historique"), il est rapidement connu en Europe de l'Ouest et aux États-Unis. En France, il est révélé par Bernard Sobel, Jean-François Peyret, Jean Jourdheuil ou Patrice Chéreau.

Après une collaboration avec Bob Wilson pour un opéra qui ne verra jamais le jour, ses textes sont adaptés en musique par Pascal Dusapin (Medeamaterial) ou Michael Jarrell (Le Père).

Le Père se joue à l'Athénée pour trois représentations à partir de demain. Créé dans le cadre du Festival Agora de l'IRCAM (Centre Pompidou), il est mis en scène par André Wilms.

À demain !

NB : toutes les citations sont extraites d'un entretien avec Heiner Müller réalisé par Rolf Ruth et Petra Schmitz pour le Theater Heute d'avril 1982. Traduction : Heinz Schwarzinger.

L'art du désordre organisé • Coulisses

En venant dimanche à l'Athénée alors que la pièce Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé s'était terminée la veille, je pensais trouver un plateau quasiment vide et deux ou trois techniciens en train de préparer tranquillement la venue du Père qui se joue à partir de jeudi.

Et en fait, hum… comment vous dire ?

Le Père, une œuvre de théâtre musical du compositeur contemporain Michael Jarrell sur un texte de l'auteur allemand Heiner Müller (1929-1995), nécessite en effet quatre jours de montage technique réalisé par presque trente techniciens.

Le montage se poursuivait encore hier et se terminera ce soir avant de laisser place aux dernières répétitions avec les musiciens, comédiens et chanteurs.

Le Père a été créé il y a une dizaine de jours en Allemagne et se jouera à l'Athénée jeudi, vendredi et samedi dans le cadre du festival Agora de l'IRCAM.

Bon mardi !

Nous tenons bon, nous tiendrons bon • Perspective

Si vous avez vu la brochure de l’Athénée pour la prochaine saison, vous avez peut-être été interpellés par la phrase qu’elle affiche en couverture, “tenons bon !”.

(c) Malte Martin

Lors de la présentation au public de la saison 2010-2011, Patrice Martinet, le directeur de l’Athénée, expliquait le “tenons bon!” ainsi :

L’extrait son dure 2 minutes et vingt secondes.
Si vous n’entendez rien, cliquez ici pour l’écouter sur YouTube.)

Merci à Yoann Perez et à l’équipe de l’Athénée pour l’enregistrement sonore.

Bon début de semaine !

La farfelue du jardin des plantes • Pleins feux

Les amours tragiques de Pyrame et Thisbé se joue à l’Athénée dans une mise en scène de Benjamin Lazar qui s’inspire du théâtre baroque (l’interview qu’il m’a accordée est ici).

Mais comment les comédiens jouaient-ils aux 17e et 18e siècles en France ?
Le sujet est trop large pour être abordé dans son intégralité ; je laisse donc de côté les costumes, décors, scène, gestuelle et déplacements pour vous livrer quelques indications sur la diction et la déclamation :

La prononciation est essentielle, car la phonétique a évolué depuis le 17e siècle : le français ne se prononce pas de la même manière qu’aujourd’hui, d’autant plus qu’à cette époque, la déclamation sur une scène de théâtre ne faisait pas entendre les mêmes sons qu’une conversation courante (autrement dit, on ne prononçait pas le français au théâtre comme on le prononçait dans la vie).

Par exemple, sur les scènes de théâtre du 17e siècle :
- on roulait les R
- on ne disait pas “le roi” mais “le roué” (pour les connaisseurs en phonétique, le son [wa] se prononçait [we])
- la plupart des consonnes finales se prononçaient (sur des mots comme “moins” ou “joug”   par exemple)
- l’on faisait entendre le E muet [ë] pour distinguer les rimes féminines (vie, heure, constance...) des rimes masculines (permis, mourir, sort...)


Au niveau de la déclamation, l’alexandrin se disait selon un tempo précis que l’on pourrait qualifier de déclamation “en accent circonflexe” :
Ainsi, la première partie (les six premiers pieds) du vers se disait avec une montée de la voix. Après une pause plus ou moins longue à l’hémistiche (la moitié du vers), la seconde partie était marquée par une descente de la voix.

Le rythme du vers se construit également grâce à des accents d’intonation, c’est-à-dire que des syllabes précises du vers sont accentuées selon le sens du texte (on met l’accent sur des mots à forte charge émotionnelle) ou selon des règles phonétiques.

Si l’alexandrin n’a pas été conçu pour être musical, la déclamation du 17e siècle, parce qu’elle visait à mettre la langue française en valeur, donnait des intonations musicales au texte de théâtre.


Pour en savoir davantage sur le jeu de l’acteur baroque, la référence bibliographique incontournable est La Parole baroque d’Eugène Green.


NB :pour écrire ce billet d’initiation à la prononciation baroque, j'ai repris mon cours sur l’art de l’acteur aux 17e et 18e siècles suivi à l’université.
Je remercie donc tout spécialement son auteure, Julia Gros de Gasquet, qui s’était auto-surnommée “la farfelue du jardin des plantes” après nous avoir donné un cours en plein air pour échapper à une salle de classe en surchauffe. ?Plusieurs promeneurs du Jardin des Plantes (Paris 5e) s’étaient d’ailleurs assis parmi nous pour écouter l’intégralité du cours, soit tout de même deux heures sur la technique de l’acteur baroque: à croire que, contrairement à ce qu’on nous dit, le théâtre intéresse encore du monde.


Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau se joue à l’Athénée jusqu’à demain !

Bon week-end.


PS : comme je vous l’avais promis, voici le nombre de bougies utilisées pour le spectacle : cent soixante bougies brûlent chaque soir sur le plateau des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé.

Les petits objets de Denis Léger (4) • D'hier à aujourd'hui

Si vous habitez dans une grande ville, vous avez sans doute déjà vu ces présentoirs comportant différentes cartes postales publicitaires que l’on trouve dans les cafés, restaurants, magasins, universités et autres lieux publics.

Au début du 20e siècle, ce réseau de cartes publicitaires n’existait pas : la Poste, par contre, si.

C’est Denis Léger, directeur technique de l’Athénée, qui conserve dans son bureau ces cartes postales faisant la promotion de deux spectacles du Théâtre.

Elles vantent toutes deux l’”immense succès” de deux pièces jouées à l’Athénée en 1905-1906 : Triplepatte de Tristan Bernard pour la première, La petite Milliardaire de Henry Dumay et Louis Forest pour la seconde.

Si le verso de la seconde est complètement vierge, la première était manifestement destinée à être envoyée : ne figurent pourtant que les coordonnées du destinataire (Madame Martel, qui habitait donc en Champagne-Ardenne) sans message d’accompagnement ni timbre ou cachet. Si jamais vous connaissez une famille Martel à Champfleury….


Bon jeudi. À l’Athénée, Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé se joue jusqu’à samedi.

J'ai un ami qui va arriver en retard... • Coulisses

Nous avons vu la semaine dernière ce que l’on entendait en enregistrant l’équipe artistique et technique de l’Athénée quelques minutes avant une représentation des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé.

Et si l’on fait la même chose du côté des spectateurs, qu’entendra-t-on?

Réponse en une minute et trente secondes de son :

Si vous n’entendez rien, montez le son ou cliquez ici pour aller sur YouTube.

Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé mis en en scène par Benjamin Lazar et avec Lorenzo Charoy, Julien Cigana, Benjamin Lazar, Anne-Guersande Ledoux, Louise Moaty, Alexandra Rübner, Nicolas Vial se joue jusqu’à samedi.

"Je me suis tué parce que je ne vous trouvais pas" • Pleins feux

Mon billet d’hier sur les parodies de Pyrame et Thisbé laissait la part belle au Songe d’une nuit d’été où Shakespeare développait largement le sujet. Place aujourd’hui à une parodie anonyme et à des allusions dans une tirade de Rostand et un poème d’Apollinaire :

Parodie de Pyrame et Thisbé
Anonyme

En 1726, François Rebel et François Francoeur créaient une tragédie lyrique, Pyrame et Thisbé, qui, si elle connut un véritable succès populaire, fut rapidement et largement parodiée —comme de nombreux ouvrages présentés à l’Académie Royale de Musique à cette époque, du reste.
Parmi les parodies et détournements qui nous sont parvenus, citons une pièce anonyme datant du 18e siècle et plus particulièrement le moment où Thisbé découvre Pyrame (presque) mort :

« THISBÉ Ciel, mon amant va rendre l’âme,
Et son visage est tout défait!
Es-tu mort?

PYRAME Non, pas encor.

THISBÉ Eh, relevez-vous donc, mon cher Pyrame !
Relevez-vous et fuyons bien fort.

PYRAME Je ne saurais, ma mignonne, je me suis tué parce que je ne vous trouvais pas.

THISBÉ Vous ne seriez pas bon à jouer à la clemissette [= à cache-cache], si vous vous tuez comme cela quand vous ne trouvez pas les gens ! »

Vous pourrez trouver ce texte dans Pyrame et Thisbé, un opéra au miroir de ses parodies 1726-1779 (ouvrage sous la direction de Françoise Rubellin, éditions espaces 34, 2007).
Je l'ai trouvé pour ma part cité par Florent Siaud dans son cahier dramaturgique sur Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé.

Cyrano de Bergerac
Edmond Rostand

Pyrame et Thisbé se retrouvent également dans ce qui est aujourd’hui l’une des répliques les plus célèbres du théâtre français, la fameuse tirade du nez dans Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand.
L’allusion intervient sur la fin de la tirade et concerne cette fois directement la tragédie de Théophile de Viau et non plus seulement l’histoire de Pyrame et Thisbé.
À la scène 2 de l’acte V des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Viau, lorsque Thisbé découvre le corps de Pyrame, elle déclare : «Ha ! voici le poignard qui du sang de son maître / S'est souillé lâchement ; il en rougit, le traître !».
Le vers sera par ailleurs copieusement moqué par Boileau qui critiquait le lien établi entre la rougeur du poignard couvert de sang et sa honte supposée.

Acte I, scène 4

« LE VICOMTE
Personne ?
Attendez ! Je vais lui lancer un de ces traits ! ...
Il s’avance vers Cyrano qui l’observe, et se campant devant lui d’un air fat.
Vous.... vous avez un nez... heu... un nez... très grand.

CYRANO, gravement
Très.

LE VICOMTE, riant
Ha !

CYRANO, imperturbable
C’est tout ? ...

LE VICOMTE
Mais...

CYRANO
Ah ! non ! c’est un peu court, jeune homme !
On pouvait dire... Oh ! Dieu ! ... bien des choses en somme...
En variant le ton, - par exemple, tenez :
Agressif : "Moi, monsieur, si j’avais un tel nez,
Il faudrait sur-le-champ que je me l’amputasse ! "
Amical : "Mais il doit tremper dans votre tasse
Pour boire, faites-vous fabriquer un hanap ! "
Descriptif : "C’est un roc ! ... c’est un pic ! ... c’est un cap !
Que dis-je, c’est un cap ? ... C’est une péninsule ! "
Curieux : "De quoi sert cette oblongue capsule ?
D’écritoire, monsieur, ou de boîte à ciseaux ? "
Gracieux : "Aimez-vous à ce point les oiseaux
Que paternellement vous vous préoccupâtes
De tendre ce perchoir à leurs petites pattes ? "
Truculent : "Ça, monsieur, lorsque vous pétunez,
La vapeur du tabac vous sort-elle du nez
Sans qu’un voisin ne crie au feu de cheminée ? "
Prévenant : "Gardez-vous, votre tête entraînée
Par ce poids, de tomber en avant sur le sol ! "
Tendre : "Faites-lui faire un petit parasol
De peur que sa couleur au soleil ne se fane ! "
Pédant : "L’animal seul, monsieur, qu’Aristophane
Appelle Hippocampéléphantocamélos
Dut avoir sous le front tant de chair sur tant d’os ! "
Cavalier : "Quoi, l’ami, ce croc est à la mode ?
Pour pendre son chapeau, c’est vraiment très commode ! "
Emphatique : "Aucun vent ne peut, nez magistral,
T’enrhumer tout entier, excepté le mistral ! "
Dramatique : "C’est la Mer Rouge quand il saigne ! "
Admiratif : "Pour un parfumeur, quelle enseigne ! "
Lyrique : "Est-ce une conque, êtes-vous un triton ? "
Naïf : "Ce monument, quand le visite-t-on ? "
Respectueux : "Souffrez, monsieur, qu’on vous salue,
C’est là ce qui s’appelle avoir pignon sur rue ! "
Campagnard : "Hé, ardé ! C’est-y un nez ? Nanain !
C’est queuqu’navet géant ou ben queuqu’melon nain ! "
Militaire : "Pointez contre cavalerie ! "
Pratique : "Voulez-vous le mettre en loterie ?
Assurément, monsieur, ce sera le gros lot ! "
Enfin parodiant Pyrame en un sanglot
"Le voilà donc ce nez qui des traits de son maître
A détruit l’harmonie ! Il en rougit, le traître ! "
– Voilà ce qu’à peu près, mon cher, vous m’auriez dit
Si vous aviez un peu de lettres et d’esprit. »

Les onze mille Verges
Guillaume Apollinaire

Habitué des salles de classe pour des livres comme Alcools, Le Bestiaire ou Calligrammes, Apollinaire a également publié des poésies érotiques, souvent de manière anonyme ou sous pseudonyme.
Dans Les onze mille Verges, l’on trouve deux sonnets improvisés par le personnage de Mony qui glisse une allusion parodique à Pyrame et Thisbé.
Le dialogue entourant ces deux sonnets a lieu entre Estelle et Mony :

« — T’occupe pas de ça, Mony, fais-moi encore des vers avant d’aller au dodo.
— Bien, dit Mony, et il improvisa ces délicats sonnets mythologiques.
HERCULE ET OMPHALE
Le cul
D’Omphale
Vaincu
S’affale.
— Sens tu
Mon phalle
Aigu ?
— Quel mâle !...
Le chien
Me crève !...
Quel rêve ?...
— Tiens bien ?
Hercule
L’encule.

PYRAME ET THISBE
Madame
Thisbé
Se pâme :
“Bébé”
Pyrame
Courbé
L’entame :
“Hébé !”
La belle
Dit oui
Puis elle
Jouit
Tout comme
Son homme.

— C’est exquis ! délicieux ! admirable ! Mony, tu es un poète archi-divin, viens me baiser dans le sleeping-car, j’ai l’âme foutative. »

Remerciements au site Méditerranées et à Florent Siaud, rédacteur du cahier dramaturgique des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé mis en scène par Benjamin Lazar
(le cahier est à télécharger en PDF ici).

Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau mis en scène par Benjamin Lazar se joue jusqu’à samedi.
Ce soir, vous pourrez rencontrer l’équipe artistique: rendez-vous après la représentation dans le foyer-bar !

"Non, vraiment, ne me faites pas jouer une femme ; j’ai la barbe qui me vient." • Pleins feux

Comme nous l’avons vu le 27 puis le 28 mai, l’histoire de Pyrame et Thisbé a inspiré autant des écrivains comme Ovide, La Fontaine ou Viau (dont Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé se joue actuellement à l’Athénée) que des peintres comme Pagani ou Poussin.

Mais Pyrame et Thisbé ont aussi largement été parodiés, comme chez Shakespare,  Rostand ou Apollinaire.

Si Pyrame et Thisbé se retrouvent ainsi en mode sérieux dans Roméo et Juliette, Shakespeare les a également cités dans son Songe d’une nuit d’été où des artisans décident de monter une pièce pour le mariage de Thésée et Hippolyte: cette pièce qu’ils choisissent de jouer (comme des pieds) raconte justement l’histoire de Pyrame et Thisbé.

Extraits choisis dans la traduction de François-Victor Hugo (le fils de) :

Le Songe d'une nuit d'été
William Shakespeare

ACTE 1, scène 2
(le temps des répétitions, 1)

« LECOING Toute notre troupe est-elle ici ?
BOTTOM Vous feriez mieux de les appeler tous l’un après l’autre, en suivant la liste.
LECOING Voici sur ce registre les noms de tous ceux qui, dans Athènes, ont été jugés capables de jouer notre intermède devant le duc et la duchesse, pendant la soirée de leurs noces.
BOTTOM Dites-nous d’abord, mon bon Pierre Lecoing, quel est le sujet de la pièce ; puis vous lirez les noms des acteurs ; et ainsi vous arriverez à un résultat.
LECOING Morguienne, notre pièce c’est La très lamentable comédie et la très cruelle mort de Pyrame et Thisbé.
BOTTOM Un vrai chef-d’œuvre, je vous assure, et bien amusant... Maintenant, mon bon Pierre Lecoing, appelez vos acteurs en suivant la liste... Messieurs, alignez-vous.
[…]
LECOING Vous, Nick Bottom, vous êtes inscrit pour le rôle de Pyrame.
BOTTOM Qu’est-ce que Pyrame ? Un amoureux ou un tyran ?
LECOING Un amoureux qui se tue très galamment par amour.
[…]
LECOING François Flûte, raccommodeur de soufflets.
FLÛTE Voici, Pierre Lecoing.
LECOING Il faut que vous preniez Thisbé sur vous.
FLÛTE Qu’est-ce que Thisbé ? Un chevalier errant ?
LECOING C’est la dame que Pyrame doit aimer.
FLÛTE Non, vraiment, ne me faites pas jouer une femme ; j’ai la barbe qui me vient.
LECOING C’est égal ; vous jouerez avec un masque, et vous ferez la petite voix autant que vous voudrez.
[…]

ACTE 3, scène 1
(le temps des répétitions, 2)

BOTTOM Il y a dans cette comédie de Pyrame et Thisbé des choses qui ne plairont jamais. D’abord, Pyrame doit tirer l’épée pour se tuer ; ce que les dames ne supporteront pas. Qu’avez-vous à répondre à ça ?
GROIN Par Notre-Dame ! ça leur fera une peur terrible.
MEURT DE FAIM Je crois que nous devons renoncer à la tuerie comme dénouement.
BOTTOM Pas le moins du monde. J’ai un moyen de tout arranger. Faites-moi un prologue ; et que ce prologue affecte de dire que nous ne voulons pas nous faire de mal avec nos épées et que Pyrame n’est pas tué tout de bon ; et, pour les rassurer encore mieux, dites que moi, Pyrame, je ne suis pas Pyrame, mais Bottom le tisserand : ça leur ôtera toute frayeur.
[…]
LECOING Mais il y a encore deux choses difficiles : c’est d’amener le clair de lune dans une chambre ; car, vous savez, Pyrame et Thisbé se rencontrent au clair de lune.
[…]
BOTTOM Eh bien, vous pourriez laisser ouverte une lucarne de la fenêtre dans la grande salle où nous jouerons ; et la lune pourra briller par cette lucarne.
LECOING Oui ; ou bien quelqu’un devrait venir avec un fagot d’épines et une lanterne et dire qu’il vient pour défigurer ou représenter le personnage du clair de lune. Mais il y a encore autre chose. Il faut que nous ayons un mur dans la grande salle ; car Pyrame et Thisbé, dit l’histoire, causaient à travers la fente d’un mur.
ÉTRIQUÉ Vous ne pourrez jamais apporter un mur. . . Qu’en dites-vous, Bottom ?
BOTTOM Un homme ou un autre devra représenter le mur : il faudra qu’il ait sur lui du plâtre, ou de l’argile, ou de la chaux pour figurer le mur ; et puis, qu’il tienne ses doigts comme ça, et Pyrame et Thisbé chuchoteront à travers l’ouverture.
LECOING Si ça se peut, alors tout est bien. Allons, asseyez-vous tous, fils de mères que vous êtes, et répétez vos rôles. Vous, Pyrame, commencez : quand vous aurez dit votre tirade, vous entrerez dans ce taillis, et ainsi de suite, chacun à son moment.
[…]
LECOING Parlez, Pyrame... Thisbé, avancez.
PYRAME Thisbé, les fleurs odieuses ont un parfum suave...
LECOING Odorantes ! odorantes !
PYRAME "Les fleurs odorantes ont un parfum suave. tel celui de ton haleine, ma très chère Thisbé, chérie. Mais écoute, une voix ! Arrête un peu ici, et tout à l’heure je vais t’apparaître."
Sort Pyrame.
[…]
THISBÉ Est-ce à mon tour de parler ?
LECOING Oui, pardieu, c’est à votre tour ; car vous devez comprendre qu’il n’est sorti que pour voir un bruit qu’il a entendu, et qu’il va revenir.
THISBÉ "Très radieux Pyrame, au teint blanc comme le lis, toi dont l’incarnat est comme la rose rouge sur l’églantier triomphant, le plus piquant jouvenceau, et aussi le plus aimable Juif, fidèle comme un fidèle coursier qui jamais ne se fatigue, j’irai te retrouver, Pyrame, à la tombe de Nigaud."
LECOING À la tombe de Ninus, l’homme !. . . Mais vous ne devez pas dire ça encore : c’est ce que vous répondrez à Pyrame ; vous dites tout votre rôle à la fois, en confondant toutes les répliques. Entrez, Pyrame : on a passé votre réplique, après ces mots : “qui jamais ne se fatigue”.
[…]

Acte 5, scène 1
(Le temps de la représentation, où les acteurs jouent en même temps qu’ils répondent aux diverses questions de leurs spectateurs)

LE PROLOGUE Gentils auditeurs, peut-être êtes-vous étonnés de ce spectacle ;
Restez-le donc jusqu’à ce que la vérité vienne tout expliquer.
Cet homme est Pyrame, si vous voulez le savoir.
Cette belle dame est Thisbé : c’est évident.
Cet homme, avec son plâtre et sa chaux, représente
Un mur, cet ignoble mur qui séparait nos amants :
C’est à travers ses fentes que ces pauvres âmes sont réduites
À chuchoter. Que nul ne s’en étonne.
Cet homme, avec sa lanterne, son chien et son fagot d’épines,
Représente le Clair de Lune : car, si vous voulez le savoir,
Devant le clair de lune, nos amants ne se font pas scrupule
De se rencontrer à la tombe de Ninus pour s’y. . . pour s’y faire la cour.
Cette affreuse bête qui a nom lion,
Une nuit que la confiante Thisbé arrivait la première,
La fit fuir de peur, ou plutôt d’épouvante.
Comme elle se sauvait, Thisbé laissa tomber sa mante
Que cet infâme lion souilla de sa dent sanglante.
Bientôt arrive Pyrame, charmant jouvenceau, très grand ;
Il trouve le cadavre de la mante de sa belle.
Sur quoi, de sa lame, de sa sanglante et coupable lame,
Il embroche bravement son sein d’où le sang bouillonne.
Alors, Thisbé, qui s’était attardée à l’ombre d’un mûrier,
Prend la dague, et se tue. Pour tout le reste,
Le Lion, le Clair de Lune, le Mur et les deux amants
Vous le raconteront tout au long quand ils seront en scène.
THÉSÉE Je me demande si le lion doit parler.
DÉMÉTRIUS Rien d’étonnant à cela, monseigneur ; un lion peut bien parler, quand il y a tant d’ânes qui parlent.
LE MUR Dans cet intermède, il arrive?
Que moi, dont le nom est Groin, je représente un mur,
Mais un mur, je vous prie de le croire,
Percé de lézardes ou de fentes,
À travers lesquelles les amants, Pyrame et Thisbé,
Se sont parlé bas souvent très intimement.
Cette chaux, ce plâtras et ce moellon vous montrent
Que je suis bien un mur. C’est la vérité.
[…]
THÉSÉE Peut-on désirer que de la chaux barbue parle mieux que ça ?
DÉMÉTRIUS C’est la cloison la plus spirituelle que j’aie jamais ouïe discourir, monseigneur.
THÉSÉE Voilà Pyrame qui s’approche du Mur. Silence !
PYRAME Ô nuit horrible ! ô nuit aux couleurs si noires !
Ô nuit qui est partout où le jour n’est pas !
Ô nuit : ô nuit ! hélas ! hélas ! hélas !
Je crains que ma Thisbé n’ait oublié sa promesse !
Et toi, ô Mur, ô doux, ô aimable Mur,
Qui te dresses entre le terrain de son père et le mien,
Mur, ô Mur, ô doux et aimable Mur,
Montre-moi ta fente que je hasarde un œil à travers.
[…]
THÉSÉE Maintenant, ce me semble, c’est au Mur, puisqu’il est doué de raison, à riposter par des malédictions.
PYRAME, s’avançant vers Thésée. Non, vraiment, monsieur ; ce n’est pas au tour du Mur. Après ces mots : m'avoir ainsi déçu, vient la réplique de Thisbé ; c’est elle qui doit paraître, et je dois l’épier à travers le Mur. Vous allez voir, ça va se passer exactement comme je vous ai dit. . . . . La voilà qui arrive.
THISBÉ Ô Mur, que de fois tu m’as entendu gémir
De ce que tu me séparais de mon beau Pyrame !
Que de fois mes lèvres cerises ont baisé tes pierres,
Tes pierres cimentées de chaux et de poils !
[…]
Voici la tombe du vieux Nigaud ; où est mon amour ?
LE LION, rugissant.
Ho !
Thisbé se sauve en laissant tomber son manteau.
DÉMÉTRIUS Bien rugi, lion !
THÉSÉE Bien couru, Thisbé !
HIPPOLYTE Bien luit, Lune... Vraiment, la lune luit de fort bonne grâce.
Le Lion déchire le manteau de Thisbé.
THÉSÉE Bien griffé, lion !
Le Lion sort.
DÉMÉTRIUS Et, sur ce, voici Pyrame qui vient.
LYSANDRE Et la lune qui s’éclipse.
Entre Pyrame.
PYRAME
Douce lune, merci de tes rayons solaires.
Merci, lune, de briller maintenant avec tant d’éclat,
Car, à la clarté dorée de tes torrents lumineux,
J’espère savourer la vue de la très fidèle Thisbé.
Mais, arrêtons ! — Ô douleur !
Mais, regardons ! Pauvre chevalier,
Quel malheur affreux !
Yeux, voyez-vous ?
Est-il possible ?
Ô poule mignonne ! ô chère !
Eh quoi ! ton manteau, le meilleur !
Teint de sang ?
Approchez, furies cruelles !
Ô Parques, venez ! venez !
Tranchez le gros fil de mes jours !
Frappez, écrasez, achevez, massacrez-moi !
THÉSÉE Cette émotion causée par la mort d’une amie chère pourrait presque donner l’air triste à un homme.
[…]
BOTTOM Voulez-vous voir l’épilogue, ou aimez-vous mieux entendre une danse bergamasque, dansée par deux comédiens de notre troupe ?
THÉSÉE Pas d’épilogue, je vous prie ; car votre pièce n’a pas besoin d’apologie. Vous n’avez rien à excuser ; car, quand tous les acteurs sont morts, il n’y a personne à blâmer. Morbleu, si celui qui a écrit cette pièce avait joué Pyrame et s’était pendu à la jarretière de Thisbé, cela aurait fait une belle tragédie.»

À demain pour découvrir les parodies de Pyrame et Thisbé chez Edmond Rostand ou Guillaume Apollinaire et dans une pièce française anonyme datant sans doute du 18e siècle.

Bon début de semaine! Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé mis en en scène par Benjamin Lazar et avec Lorenzo Charoy, Julien Cigana, Benjamin Lazar, Anne-Guersande Ledoux, Louise Moaty, Alexandra Rübner, Nicolas Vial se joue jusqu’à samedi.

Remerciements au site Méditerranées et à Florent Siaud, rédacteur du cahier dramaturgique des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé mis en scène par Benjamin Lazar
(le cahier est à télécharger en PDF ici).

Il y a une moustache sur la poubelle • Coulisses

Lorsqu’on a un micro, on peut le tendre sous le nez des artistes en leur posant quelques questions.

On peut aussi être bien plus fourbe et le cacher à l’insu de tous dans un coin de l’Athénée pour le récupérer discrètement vingt minutes plus tard et découvrir ce qu’il a enregistré.

Voici donc, en deux minutes trente, un condensé de ce que l’on peut entendre dans les coulisses des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau actuellement à l’Athénée.

Il y est entre autres question de déclamation, de dégustation de bonbons, de bouteilles de verre jetées dans le container, de rideau de fer et de moustache oubliée sur la poubelle.

Si vous ne pouvez pas lire la vidéo, cliquez ici pour l’écouter sur YouTube.

La semaine prochaine, vous entendrez le résultat du même exercice, cette fois du côté du public !

Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé mis en scène par Benjamin Lazar se joue jusqu’à la fin de semaine prochaine.

Bon week-end !

Vérifier, bougies, chaque, ta(â)che, amours. • Coulisses

Comme vous l’avez vu en photo mardi et dans les propos de son metteur en scène hier, Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé actuellement à l’Athénée ne s’éclaire qu’aux bougies.

Plus besoin donc de vérifier le fonctionnement de chaque projecteur et de chaque effet lumineux avant chaque représentation comme c’est habituellement le cas, mais de nouvelles tâches apparaissent.

Il faut d’abord évidemment remplacer quotidiennement toutes les bougies (d’ailleurs, ça me fait penser, j’irai les compter à l’occasion), mais aussi enlever toutes les taches de cire sur le plateau à l’aide de la bonne vieille technique du fer à repasser :

… ou encore de resserrer et vérifier leurs supports afin d’éviter tout dévissage incontrôlé.

Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau mis en scène par Benjamin Lazar se joue encore dix jours !

Bon jeudi.

Le spectateur en liberté • Entretien

Benjamin Lazar est le metteur en scène des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé où il joue également le rôle de Pyrame. Entretien téléphonique un jour de relâche :


« Certains spectateurs de l’Athénée te connaissent pour avoir vu ton spectacle L’autre Monde ou les états et empires de la lune en 2008. Mais comment pourrais-tu expliquer ta démarche à ceux qui n’ont jamais vu ton travail?
— Je travaille depuis maintenant de nombreuses années sur le répertoire baroque, en élargissant la notion de baroque à l’ensemble du 17e siècle : car même si l’on trouve des nuances dans l’écriture, c’est une même conception de l’acteur qui traverse le siècle. Ma démarche consiste à m’intéresser non seulement aux textes de cette époque, mais aussi aux techniques de l’acteur et aux éléments dont il se servait comme la lumière, le costume et la scénographie qui permettaient d’interpréter ce texte.
Concrètement, cela veut dire se demander en premier lieu comment un acteur utilisait sa voix, ce qui implique autant des recherches sur la prononciation que sur la déclamation (la première porte sur la façon dont on prononce un mot, la seconde sur la modulation de la voix).
Ensuite, la gestuelle de l’acteur au 17e siècle est très loin de la conception naturaliste du jeu où le corps est le reflet des sentiments, comme si la scène était l’équivalent de ce qui se passe dans la vie. La gestuelle baroque est issue d’une relecture de l’art oratoire antique, et les gestes accompagnent les idées et les mots pour appuyer le discours. Par exemple, quand on parle du ciel, on montre le ciel, quand on parle de l’amour, on montre son coeur... Ce sont des choses considérées aujourd’hui comme redondantes par rapport à ce que dit le texte, sauf que le geste est en fait là pour amener le mot par l’oeil avant ou pendant qu’il arrive dans l’oreille, et aider ainsi à la compréhension du spectateur.
Dans le même ordre d’idées, le costume a évidemment une fonction esthétique et symbolique, mais il a aussi des conséquences sur la façon de se mouvoir. Enfin, sur la question des lumières, car Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé est entièrement éclairé à la bougie, il faut savoir qu’il est impossible aujourd’hui d’imiter les qualités de la bougie. Il s’agit en outre d’un outil pour les acteurs, car les bougies sont des sources fixes: selon ses déplacements et l’orientation de son visage, l’acteur choisit d’être plus ou moins éclairé ou de créer un effet particulier. Ainsi, lorsque la mère de Thisbé raconte son rêve prémonitoire pour être petit à petit possédée par la parole de Thisbé, elle lève la tête: avec l’ombre, ses yeux paraissent noirs et changent sa physionomie. Il y a donc une vraie autonomie de l’acteur par rapport à la façon dont il s’éclaire.

— Tes spectacles relèvent-ils de la reconstitution historique ou d’une véritable création contemporaine ?
— Si nous incorporons des éléments issus de recherches historiques, ils sont mis au profit d’une recherche d’aujourd’hui: les acteurs s’approprient ces codes pour en faire un langage actuel… C’est une chose nouvelle qui se crée, car on ne saura jamais réellement comment cela se faisait!
Évidemment, sur le papier on peut se dire qu’il s’agit d’une démarche plus proche de la recherche historique que de la création artistique: mais c’est ne pas tenir compte des comédiens vivants qui investissent cette recherche... Ce qui m’intéresse est bien en quoi ces éléments historiques sont des outils qui créent quelque chose au présent.

— Hélène, l’une de mes lectrices, faisait remarquer sur le blog que Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé se rapprochait du théâtre nô, une forme de théâtre japonais très ancienne. Es-tu d’accord avec cette comparaison?
— Oui, il y a quelque chose de juste dans cette remarque. Le théâtre nô est un théâtre oriental plus ancien que le théâtre baroque puisqu’il date du moyen-âge et, comme le théâtre baroque, c’est une forme de théâtre qui ne relève absolument pas du naturalisme: il met en œuvre une série de codes très précis pour représenter les émotions et parler ; la parole n’appartient pas à un seul personnage mais aussi à un choeur qui vient commenter l’action, et il existe une sorte de diagramme de déplacements extrêmement précis.
L’attention portée au corps symbolique, à un art du déplacement qui crée un corps différent de la façon dont on se meut dans la vie rejoint effectivement le baroque, tout comme la façon de moduler la voix par exemple.
Mais il y a aussi des différences fondamentales: par exemple, la gestuelle baroque n’est pas ensemble de signes préécrits mais plutôt un principe d’animation du discours dont on a certes des exemples dans les traités d’art de l’acteur, mais qui ne limitent pas l’invention du comédien. Il existe des gestes adéquats pour faire passer des idées et soutenir le discours, mais il ne s’agit pas de choses entièrement chorégraphiées et préécrites dans lesquelles les acteurs n’auraient pas leur place. Dans le Nô, je ne doute pas que la part de l’invention de l’acteur existe, mais elle est tout de même plus réduite et se fait de très subtiles variations.

— Dans l’acte II, Pyrame dit à son ami Disarque “Je crois que ta raison vaut moins que ma folie” : à ton sens, ce vers résume-t-il autant la pièce que l’esthétique baroque dans ce qui en sera rejeté à l’époque classique ?
— Je ne sais pas s’il résume la pièce, en tout cas cela dépend de la façon dont on l’interprète. Il ne s’agit pas en tout cas d’un éloge de la folie comme opposition à la pensée: c’est plutôt une façon d’affirmer que l’individu n’a pas à se soumettre au système qui lui est présenté comme raisonnable et peut revendiquer sa liberté, ce que les autres qualifient de folie (ou, pour reprendre le terme qu’emploie le confident de Pyrame, de “mélancolie”)
À vrai dire, je crois que c’est un autre vers qui résume la pièce ; c’est lorsque Thisbé dit: “il est temps de pourvoir à notre liberté”. La plupart des personnages de la pièce sont dans cette quête de liberté et d’affranchissement de leur condition, dans ce désir de sortir du joug parental et royal. Le souhait de tous ces personnages est aussi leur échec, car la pièce est une tragédie : les personnages ne trouvent l’accomplissement que dans la mort.
Pour revenir cependant sur l’opposition entre raison et folie et ses liens avec l’esthétique baroque, il y a dans l’écriture de Viau un certain goût pour l’association illogique, l’oxymore, les invraisemblances. Cette façon d’écrire lui sera reprochée par des gens comme Boileau qui moque la réplique de Thisbé où elle associe la rougeur du sang présent sur le poignard à la supposée honte de ce dernier (acte V : “Ha ! voici le poignard qui du sang de son maître / S'est souillé lâchement ; il en rougit, le traître !”) ; d’ailleurs, si Viau avait été vivant pour répondre à cette attaque, il aurait sans doute pu lui répliquer : "Je crois que ta raison vaut moins que ma folie".
Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé est un manifeste d’écriture. Dans ce "lieu commun” (au sens de lieu partagé par l’imaginaire de tous) de l’histoire de Pyrame et Thisbé, Viau, tout en faisant passer beaucoup de choses de l’univers des Métamorphoses d’Ovide, fait passer sa voix et ses idées à lui.
Quant à l’opposition du classicisme au baroque, elle est effectivement symbolisée par ce duel entre Boileau et Viau… Le classicisme est une invention du 18e siècle, mais beaucoup d’auteurs catalogués comme classiques, non seulement lisaient Viau, Saint-Amant, Cyrano de Bergerac, mais en gardaient aussi l’esprit dans certains aspects de leurs écrits! Voltaire a rejeté Viau dans l’ombre, et il s’est retrouvé considéré comme un auteur obscur….

— Puisque l’on parle d’ombre, peux-tu commenter le fait que Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé se déroule la nuit?
— La tragédie se déroule la nuit, du soir au matin. C’est la nuit qui permet à Pyrame et Thisbé de se retrouver, car la clarté ne le leur aurait pas permis. La nuit est un passe-droit souvent utilisé par les poètes pour laisser libre cours à leur imagination sans avoir à rendre compte de la vraisemblance (voir par exemples les songes de Quvedo traduits par Scarron au 17e siècle).
Dans Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé, nous nous servons de l’ombre de manière très concrète: la bougie éclaire les visages et les dentelles, mais ne laisse que deviner les formes et rend incertains les contours des acteurs qui s’avancent sur le théâtre: dans cette nuit (comme disait Corneille, il n’y a de lumière “que ce qu’en peut souffrir le commerce des ombres”), ce que voit le spectateur, est-il réel ou irréel? Les personnages sont-ils des êtres humains ou des fantômes? L’imagination des spectateurs est en liberté, soutenue par les vers de Théophile de Viau...»

Pour apprécier la part d’ombre des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé, vous avez jusqu’au 12 juin. Bonne journée !

Le jeu en vaut la chandelle • Coulisses

Avec Benjamin Lazar, le metteur en scène des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé actuellement à l’Athénée, point besoin de projecteurs :

Pour vivre un spectacle à la lueur de la bougie, vous avez jusqu’au 12 juin. Bon mardi !

"Toujours les vieux veulent qu'on les respecte" • Pleins feux

Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau se joue à l’Athénée depuis jeudi dans la mise en scène de Benjamin Lazar.

Pour découvrir la pièce et/ou vous la remettre en mémoire, voici le début de la première scène de l’acte I.

Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé
1623

Théophile de Viau

Acte 1, Scène 1
Thisbé, Bersiane

"Thisbé
Du bruit et des fâcheux aujourd'hui séparée,
Ma seule fantaisie avec moi retirée,
Je puis ouvrir mon âme à la clarté des cieux,
Avec la liberté de la voix et des yeux ;
Il m'est ici permis de te nommer, Pyrame,
Il m'est ici permis de t'appeler mon âme ;
Mon âme, qu'ai-je dit ? c'est fort mal discourir,
Car l'âme nous fait vivre et tu me fais mourir.
Il est vrai que la mort que ton amour me livre
Est aussi seulement ce que j'appelle vivre :
Nos esprits sans l'amour assoupis et pesants,
Comme dans un sommeil passent nos jeunes ans ;
Auparavant qu'aimer on ne sait point l'usage
Du mouvement des sens ni des traits du visage ;
Sans cette passion les plus lourds animaux
Connaîtraient mieux que nous et les biens et les maux.
Notre destin serait comme celui des arbres,
Et les beautés en nous seraient comme des marbres
En qui l'ouvrier gravant l'image des humains
Ne saurait faire agir ni les yeux, ni les mains.
Un bel oeil dont l'éclat ne luit qu'à l'aventure,
C'est comme le soleil que cachait la nature
Auparavant qu'il fût entré dans ses maisons
Et qu'il pût discerner la beauté des saisons.
Moi, je crois seulement depuis l'heure première
Que l'amour me toucha d'avoir vu la lumière,
Et que mon coeur ne vint à respirer le jour
Que dès l'heure qu'il vint à soupirer d'amour ;
Et combien que le Ciel fasse couler ma vie
Dans cette passion avec un peu d'envie,
Que mille empêchements combattent mes désirs
Et qu'un triste succès menace nos plaisirs,
Que les discords mutins d'une haine ancienne
Divisent la maison de Pyrame et la mienne,
Qu'hommes, Ciel, temps et lieux, nuisent à mon dessein,
Je ne saurais pourtant me l'arracher du sein,
Et quand je le pourrais je serais bien marrie
Que d'un si cher tourment mon âme fût guérie.
Une telle santé me donnerait la mort ;
Le penser seulement m'en fâche et me fait tort.

Bersiane
Comment vous être ainsi de nous tous éloignée !
Osez-vous bien aller sans être accompagnée ?
Tout le monde au logis est en peine de vous,
Et surtout votre mère en est en grand courroux.

Thisbé
Pourquoi cela ? ma vie est-elle si suspecte ?

Bersiane
Non ! mais toujours les vieux veulent qu'on les respecte ;
Vous deviez pour le moins un de nous avertir,
Faire quelque semblant que vous alliez sortir. "

Ce soir, Benjamin Lazar vous propose de découvrir le film Le Pont des Arts réalisé par Eugène Green.
C'est ce soir à 20h30 au cinéma Le Balzac (Paris 8e) en présence d'Eugène Green et de l'équipe du spectacle Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé. Plus d'informations ici.

Le spectacle se joue jusqu'au 12 juin! Bon début de semaine.

À voir en peinture • Pleins feux

Comme nous l’avons vu hier, le mythe de Pyrame et Thisbé a inspiré des écrivains aussi divers qu’Ovide, Théophile de Viau, Shakespeare ou la Fontaine.
Mais les deux personnages sont également très présents dans les arts plastiques. Citons par exemple :

Une mosaïque située à Paphos (Chypre)

Photo © Gérard Janot

Une fresque à Pompéi
(Maison de Octavius Quartio ou de de Loreio Tiburtino).
Ier siècle après J.-C.

photo (c) Wilson Delgado

Pyrame et Thisbé, Hans Baldung Grien, vers 1530
© Gemäldegalerie, Berlin

Pyrame et Thisbé - Gregorio Pagani (1558-1605)

Galeria degli Uffizi, Florence

Paysage orageux avec Pyrame et Thisbé, Nicolas Poussin, 1621

Huile sur toile, 191 x 273,5 cm
(c) Francfort-sur-le-Main,
Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie

Pyrame et Thisbé, Claude Gautherot (1729-1802)

© RMN / Georges Poncet - Musée municipal de Melun

Thisbe, John William Waterhouse, 1909

Huile sur toile, 58.5cm x 96.5cm
Collection privée

Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau se joue jusqu’au 12 juin à l’Athénée dans la mise en scène de Benjamin Lazar!

Lundi soir, dans le cadre des "Entre nous-cinéma" programmés par l'Athénée et le cinéma Le Balzac pour éclairer les spectacles, Benjamin Lazar vous propose de découvrir le film Le Pont des Arts réalisé par Eugène Green, avec Natacha Régnier et Denis Podalydès.
C'est lundi à 20h30 au cinéma Le Balzac (Paris 8e) en présence d'Eugène Green et de l'équipe du spectacle Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé. Plus d'informations ici.

Bon week-end.

Remerciements à A. C.-P.

Sur un rectangle de bristol • Pleins feux

Ce soir à l’Athénée, c’est la première des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé, une tragédie de Théophile de Viau montée par Benjamin Lazar.

Pour être honnête, je ne connaissais pas Théophile de Viau et à peine l’histoire de Pyrame et Thisbé avant de devoir me pencher sur la question pour ce blog (et dire que ça a fait des études littéraires, ah là là c’est scandaleux, mais que fait la police?).

Comme j’imagine avec orgueil et parce qu’on se rassure comme on peut que je ne suis pas la seule ignorante ici, voici un rapide cours de rattrapage en forme de fiche de révisions pour le bac:

Théophile de Viau

(Écrivain français. 1590-1626)

- Libre-penseur associé au libertinage.
Critique certains points de l’orthodoxie catholique (homme = animal parmi les autres. Croit au destin plus qu’à la Providence, etc.)

- Victime d’attaques violentes de la part de jésuites l’accusant d’avoir publié un recueil de poèmes obscènes
--> procès dont il sort blanchi après des années de prison qui lui auront brisé la santé : meurt à 36 ans des suites de sa détention.

- Longtemps négligé au profit de Malherbe, son contemporain.

- Écrit d’abord une poésie sèche, pleine d’images, aux formes parfois dissymétriques
--> Extraits: “Dans ce val solitaire et sombre / Le cerf qui brame au bruit de l'eau, / Penchant ses yeux dans un ruisseau, / S'amuse à regarder son ombre.” (La Solitude).
“Une confuse violence / Trouble le calme de la nuit, / Et la lumière, avec le bruit, / Dissipe l'ombre et le silence” (Le Matin)

- Évolue ensuite (env. 1615) vers une poésie plus ampoulée
--> Extraits: “Hélas ! le gouffre des malheurs, / D'où je puise l'eau de mes pleurs, / Prend bien d'ailleurs son origine / Mon désespoir dont tu te ris, / C'est la douleur de ma Cloris, / Qui rend toute la Cour chagrine ; / Les Dieux qui tous en sont marris / Jurent ensemble ta ruine.” (Contre l’hiver)

- Nouvelle évolution (env. 1619) pour une poésie plus directe
--> Extraits: “Satan ne nous fait plus broncher / Dans de si dangereuses toiles; / Le Dieu que nous allons chercher / Loge plus haut que les étoiles. / Nulle divinité que lui / Ne me peut donner aujourd'hui / Cette flamme ou cette fumée / Dont nos entendements épris / S'efforcent à gagner le prix / Qui mérite la renommée.” (La Maison de Sylvie)

Les Amours tragiques
de Pyrame et Thisbé

Tragédie en cinq actes écrite en 1623 par Théophile de Viau

- Reprend la légende de Pyrame et Thisbé (deux jeunes amoureux dont les parents refusent le mariage. L’histoire finit mal.)

- Légende de Pyrame et Thisbé présente chez Ovide (Les Métamorphoses), Saint Augustin (De Ordine), Boccace (L’Amorosa visione), Shakespeare (Roméo et Juliette), La Fontaine (fable 28 du livre XII, Les Filles de Minée)…

- Grande liberté de l’oeuvre, autant sur le fond que sur la forme.

À ce soir pour la première! Le spectacle se joue jusqu’au 12 juin.

L'apprenti mélomane • Pleins feux

Comme vous le savez normalement déjà, la pianiste Claire-Marie Le Guay est en résidence à l’Athénée depuis janvier 2009.

Sa résidence consiste bien entendu à donner des concerts réguliers à l’Athénée, mais également à mener une action pédagogique de longue haleine avec des élèves d’écoles primaires parisiennes en collaboration avec Alexandra Maurice, responsable des publics scolaires à l’Athénée.
Claire-Marie Le Guay se rend donc régulièrement dans des classes pour initier les enfants à la musique avant leur venue à l’Athénée pour un ou plusieurs concerts.

Je vous avais déjà donné un aperçu des dessins que des élèves de CE1 avaient réalisés après avoir vu le conte musical Timouk interprété par Claire-Marie Le Guay et Marie Gillain.
Voici aujourd’hui un concentré du concert qu’elle a donné la semaine dernière à destination d’environ deux cent cinquante enfants.
L'on y voit également le compositeur Karol Beffa dont l'une des œuvres était donnée en création mondiale.

La vidéo dure dix minutes. Cliquez ici pour la voir sur YouTube.
Désolée pour le bruit de fond qui est dû à un souci de micro.

À l’Athénée, Benjamin Lazar arrive jeudi pour Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau !

Bon mardi.

La petite boutique de souvenirs • Coulisses

Bonjour, j'espère que vous allez bien après ce lundi de Pentecôte qui fut férié à l'Athénée.

L’équipe d’Une maison de poupées a quitté l’Athénée samedi. Quelques souvenirs en vrac:

La petite lampe d’enfant posée en avant-scène.

Olivia Brunaux (rôle de Nora) et Gil Isoart (conseil chorégraphique).

L’ombre de Xavier Carré (créateur des lumières) dans le décor conçu par Virginie Leforestier (scénographe).

Alexis Danavaras (rôle du docteur Rank) en coulisses.

Féodor Atkine (rôle de Torvald) en coulisses.

Bernard Mazzinghi (rôle de Krogstad) en coulisses.

Olivia Brunaux (rôle de Nora) et Bernard Mazzinghi (rôle de Krogstad) en coulisses.

Alexis Danavaras (rôle du docteur Rank) et Emmanuelle Grangé (rôle de Kristine) en coulisses.

Emmanuelle Grangé (rôle de Kristine) en coulisses.

En coulisses, Emmanuelle Grangé (rôle de Kristine), Féodor Atkine (rôle de Torvald) et Alexis Danavaras (rôle du docteur Rank) regardant et commentant la pièce par écran interposé.

Les pâtisseries grecques qu’Alexis Danavaras (rôle du docteur Rank) m’a offertes: sans doute les meilleurs gâteaux que j’ai jamais mangés.

Le petit bateau fait par Xavier Carré (créateur des lumières) avec un billet d’entrée au spectacle.

Le piano de Claire-Marie Le Guay dans le décor d’Une Maison de poupées lors de ses concerts du lundi 17 mai.

Un extrait du tchat qui a eu lieu mercredi 19 mai avec Nils Öhlund sur le site de l’Athénée:
«Julien: Bonjour, je voulais tout d'abord vous remercier pour cette mise en scène ! Avez-vous déjà une idée de la prochaine pièce que vous mettrez en scène ? merci beaucoup
Nils Öhlund: J'ai besoin d'achever cette histoire d'abord, et de retourner sur les planches en tant qu'acteur. Mon travail de metteur en scène se nourrit de celui d'acteur et inversement.
Inge: Avec cette traduction, il me semble que Nora est moins infantile que dans les versions habituelles, et le texte du XIXe était peut-être plutôt dans ce sens ?
Nils Öhlund: Le génie d'Ibsen est de dynamiter ce genre d'a prioris. Nora revendique son intelligence et son indépendance dès le début de la pièce, face à Kristine notamment. Ce qu'elle a entrepris pendant 10 ans n'est pas rien à mes yeux. Elle se bat contre l'image qu'on lui renvoie d'elle-même, tout en en usant.
Vanille: J'ai moi aussi beaucoup aimé la pièce et les propos très fins du metteur en scène sur les rapports de couple. Pourquoi avoir choisi de ne pas représenter les enfants sur scène? Est-ce pas souci d'économie?
Nils Öhlund: Les enfants sur scène, c'est comme des animaux ! Quand ça joue bien, ça fascine et ça sort de la pièce ! J'ai l'impression d'être au cirque. Et quand ça joue mal, ça me sort encore plus de la pièce. Je trouve que leur présence dans l'écriture est un peu accessoire. Scènes de la vie conjugale de Bergman m'a renforcé dans l'idée de ne pas les montrer.
judith: Je trouve très bien que l'on entende les enfants sans les voir. Je suis d'accord sur la réponse de Nils. Ce serait différent si la pièce tournait autour d'eux, ce n'est pas le cas dans celle-ci.
Louise: Bonjour, je voulais savoir pourquoi vous aviez choisi cette scénographie très spéciale qui ressemble à un plateau de cinéma, est-ce pour faire écho à la vidéo ?
Nils Öhlund: En tant qu'acteur j'ai toujours été fasciné par l'effet produit par un décor reconstitué en studio. Observer derrière la caméra des êtres qui vivent quelque chose dans un environnement, qui a le semblant du réel, mais qui reste complètement faux. Il m'a vraiment fait penser à une maison de poupée, comme celle des enfants dont on peut voir l'intérieur aussi! Pour moi c'est comme une cage de laboratoire, observer des spécimens. Nous sommes les spectateurs, invités à observer l'intimité de ces gens-là.
Coline: Est-ce que, comme le dit Stanislavki, tous les objets ont une signification et une utilité, dans votre mise en scène (et je suppose que c'est le cas!) Auquel cas, je me posais la question suivante:quelle est l'utilité du vase de fleur rouge? (il est utilisé, mais a-t-il une signification?)
Nils Öhlund: Les fleurs rouges sont présentes dans le texte d'Ibsen, mais normalement elles doivent ornementer le sapin. J'ai fait ce choix qui me paraissait moins cocasse aujourd'hui et permettait de brûler le document. La mise en scène est souvent l'art de trouver des solutions à des contraintes…»


La suite du journal d’Emmanuelle Grangé (rôle de Kristine) dont vous aviez pu voir le début sur le blog ici :
«12 mai, 14h
Lacrymaux
C’est tout de bois, de fantômes, le théâtre de l’Athénée ; du balcon de ma loge, je veux croire et voir qu’un flamboyant pousse dans la cour, cet arbre d’Afrique qui embrase tout.
C’est surtout de chair et d’infinies retenues, élégance des gens de ce théâtre-là. Oh ! si je les citais tous, je me traiterais, aussitôt dit, bougresse d’actrice, de maternaliste sur un podium de remise de prix moliérisable, alors, non, sacrebleu, Vous, Gens de l’Athénée, sachez que, tous les soirs, vous nous emportez, nous soutenez si bien…
Derrière la porte de chaque loge, un drôle de cérémonial se concocte : l’acteur s’isole, œuvre à des préparatifs singuliers comme brosser pour la énième fois le cheveu, se gargariser d’une ultime dose de gelsenium, éructer en douce ou en sonore tous les miasmes du fameux trac…
Tout se lit lorsque, dans le foyer, nous nous retrouvons, costumés, guindés à quinze minutes de la représentation. Chaque soir est une finale unique de coureurs de fond. Oyez, voyez les visages blêmes, on penserait que tous viennent de pleurer, il y a du blanc et puis du rouge sur la peau, dans les yeux,  des mains froides, des mains moites, des embrassades, des "qu’est-ce que je fous là, je serais mieux chez moi", des rires —c’est toujours ça de pris—, un gros de solennel et un désir gros comme ça de marathonner encore en  équipe dans le texte d’Ibsen !

Sur scène, des larmes de joie, de colère, d’épuisement, de retenue, visibles ou non, c’est le texte qui traverse les yeux et déboule de vie.

 
23 mai, 18h : terriblement fatiguée, pourquoi ai-je mal à l’épaule droite? Tu sais quoi, oui, ce péremptoire  éphémère de la représentation théâtrale…

"Torvald : Ne plus rester assis, là, seul, à m’ennuyer. Et toi, ne plus faire souffrir tes yeux bénis et tes petites mains toutes lacérées.
Nora sans qu’on puisse distinguer si c’est un soulagement ou un regret : C’est fini ... pour toujours ?
Torvald  acquiesce.
Nora : C’est si merveilleux, délicieux à entendre. Maintenant je vais te dire comment j’ai pensé que nous devrions aménager la maison après les fêtes."
 
(Une maison de poupéeS, H. Ibsen, acte I, scène 1, traduction, adaptation, mise en scène de Nils Öhlund, s’est jouée du 5 au 22 mai 2010 au théâtre de l’Athénée, Paris) »

Alexis Danavaras (rôle du docteur Rank), Emmanuelle Grangé (rôle de Kristine), Féodor Atkine (rôle de Torvald), les cheveux d’Olivia Brunaux (rôle de Nora) et Bernard Mazzinghi (rôle de Krogstad) sortant de scène pendant les saluts.

Après Une maison de poupées, c’est Benjamin Lazar, que vous avez peut-être déjà vu à l’Athénée dans L’autre monde ou les états et empires de la lune en 2008, qui arrive dès jeudi dans Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau.

Bon mardi !

Trac, horlogerie, garçonnière, pyramide et violoncelle - interview • Entretien

Olivia Brunaux et Féodor Atkine interprètent respectivement le rôle de Nora et de Torvald dans Une maison de poupées mise en scène par Nils Öhlund.

Rencontres croisées dans la loge de chacun avant une représentation:


«Olivia, tu interprètes un rôle considéré comme mythique. Quelles sont ses difficultés particulières, à part que tu as de la concurrence cette année à Paris ?
— Que le rôle soit déjà interprété ailleurs dans d’autres mises en scène ne me dérange pas, puisque je ne suis tout simplement pas allée voir les autres versions… La vraie grande difficulté de départ à vrai dire, même si cela va peut-être te paraître idiot, c’est la longueur du texte: j’ai rarement eu un texte aussi long à apprendre et m’y suis prise vraiment très à l’avance.
Une autre difficulté résidait dans la dimension personnelle de l’interprétation: l’une des idées principales de Nils Öhlund étant l’écho que ce texte d’Ibsen a en chacun de nous aujourd’hui, il fallait éviter de mélanger ma vie et mon rôle, faire abstraction des résonances que le personnage peut avoir chez moi...
Enfin, Nora était un rôle de jeune femme pour moi —c’est d’ailleurs l’un des rôles que j’ai passé à ma sortie du Conservatoire il y a quelques années, à l’Athénée en plus! Mais pour Nils Öhlund, Nora et Torvald formaient un couple plus âgé qui devait avoir vécu ensemble assez longtemps.

— Tu as donc déjà joué le rôle de Nora à l’Athénée?
— Oui, il y a vingt-quatre ans. C’était à ma sortie du Conservatoire national supérieur d’art dramatique dont le théâtre était en travaux… J’étais très en colère, car je n’allais pas passer mon examen de sortie dans les locaux du conservatoire mais à l’extérieur, à savoir la scène de l’Athénée! Mais j’y suis donc revenue vingt-quatre ans plus tard pour faire une Nora vingt-quatre ans plus vieille…

— C’est un personnage qui te poursuit…
— Oui, pourtant je suis plus à l’aise dans les rôles comiques, mais on m’en propose rarement pour m’offrir plutôt des rôles de pauvres filles un peu tristes, parfois au bord de la dépression, voire qui commettent un meurtre ou se suicident... Alors que je prégère les comédies à la Blake Edwards, que j’ai adoré joué dans Vent de panique de Bernard Stora, et que mon rêve aurait été de jouer dans La Garçonnière, tu sais, ce film en noir et blanc de Billy Wilder avec Shirley MacLaine !
J’ai vraiment le trac en général, et encore plus sur ce rôle de Nora, car le travail est très riche et intense. Nils Öhlund est un vrai metteur en scène dans le sens où chaque réplique est soutenue par une demande précise de lui: à chaque réplique, chaque geste, chaque déplacement, je pense à ce qu’il m’a dit, car tout est réglé comme une horlogerie. Tout est toujours sur le fil, et parfois je me demande si je vais arriver au bout de la représentation!...

— Nora annonce-t-elle le féminisme, à ton avis?
— Une maison de poupées aborde évidemment le féminisme, mais il s’agit surtout d’une pièce sur le couple. On a donné le pouvoir aux hommes dans le couple pour je ne sais quelle raison alors que le couple n’a pas de sexe et que nous sommes tous des individus: nous avons tous la même peau… J’aime particulièrement chez Ibsen cette partie féminine que beaucoup d’hommes n’assument pas: on sent qu’il comprend bien les femmes, en tout cas qu’il les éprouve.
Bien sûr, il ne s’agit pas d’un féminisme radical dressant les femmes contre les hommes, mais c’est une pièce qui pose quelques questions. Par exemple, pourquoi les femmes gagnent-elles moins que les hommes dans la France de 2010? En quel honneur?»


En sortant de la loge d’Olivia, on trouve celle de Féodor Atkine à gauche au bout du couloir:


«La grande majorité des critiques que l’on peut lire dans la presse ou sur des blogs s’accordent pour reconnaître la dimension nouvelle qui est donnée au rôle de Torvald, que tu interprètes dans cette Maison de poupées…
— Mais pas seulement Torvald! Dans son adaptation, Nils Öhlund a voulu mettre en exergue les caractères essentiels de Kristine, Krogstad, Rank et Torvald autour de Nora. Il s’agit à mon sens d’une excellente idée, car dans les autres traductions, les autres personnages n’étaient là que pour étayer celui de Nora. Nils a donné un autre équilibre à la pièce, et son travail a été formidable à ce niveau-là.

— On évoque souvent la difficulté du rôle de Nora, mais celui de Torvald, son mari, me semble aussi très complexe, non?
— On peut effectivement tomber dans tous les écueils avec ce rôle: tomber, à cause du texte et de la situation, dans un côté presque caricatural du personnage qui deviendrait purement et simplement manichéen, une sorte de macho stupide, paternaliste, un peu vulgaire et sans émotion qui ne comprend strictement rien et ne comprendra jamais rien.
C’est un véritable écueil que l’on a réussi à éviter dans la mesure où, malgré sa rigueur et le fait qu’il soit promu à un poste à responsabilité sociale particulière, il a une immense tendresse et une certaine écoute. Et, incontestablement, quand il est confronté sans échappatoire possible à sa propre incompréhension, à sa propre bêtise et à son incapacité foncière à écouter, il est bien obligé de reconnaître la réalité des faits: il le fait, et c’est intéressant.
Mais effectivement, il aurait pu devenir terriblement excessif, hâbleur, stupide et n’être que la représentation d’un schéma mental masculin qui, étonnement, est encore en vigueur…

— Ce schéma est donc pour toi toujours actuel: ce n’est pas toujours ce que l’on a pu entendre dans les différents commentaires de la pièce...
— Seuls des hommes peuvent oser dire que le sujet de la pièce est dépassé. Au contraire, j’ai entendu nombre de femmes dire: “quelle modernité!”. Très peu de choses ont changé, non pas dans les faits eux-mêmes, mais dans l’état d’esprit. Je ressens au quotidien le poids des stéréotypes.
C’est quelque chose qu’on n’arrivera peut-être jamais à dépasser, parce que ces stéréotypes proviennent d’un élément fondamental essentiel et ineffaçable: la femme a un rapport au cosmos, à l’universel, à la création pure par le simple fait d’enfanter que l’homme ne connaîtra jamais. Il ne peut même pas imaginer ce que cela peut être.
La relation au vivant, à la vie et à la mort, ce mysticisme concret qui est celui de la femme génitrice, est un élément qui a poussé l’homme à lui nier la valeur fondamentale qu’il pouvait avoir et à en concevoir un autre pour son propre profit: du fait de sa constitution, l’homme est devenu acteur de mort alors que la femme est actrice de vie.
Mais bien évidemment, cela ne s’arrête pas là, car cela l’a également poussé à devenir fondamentalement créateur! À l’heure actuelle, il existe des temples, des pyramides, des temples, des cathédrales, etc., qui sont aussi là pour pallier cette absence de capacité de création que l’homme, au-delà de son côté négationniste, a voulu avoir pour essayer de toucher à un divin quelconque que seule la femme pouvait approcher. C’est de l’ordre de la métaphysique.

— Je te pose donc la question rituelle: Une maison de poupées est-elle une pièce féministe?
— Une pièce féministe? Féministe? Non, c’est une pièce humaine; ou, plus exactement, le traitement de Nils Öhlund en fait une pièce humaine. Si elle a pu être considérée comme un étendard féministe, c’est sans doute en détournant le propos d’Ibsen qui était de dévoiler les travers d’une cohabitation mâle-femelle, mais dans les deux sens. Nora par exemple, si l’on se réfère à ce qui est écrit, travestit la réalité d’une façon pathologique...
C’est plus une pièce humaine, un drame équilibré dans la version de Nils, et non pas quelque chose de purement orienté. On en est arrivé à réaliser une pièce qui n’est pas dogmatique, je crois.

— Le 11 mai dernier, tu étais l’invité du Partage de Midi sur France Musique où tu as évoqué les œuvres de Pêteris Vasks, qui est un compositeur letton contemporain. J’étais vraiment très heureuse que tu en parles, car il s’agit d’un artiste exceptionnel encore bien trop peu connu en France…
— Oui, je l’ai découvert grâce à un concert retransmis sur Arte. Ma femme et moi avons été bouleversés. Je trouve ses œuvres immenses, il sait déchaîner les émotions d’une façon extrêmement concrète, et c’est magnifique. C’est du niveau de Gustav Mahler, pour moi.»

Puisqu’il serait injuste que seuls Féodor Atkine et moi-même connaissions les œuvres de Pêteris Vasks ici, voici, grâce à la magie de YouTube, le deuxième mouvement de l’une de ses œuvres, Musica Adventus. Bonne écoute!

Si vous n'entendez rien, cliquez ici pour l'écouter sur YouTube.

Une maison de poupées se joue encore pour trois représentations à l’Athénée: ce soir et demain à 15h puis 20h.

Quartier libre • Coulisses

Le résumé d’une soirée à l’Athénée avec Une maison de poupées:

des conversations dans les coulisses aux applaudissements du public en passant par le spectacle en accéléré, dix minutes de son que vous pourrez écouter en fermant les yeux ou en faisant autre chose car, contrairement à mes habitudes, aujourd’hui il n’y aura pas d’image.

Si vous n’entendez rien, cliquez là pour aller sur YouTube.

Une maison de poupées se joue jusqu’à samedi.

"C'est un règlement de compte, une explication, une scène de ménage." • Pleins feux

D’Une maison de poupées, il y a eu sur le blog les répétitions aux Lilas, à Niort et à Dijon.

Voici aujourd’hui une représentation à Paris dans ce diaporama de deux minutes.
NB: quasiment toutes les photos ont été prises des coulisses.

Si vous ne pouvez pas lire la vidéo, cliquez là pour aller sur YouTube.

Ce soir, Nils Öhlund, le metteur en scène d’Une maison de poupées, sera en ligne sur le tchat de l’Athénée pour discuter en direct avec vous: connectez-vous sur le site de l’Athénée entre 19h et 20h !

Une maison de poupées continue jusqu’à samedi.

Aux feux ! • La corde verte du lapin qui siffle

Xavier Carré est le créateur des lumières d’Une maison de poupées, et il a également été régisseur du spectacle lorsqu’il était en tournée.
On ne le voit pas beaucoup sur la photo, parce qu’un créateur/régisseur lumière est rarement sous les projecteurs: son boulot, c’est plutôt d’être derrière, ou sur sa console, ou… bon, pas souvent sous les projecteurs quoi.

Depuis qu’Une maison de poupées se joue à l’Athénée, ce sont Jano et Mano, régisseurs du théâtre, qui ont pris la relève comme c’est le cas sur toutes les pièces accueillies à l’Athénée.

Xavier est actuellement à Aix-en-Provence où il officie en tant que régisseur général adjoint au Théâtre de l'Archevêché en prévision du Festival d’Art Lyrique, mais il a pris le temps de m’envoyer le plan de feux qu’il a établi pour les représentations d’Une maison de poupées à l’Athénée.

Qu’est-ce qu’un plan de feux? Tout simplement un schéma indiquant le type de chaque projecteur utilisé ainsi que son emplacement et son orientation dans le théâtre.
Vous reconnaîtrez ici la scène arrondie et la salle de l’Athénée ainsi que, pour ceux qui ont vu le spectacle, le tracé du décor conçu par Virginie Leforestier.

(Désolée pour les puristes, j’ai dû couper le plan en deux pour raisons techniques)


Après les deux concerts de Claire-Marie Le Guay hier, Une maison de poupées reprend ce soir et se joue jusqu’à samedi.

Demain, vous pourrez dialoguer avec Nils Öhlund, metteur en scène du spectacle, via le tchat (ou conversation instantanée par internet) de l’Athénée: rendez-vous demain sur le site de l’Athénée entre 19h et 20h!

Bonne journée.

Cigares, billets doux et boules de Noël • Entretien

Dans Une maison de poupées, Nora aime faire les décorations de Noël et mange du chocolat en cachette, Torvald vante l’esthétique de la broderie et ramène du travail à la maison, Kristine fait du tricot, Rank fume le cigare et Krogstad écrit beaucoup de lettres.

Et les acteurs du spectacle?


«Oui, j’ai fait de la broderie quand j’avais vingt-cinq ans, dans les années soixante-dix… J’étais bien entendu dans la mouvance “Flower Power”, et je brodais le dos de mes vestes en jean avec des panneaux bouddhiques: j’avais des tambours de différentes dimensions qui me permettaient de faire un travail ciselé; je faisais des grands Bouddhas assis sur des fleurs de lotus avec, de chaque côté, les quatre premiers disciples. Chaque dos de veste me prenait entre quatre et six mois de travail...»

«J’adore faire les décorations de Noël. Je n’ai pas eu de noël lorsque j’étais enfant, alors aujourd’hui je fais des noëls comme ceux que j’ai vus au cinéma. Je commence à chercher des cadeaux des mois avant, et chacun de mes enfants a sa couleur de papier cadeau pour visualiser immédiatement quels paquets sont à lui ou non. Mon compagnon me regarde avec des yeux ronds et fait un peu son Torvald à dire qu’on dépense peut-être trop de sous !...
J’ai été élevée à la campagne par des gens pas très riches, et je me souviens d’un noël où j’avais juste eu une clémentine et le livre du Petit Poucet. Et puis je passais Noël sans mes parents, parce que mes parents étaient divorcés, ce qui était rare dans les années 1960: j’étais la seule de ma classe dans ce cas...
À Noël, je fais semblant de laisser les enfants décorer, ou plutôt je replace les décorations derrière parce que ce n’est pas toujours très bien réparti dans le sapin…»

«Ah ah, bien sûr que je ramène du travail à la maison… Je ne peux pas faire autrement. Ce n’est même pas à la maison d’ailleurs, c’est 24h sur 24! Je travaille en dormant, en promenant les enfants, en faisant les courses... Oui, évidemment.
Être comédien, c’est un travail permanent —c’est d’ailleurs pour cette raison que l’on est arrivé à calculer que si l’on compte tout le travail que nous avons à faire en dehors des répétitions et des représentations, nous les interprètes, nous sommes rémunérés entre 1,75 et 2,25 euros de l’heure en moyenne…»

«Ah non! J’ai mon jardin secret, mais je n’achète pas de chocolat en cachette, jamais! J’assume même complètement ce genre de choses, à ce niveau-là je suis même plutôt provoc’ comme femme…»

«Oui, j’écris des lettres à plein de gens, j’adore écrire. On a toute la place que l’on veut… En général, j’écris quatre ou cinq feuillets recto-verso. Hier par exemple, j’ai écrit à quelqu’un à qui j’écris souvent, parce que j’avais besoin de lui écrire. Pour moi, écrire est l’une des choses les plus importantes; j’arrive à écrire des choses que je n’aurais pas pu écrire avant.
Je n’écris pas pour me dissimuler, dans le sens où je n’écris pas des choses que je n’arriverais pas à dire dans la vie, mais c’est sûr que je ne formule pas les choses de la même manière à l’écrit ou à l’oral. L’écriture, c’est une musique, un rythme, un souffle, une ponctuation, le vent, l’herbe, l’espace, les bruits, le hors-champ… C’est important le hors-champ, l’endroit où tu écris:  quand il y a de l’orage, j’écris très bien par exemple, j’adore cette ponctuation du claquement ou des roulements du tonnerre.
J’écris à la main: je déteste écrire avec un ordinateur parce que je mets quatre heures à trouver une touche... Par contre, qu’est-ce que j’écris mal... Il y a des gens qui ont une belle écriture, j’en suis très jaloux. Mes destinataires prennent parfois du temps pour répondre aux premières lettres que je leur envoie car ils mettent quinze jours à tout défricher —je dis bien “défricher”, comme un jardin… Mais ensuite, il s’habituent à ma manière de ne pas fermer les voyelles (je ne ferme pas mes a, on dirait des u), de mettre des grandes barres aux t, de mal mettre les pieds de mes p… Je ne sais pas si cela signifie quelque chose.
Hier, il m’est arrivé un truc incroyable: installé à une terrasse au soleil, je me suis rapidement aperçu que la jeune femme à côté de moi était ostensiblement en train de lire ce que j’écrivais. Alors je lui demande: “vous lisez ce que j’écris?” et elle me répond avec une voix très douce:  “oui je m’en excuse, je ne peux pas m’en empêcher... Mais je ne lis pas ce que vous écrivez, je regarde votre main écrire...” Du coup, on a parlé écriture et littérature arabe, parce qu’elle était marocaine.»

«Oui, cela m’est arrivé de tricoter pour mon beau petit-fils. J’ai commencé à lui tricoter une couverture très colorée, mais je n’ai pas fini d’assembler les carrés. Le pauvre, il a déjà deux mois et demi et il n’aura sa couverture que pour cet été...
J’avais aussi tricoté pour ma fille, un truc qu’elle n’a jamais mis, ce sont ses poupées qui l’ont porté… Et je l’avais tricoté en bleu parce que je pensais que ce serait un garçon. Parfois j’ai des accès d’instinct maternel où je suis contente de faire quelque chose avec amour, où je choisis la laine, où je passe du temps… Mais je n’aime pas spécialement tricoter non, je préfère écrire.»

«Je ne fume jamais le cigare, j’ai horreur de ça. Même l’odeur de la fumée de cigare, ça me fait vomir. En revanche je n’ai pas de problème avec la cigarette, ni avec le whisky d’ailleurs. Et après le spectacle, quel bonheur de boire un très bon vin !»

Ce soir, les acteurs d'Une maison de poupées font relâche pour laisser place à la pianiste Claire-Marie Le Guay pour son concert Piano Sostenuto où elle interprétera Brahms, Chopin et Karol Beffa.

Bon lundi!

Quelques dessins d'enfants • Coulisses

Vous vous en souvenez peut-être: il y a un mois, la pianiste Claire-Marie Le Guay donnait avec l’actrice Marie Gillain cinq représentations du conte musical Timouk à l'Athénée: quatre représentations destinées aux enfants et une aux adultes.

Depuis, une grosse enveloppe kraft est arrivée sur le bureau d’Alexandra Maurice, responsable des relations avec le public scolaire. Sur le dessus, une lettre :

Les élèves d’une classe de CE1 ont donc réalisé des dessins après avoir vu Timouk à l’Athénée.

Voici mes petits préférés choisis selon des critères totalement arbitraires liés à mon goût personnel:

Caroline

Iliana

Anonyme

Aline

Anonyme

Ulysse

Claire-Marie Le Guay sera de nouveau à l’Athénée lundi: après être passée dans de nombreuses classes ces dernières semaines pour une initiation musicale, elle donnera un concert pour les écoliers à 14h30.

Les plus grands pourront venir à 20h pour le concert Piano Sostenuto rassemblant des œuvres de Brahms et Chopin ainsi qu’une création mondiale de Karol Beffa, compositeur français né en 1973 et déjà lauréat de nombreux prix et récompenses. Rendez-vous ce lundi 17 mai!

De son côté et hormis ce relâche de début de semaine, Une maison de poupées continue jusqu’au samedi 22 mai.

Le metteur en scène est-il un acteur comme les autres? • Entretien

La suite de l’interview de Nils Öhlund, metteur en scène d’Une maison de poupées (vous pouvez retrouver la première partie dans le billet d’hier, ici).

— Pourquoi avoir traduit le texte d’Ibsen toi-même?
— En comparant les traductions existantes, j’ai constaté que certains endroits, souvent névralgiques d’ailleurs, étaient traduits très différemment: le sens n’était pas toujours le même, il fallait faire un choix. Je suis donc allé à la source norvégienne pour voir quel était le mot original et essayer de comprendre pourquoi il avait été traduit comme ci ou comme ça.
Avec mes notions d'anglais, d'allemand et de suédois, le norvégien m'a paru assez accessible: je me suis alors décidé à me faire envoyer un dictionnaire norvégien-français pour traduire le texte mot à mot et réaliser ma propre adaptation.
Finalement, je ne voulais pas passer par le prisme d’un autre traducteur et ai décidé de mettre la traduction au service du sens du projet: le travail de dramaturgie commence en effet dès la traduction. La langue d’Ibsen est sèche, directe et répétitive, loin de la richesse de la langue française. Je tenais à restituer ce côté brut. Je ne suis pas universitaire, je n’ai pas de vérité d’Ibsen à restituer, j’ai peut-être fait des erreurs: mais nous ne jouerons que quelques mois alors qu’Ibsen, lui, restera. Je cherche juste à dialoguer avec lui. Cela passait aussi par le filtre de l’acteur que je suis: le jeu est forcément lié à la langue...
Le seul problème, c’est peut-être que ce texte est très connu et qu’il est monté quatre fois cette saison à Paris: la majorité des spectateurs viennent donc avec une certaine idée de la pièce et non pas avec la virginité ou la fraîcheur que l’on pourrait attendre. J’aurais sans doute aimé que le public fasse une découverte innocente de notre histoire et que nous subissions pas forcément la comparaison…

— Tu viens de le rappeler, tu es d’abord acteur, et Une maison de poupées est ta première mise en scène. As-tu eu la tentation de jouer dans le spectacle?
— Non, car j’ai aussi choisi cette pièce en pensant à des acteurs précis. J’aimerais jouer ce texte, évidemment, j’adorerais, même les rôles féminins. Mais la mise en scène décuple aussi le plaisir car, au-delà du fait que je préfère les répétitions aux représentations, quelque part, elle permet de vivre tous les rôles.

— Prenons le rôle de Torvald par exemple, puisque tu lui donnes une place essentielle dans ta mise en scène. En quoi est-il intéressant à jouer pour un acteur?
— C'est un rôle magnifique, complexe, attachant et repoussant en même temps. La difficulté est de créer de la sympathie en même temps que de l’antipathie, ce qui provoquera de l’empathie au final.
[Silence] Enfin là, je suis en train de te dire ce que j’aimerais que le public ressente… Je fais la traduction et la mise en scène, je joue tous les personnages et puis je fais le public aussi, quel mégalomane…

— Tu viens de me dire que tu préfères les répétitions aux représentations. Les acteurs disent plutôt habituellement le contraire!
— Pour moi, les moments de grâce ont toujours lieu en répétition. Tu vis quelque chose en répétition que tu essaies de retrouver lors de la représentation. En répétitions, les acteurs sont détachés du désir de plaire: on est simplement dans l’instant, dans l’écoute, et l’“aimez-moi” qui est inhérent à tout acteur en représentation est absent. J’estime qu’il faut se libérer de cela et ne pas essayer de séduire le public.

— Cela signifie-t-il que tu es déçu par les représentations lorsque tu les compares aux répétitions, que cela soit en tant qu’acteur ou que metteur en scène?
— Non, car si les moments de grâce ont lieu en répétitions, ils se font par instant. Après ces moments décousus, la représentation crée une unicité grâce à la présence du public. Je ne suis donc pas déçu par les représentations, je cherche simplement à retrouver la fluidité, la liberté et le détachement des répétitions. Les soirées complètement magiques arrivent, mais elles sont rares et donc très précieuses. Jouer, c'est être en quête de la représentation idéale, ne pas oublier que rien n'est jamais acquis...

— Il y a un an presque jour pour jour, nous avions un entretien à propos des Justes et des Mains sales où tu me disais que “tout ce qu’on fait, c’est pour être moins seul”: es-tu toujours d’accord avec cela?
— Oui, plus que jamais. Voir toute une équipe, acteurs, techniciens, administratifs, costumiers, scénographes, etc. défendre ton projet et prendre charge ce dont tu as rêvé, c’est tellement vertigineux! Et encore plus si le public nous rejoint! Cela m’émeut beaucoup: nous ne sommes pas seuls, nous ne sommes pas seuls… Notre nature nous pousse à la recherche de l’autre alors que l’on ne pourra jamais faire l’expérience de l’autre.
D’ailleurs, dans Une maison de poupées, en interrogeant le couple, on pose également la question de l’individualisme! Est-il nécessaire? Comment exister à l’intérieur d’un couple, quelle part de liberté laisser à l’autre?
[Silence]
C’est formidable, tu m’écoutes… Et puis comme on se connaît, c’est bien, je n’ai pas besoin d’essayer de me faire passer pour quelqu’un d’intelligent…

— Il y a aussi la thérapie pour ça, si tu veux.
— Ah ah, mais je n’ai pas besoin, le théâtre est aussi l’endroit où tu peux mettre des mots sur des émotions. C’est l’endroit où tout est possible, où tu peux tout exprimer dans un cadre très protecteur. Il y a une adrénaline qui me fait retrouver ce que je ressentais lorsque je pratiquais le rugby en compétition: j’étais souvent capitaine d’équipe et me devais donc d’emmener le groupe, comme aujourd’hui en tant que metteur en scène…
Le rugby est une belle école de la vie où tu gagnes un esprit de solidarité, et j’y ai parfois atteint un tel état de transcendance que j’aurais été prêt à me faire piétiner pour faire gagner l’équipe! Enfin je ne parle pas de cela aux acteurs, parce que le sport a parfois mauvaise presse auprès d’eux… D’ailleurs, de se retrouver en "compétition" avec d’autres Maisons de poupées mises en scène par Stéphane Braunschweig, Jean-Louis Martinelli ou Michel Fau où jouent Audrey Tautou, Chloé Réjon ou Marina Foïs me donne l’impression d’être un club de troisième division à qui on permet de participer à la coupe d’Europe…»


Pour voir le petit club d’Une maison de poupées composé de Nils Öhlund, Féodor Atkine, Olivia Brunaux, Alexis Danavaras, Emmanuelle Grangé et Bernard Mazzinghi, c’est jusqu’au 22 mai à l’Athénée !

Bonne journée.

La femme est-elle un homme comme les autres? • Entretien

Nils Öhlund est le metteur en scène d’Une maison de poupées d’Ibsen actuellement à l’Athénée.

Comme il était également acteur dans Les mains sales et Les Justes passés l’année dernière, j’avais déjà eu l’occasion de l’interviewer.

Nous avions encore pourtant beaucoup de choses à nous dire hier soir, et c’est la raison pour laquelle cet entretien paraîtra en deux fois.

« Lors du café débat qui a eu lieu le 27 mars à l’Athénée sur le thème “Peut-on échapper à sa famille?”, Jean-Louis Ezine tentait d’expliquer la profusion de Maisons de poupées cette saison par la nostalgie qu’éprouveraient ces metteurs en scène (dont toi, donc) vis-à-vis d’un état des relations homme-femme aujourd’hui révolu.
Alors Nils, nostalgique du temps où les femmes ne pouvaient pas ouvrir un compte en banque sans l’autorisation de leur mari?
— Non, évidemment… Je ne suis pas dans la nostalgie mais bien dans l’observation d’un héritage —car contrairement à ce que dit Monsieur Ezine, ce temps est loin d’être terminé! Il s’agit d’interroger son propre comportement: de quoi avons-nous hérité aujourd’hui?  Quels réflexes continuons-nous à avoir dans nos relations de couple?
C’est la raison pour laquelle j’ai mis en avant le rôle de Torvald, le mari, pour le mettre au même niveau que celui de Nora. Qu’il s’agisse d’un couple et non plus seulement d’une héroïne a été un axe de travail assumé et profond, présent à la genèse du spectacle. Je cherche à voir ce dont on a hérité en tant qu’hommes, mais aussi ce que je peux comprendre et observer d’une femme…

— Beaucoup définissent Une maison de poupées comme une pièce féministe. Restes-tu d’accord avec cette étiquette?
— Non, définitivement pas, je pense qu’on a fait une confusion. La pièce est plutôt égalitariste, elle ne me semble pas appeler à la prise du pouvoir des femmes sur les hommes…

— Euh… Le féminisme non plus…
— Ben si ?! La définition du féminisme, c’est l’attribution du pouvoir aux femmes… Enfin c’est vrai qu’il y a sans doute autant de définitions du féminisme qu’il y a de féministes…

— Et que tu parles ici d’un féminisme très radical.
— C’est quoi pour toi, la définition du féminisme ?

— Celle du dictionnaire que j’ai sous les yeux, ça tombe bien! Un mouvement qui vise à égaliser le statut de la femme avec celui de l’homme, en particulier dans le domaine juridique, politique et économique...
— Il y a eu des féminismes bien plus radicaux, mais qui sont totalement compréhensibles: l’oppression est telle qu’il y a parfois besoin de la violence ou de la provocation pour y répondre… C’est vrai qu’au fondement, le féminisme est un mouvement égalitariste, mais que beaucoup de choses se sont mélangées.

— Le féminisme plus radical dont tu parlais au départ et qui consisterait à donner le pouvoir exclusivement aux femmes me semble davantage relever de la misandrie, le pendant de la misogynie: la haine des hommes… Mais pour en revenir à Une maison de poupées: pièce féministe (dans le sens d’égalitariste), alors?
— Ce qui me gêne dans cette notion, c’est que la pièce est loin de se résumer à une interprétation féministe: fondamentalement, c’est l’histoire d’un couple qui arrive dans une impasse et qui explose.
Ibsen est un humaniste et, quand Nora revendique l’égalité, c’est pour se trouver elle-même, mais ce n’est pas pour autant qu’elle souhaite se conformer aux critères sociaux faits par les hommes. Nora n’a pas de revendication en tant que femme: elle veut juste être un être humain; elle ne dit pas: “en tant que femme j’ai droit à”, mais bien: “tu as toujours été gentil, mais je ne t’aime plus”.
Il est aussi question de violence d’hommes, dans cette pièce: Krogstad ne veut pas faire de mal, retient d’abord sa violence et n’agit que parce qu’il se sent obligé de le faire. De même, Rank livre une description de la société absolument effarante...
En fait, Une maison de poupées parle de deux personnages principaux entourés de trois autres personnes, et elle interroge autant les rapports homme/femme que l’image sociale que l’on dégage et sa corrélation avec notre être profond… Il s’agit de se libérer de l’image que l’on donne de soi. Alors que le personnage de Kristine se contrefiche de l’image qu’elle renvoie, Torvald se demande pour qui il va passer si l’on sent que sa femme le commande, Krogstad cherche à reconquérir une légimité et son statut après avoir commis un impair, Nora exige qu’on arrête de la prendre pour une idiote, Rank se demande ce qu’il est pour ses amis et ce qu’il restera de lui quand il sera parti… Il existe une lutte entre ce que l’on est et l’image que l’on donne, et la fin de cette lutte est synonyme de paix absolue... C’est bien de se libérer de cela avec l’âge, petit à petit.
[Silence]
Si la pièce avait été contemporaine, je l’aurais sans doute montée avec deux femmes ou deux hommes homosexuel(le)s, ou alors j’aurais inversé les rôles mari/femme voir si cela peut tenir. La clé de la pièce, c’est bien que Nora ne peut plus, elle ne peut physiquement plus rester là. Le poison a été distillé pendant douze ans et Torvald et Nora se sont construit une vraisemblance du bonheur petit à petit: c’est pour ça que je n’ai pas fait de Nora une petite alouette superficielle dans les deux premiers actes, car le ver est dans le fruit depuis longtemps!... L’on voit d’ailleurs dès le début que la nomination de Torvald au poste dont il rêvait provoque un soulagement; ils se disent “enfin, plus de souci!”, ce qui prouve bien qu’il y en avait, des soucis… Ils s’imaginent d’ailleurs que l’argent est la solution, alors qu’il s’agit d’un leurre…

— Justement, dans ce même café-débat du 27 mars sur le thème “Peut-on échapper à sa famille?”, Nicole Prieur déclarait que le proverbe “quand on aime, on ne compte pas” était finalement assez faux et qu’en fait, plus on aime, plus on compte. En quoi cette affirmation éclaire Une maison de poupées où le naufrage du couple se révèle d’abord par l’argent?
— Les bons comptes font les bons amis... Non sérieusement, je ne sais pas. Ce qui est sûr, c’est qu’il faut à mon avis éviter que l’argent soit un problème: l’argent n’est qu’un moyen, un outil du quotidien que l’on partage. Au sein du couple, il faut que chacun contribue à hauteur de ses capacités… En cela aussi, je suis égalitariste. Je déteste me faire avoir.
[Silence]
Cette notion de “se faire avoir”, c’est intéressant… On ne veut souvent pas donner sans attendre en retour: donner sans rien attendre témoigne d’une générosité rare. Tu n’attends pas forcément exactement la même chose en retour, mais plutôt une reconnaissance, d’être accepté, d’avoir l’ascendant sur quelqu’un… Il y a presque toujours un échange, et ne pas attendre de retour est un acte d’une telle gratuité, un acte de folie sans doute...

— Tu disais que Kristine était le seul personnage de la pièce à ne pas se préoccuper de l’image qu’elle renvoie. Est-ce pour cela que tu lui as réservé un traitement si particulier?
— Oui, car Kristine est la seule qui agit en fonction de ses nécessités et non de l’image qu’elle souhaite donner.
Mais il y a aussi autre chose: dans ce microcosme de la société qui comprend le couple, l’ami et l’employé, Kristine est l’élément étranger qui devient le relais du public.
Pour moi, elle est également la voix d’Ibsen, car l’on sait qu’Ibsen s’est inspiré pour cette pièce de l’histoire vraie de l’une de ses amies qui avait emprunté de l’argent pour sauver son mari: Ibsen s’était retrouvé dans le rôle de conseil, comme Kristine, et avait suggéré à cette amie de tout révéler à son mari. Résultat, le mari en question a fait enfermer sa femme en hôpital psychiatrique —alors que dans la pièce, n’oublions que le mari laisse partir sa femme!
C’est ce rôle un peu transversal qui donne une autre dimension à Kristine qui n’entre pas par la porte mais bien en traversant les lignes de démarcation tracées au sol, comme si c’était quelqu’un du public qui montait sur scène.
J’avais envie de flouter la frontière entre ce qui est du théâtre et ce qui ne l’est pas, de créer une théâtralité très forte avec ce décor et ces lignes pour mieux la casser ensuite. On voit d’ailleurs le côté complètement faux des panneaux dès le début... Plus exactement, j’ai cherché à créer une sorte de rituel où l’on restitue des morceaux de vie, comme si les acteurs avaient été choisis parmi le public pour rendre compte ce que l’on vit tous: il n’y a pas besoin d’aller chercher ailleurs, seulement de se regarder soi, et les situations que l’on a vécues, honnêtement.
Cette pièce consiste à pénétrer dans l’intimité profonde d’un couple: j’ai construit ma mise en scène comme si je proposais aux trois enfants de Torvald et Nora de voir le film de ce qui s’est déroulé entre leurs parents au moment de leur séparation. Je suis convaincu que le théâtre est un acte politique qui porte un regard sur le monde et nous interroge: c’est pourquoi cela me fait plaisir lorsque des spectateurs me disent qu’ils comprennent autant Nora que Torvald…
Les deux ont des défauts: Nora ment tout le temps, par exemple, mais c’est aussi une question de survie —pour vivre en équilibre avec quelqu’un, tu passes obligatoirement par le mensonge. Je peux comprendre la réaction de Torvald: il est dans sa fonction et obtient le poste dont il rêvait depuis des années! Il ne peut pas être avec sa famille à ce moment-là. Et quand la lettre de Krogstad met tout en péril, il devient fou et dit des vérités profondes qu’il lâche alors que c’est le genre de vérités qu’on garde toujours pour soi… Je ne l’excuse pas car il est égoïste, mais je le comprends. D’ailleurs, il se rend compte lui-même de ce qu’il vient de faire et essaie de le rattraper…

— Ce qui apparaît clairement en t’écoutant et en voyant ta mise en scène, c’est vraiment le refus du dogmatisme et l’exploration de la finesse des rapports de couple...
— La plus grande difficulté, c’est peut-être que ces personnages ne deviennent pas des caricatures et appartiennent au vraisemblable. C’est pratique de faire de ces personnages des caricatures, car cela évite de nous poser des questions sur ce qui nous ressemble chez eux... Qu’est-ce qui est de l’ordre du réflexe dans notre vie de couple? De quoi avons-nous hérité?
La pièce interroge les rapports entre hommes et femmes, mais aussi notre masculinité. D’ailleurs, le public masculin a souvent plus de mal à s’exprimer en profondeur après le spectacle: j’ai parlé à beaucoup de spectatrices qui reconnaissaient un peu de leur propre mari dans Torvald, alors que du côté des maris, le déclic ne semblait pas se faire, ou en tout cas la parole n’est pas venue après le spectacle.
Il faut que les hommes prennent les choses en main, aussi. J’ai eu envie de hurler en entendant un groupe de spectateurs d’une cinquantaine d’années environ dire que la situation décrite dans Une maison de poupées était aujourd’hui dépassée, et qu’il n’y avait plus de problème d’égalité entre hommes et femmes aujourd’hui: mais au secours!

— Bien sûr. Rien qu’en France, sept travailleurs pauvres sur dix sont des femmes, les femmes sont en moyenne 30% moins bien payées que les hommes à poste égal, on voit des femmes nues à longueur de journée dans la publicité, les femmes réalisent la quasi-totalité des tâches ménagères à la maison, une femme meurt tous les trois jours sous les coups de son compagnon et l’on dit toujours “un patron” et “une secrétaire” mais il n’y a aucun problème…
— Même sans aller jusqu’aux problèmes de société, il subsiste encore de nombreux archétypes qui relèvent certes du domaine de l’anecdotique, mais qui sont toujours présents dans notre sphère intime, sans même que l’on s’en rende compte… C’est comme la galanterie, ou même la question de l’invitation au restaurant: si tu es un homme et que tu n’invites pas la femme, tu passes pour un radin; mais si tu l’invites, tu passes pour un macho... Dans les pays scandinaves, c’est très mal vu et considéré comme très rétrograde d’inviter une femme au restaurant…
Il reste beaucoup de travail, des deux côtés: il ne suffit pas de dire aux femmes de prendre leur indépendance, il faut aussi leur donner!… De même du côté des femmes, certaines se laissent sans doute aller à se conformer à ces archétypes ancestraux qui sont somme toute assez confortables…

— Oui, il suffit de lire certains journaux féminins pour s’en rendre compte. On parle souvent des difficultés à être une femme, mais jamais de celles à être un homme. Si les hommes ne sont sans doute pas confrontés aux mêmes problèmes, la position masculine est-elle si facile à tenir?
— Je n’ai pas le sentiment que c’est dur d’être un homme…

— Tu n’as pas le sentiment qu’il faut être plus grand que sa compagne, gagner davantage, avoir un rôle protecteur, aller draguer, ne pas pleurer et aimer regarder du foot en buvant de la bière?
— Moi, personnellement, non. Mais c’est vrai que tu vois ce genre de démonstrations viriles chez certains hommes et que c’est franchement pathétique…. Je me fiche de gagner moins que ma compagne et je ne m’interdis pas de pleurer. Dans les pays scandinaves, ce sont les femmes qui draguent: alors fais la même chose, cela te permettra de faire le tri entre ceux qui sont sortis des schémas et ceux qui ont encore la tête trop encombrée...

— Pourquoi avoir traduit le texte d’Ibsen toi-même?»

La réponse (et le reste de l'entretien) sont à lire dans le billet de demain, ici.

Bon mercredi.

Du potentiel érotique de la barbe (ou pas) • Pleins feux

D'Henrik Ibsen, l’auteur norvégien d’Une maison de poupées actuellement à l'Athénée, on a surtout cette image d’un type un peu sombre avec des gros favoris:

Daniel Georg Nyblin (c) The Norwegian Museum of Cultural History, 1894

Il existe pourtant des représentations moins conventionnelles de l’écrivain mort en 1906, comme ce dessin qu’en a fait Jean Cocteau:

Jean Cocteau, Portrait d'Henrik Ibsen, 1960

Ou cette statue érigée à Bergen, dans le sud-ouest de la Norvège:

Statue d'Ibsen à Bergen (Norvège) (c) Nils Aas

Enfin, si vous vous rendez à la Pinacothèque de Paris, à deux pas de l’Athénée, vous pourrez y contempler en vrai le portrait qu’en fit Edvard Munch en 1902:

Edvard Munch - Henrik Ibsen au Grand Café du Grand Hôtel, Kristiana, 1902
Lithographie coloriée à la main - 50,5 x 66 cm
Collection Famille Epstein
Photo: Philip Charles © Munch Museum / Munch Ellingsen Group / ADAGP, Paris 2010

L’exposition Edvard Munch ou l’“anti-cri” sera visible à la Pinacothèque de Paris (28 place de la Madeleine, Paris 8e) jusqu’au 18 juillet 2010.

Les spectateurs d’Une maison de poupées ainsi que les abonnés de l’Athénée peuvent bénéficier du tarif réduit à cette exposition sur présentation de leur ticket/carte d’abonné à l’entrée du musée.
De même, les personnes ayant vu l’exposition, toujours sur présentation de leur ticket d’entrée mais cette fois à l'Athénée, peuvent bénéficier du tarif réduit sur les représentations d’Une maison de poupées.

Ce soir, vous pourrez rencontrer l'équipe artistique d'Une maison de poupées après la représentation.

Bon mardi !

Dijon est aussi une jolie ville • Coulisses

Après les photos de répétitions d’Une maison de poupées aux Lilas en septembre puis à Niort en octobre, quelques photos des répétitions qui ont eu lieu à Dijon en mars avant une représentation au Théâtre des Feuillants.

Contrairement à Niort, je connais déjà très bien Dijon et je vous conseille d’aller y passer un week-end en en profitant pour faire la route des vins jusqu’à Beaune.

Pour voir la vidéo sur YouTube, c'est ici.

Une maison de poupées d’Ibsen mis en scène par Nils Öhlund se joue à l’Athénée jusqu’à la fin de semaine prochaine. Bon lundi !

Combien de temps allons-nous tenir? • Perspective

Bonjour à tous,

Comme je vous l’expliquais, le monde de la culture était en grève hier dans toute la France. Voici à quoi ressemblait la manifestation parisienne où les esprits les plus perspicaces reconnaîtront quelques visages de l’Athénée et un bâtiment bien connu du monde culturel :

Merci aux différents messages de soutien que nous avons reçu sur le blog ou par mail. Vous pouvez également lire un article du Monde consacré à la journée d’hier avec une interview de Patrice Martinet, directeur de l’Athénée, ici.

À l’Athénée et après l’annulation d’hier, la première d’Une maison de poupées mise en scène par Nils Öhlund aura lieu ce soir. Bon week-end à tous !

La France a peur • Perspective

La dernière représentation des Justes a eu lieu samedi soir, terminant dans le même temps la saison 2008-2009 de l’Athénée.

Voici quelques photos prises dans les coulisses pendant la représentation:

Liza, habilleuse à l’Athénée, et Anne Le Guernec, l’interprète de Dora.

On le sait, Guy-Pierre Couleau, le metteur en scène des Mains sales et des Justes, n’est pas vraiment un garçon sinistre.

Anne Le Guernec, l’interprète de Dora.

François Kergourlay, l’interprète de Boria, Marie-Noëlle Bourcart, régisseure générale à l’Athénée, et Nils Öhlund, l’interprète de Skouratov.

Nils Öhlund, l’interprète de Skouratov, et Marie-Noëlle Bourcart, régisseure générale à l’Athénée.

Gauthier Baillot, l’interprète de Stepan, et François Kergourlay, l’interprète de Boria.

Le reflet de Michel Fouquet, l’interprète de Foka.

Frédéric Cherboeuf, l’interprète de Kaliayev.

Nils Öhlund, l’interprète de Skouratov, regarde la représentation par écran interposé avant d’entrer en scène.

Vous aurez demain Les Justes à l’endroit, mais toujours vus des coulisses...

La saison de l’Athénée est terminée, mais vous pouvez déjà découvrir les spectacles de l’année prochaine et réserver vos places ici !

Bon lundi.

Bande de dégénérés ! • Perspective

Il y a quelques mois, devant écrire un texte sur la représentation des médecins au théâtre et à l’opéra (pas à destination du blog de l’Athénée, ne cherchez pas), je tombai sur un livre dont le titre me fit espérer une avancée spectaculaire dans mes recherches: La Médecine au théâtre dans les temps modernes de Paul Descoust, publié en 1906.

Ce que je pensais être une mine d’or s’avéra rapidement très décevant pour mon sujet: l’auteur était un médecin qui postulait que beaucoup de personnages de théâtre souffraient de maladies relevant de la science et qui entendait analyser les textes dramatiques d’un point de vue strictement médical.

Je m’apprêtai à refermer le bouquin lorsque je tombai sur un chapitre consacré aux œuvres d’Ibsen, l’auteur de Hedda Gabler ou d’Une Maison de poupées.

Selon Paul Descoust, le théâtre d’Ibsen relève des “pièces médicales sans tendances éducatrices”.
En effet, l’alcoolisme étant un véritable fléau dans les pays nordiques, le nombre de “dégénérés” n’y pouvait y être que plus grand, donnant ainsi à Ibsen de nombreux sujets d’études.
(Je cite : “Ibsen, qui avoue lui-même n'avoir traité que des observations faites […] sur de vrais aliénés, a dû certainement prendre ces types de dégénérés dans son pays où ils ne devaient pas manquer.”)

Postulant en tout cas que les cas représentés dans le théâtre d’Ibsen relèvent de la médecine scientifique (sans parvenir à établir quel serait le prétendu “message” d’Ibsen vis-à-vis de ces personnages forcément dégénérés), Paul Descoust dresse ainsi un tableau des maladies représentées dans ses pièces:

Paul Descoust conclut enfin : “Ibsen s'est attaché à faire le plus scientifiquement possible et d'une façon […] très dramatique, la description non plus d'états d'âmes ordinaires, mais d'états d'âmes malades, d'âmes atteintes de dégénérescence et de tares héréditaires.”

La Nora d’Une Maison de poupées manifeste-t-elle une forme de dégénérescence mentale avec hystérie? À vous de voir: Une Maison de poupées d’Ibsen mise en scène par Nils Öhlund commence ce vendredi à l’Athénée.

Veuillez bien noter qu’en raison d’une journée d’action de défense des arts et de la culture, la première qui devait avoir lieu demain est annulée. Vous en saurez davantage dans le billet de demain matin.

Bonne journée !

L'Athénée au cinéma • Coup de théâtre

Nous avons déjà parlé sur le blog d’Amandine Gougeon-Mastellotto, directrice du développement à l’Athénée: c’est elle qui s’occupe entre autres de louer l’Athénée à des tiers pour des séminaires, des concerts, divers événements ou encore des tournages de films. Son travail rapporte à l'Athénée un bénéfice d'environ 250 000 euros par an.

Le 22 décembre 2008, vous aviez pu voir sur le blog des photos du tournage du film Coco avant Chanel d’Anne Fontaine (avec Audrey Tautou, Emmanuelle Devos, Marie Gillain et Benoît Poelvoorde) dont une scène avait été réalisée à l’Athénée.

La semaine dernière, c’est le film Un Requiem pour une tueuse de Jérôme Legris avec Clovis Cornillac, Mélanie Laurent, Tcheki Kario, Michel Fau et Xavier Gallais (production Alter Films) qui s’installait à l’Athénée pour plusieurs jours.

Je vous livrais jeudi une photo du ballon d’éclairage qui a été utilisé pour le tournage (il s’agit d’un ballon gonflé à l’hélium à l’intérieur duquel est installé un éclairage, permettant ainsi d’émettre une lumière diffuse): voici aujourd’hui quelques photos de l’équipe du film secondée par celle de l'Athénée —pour des raisons de droit à l’image, personne n’est reconnaissable, ne cherchez pas.

L’équipe technique a commencé par unifier la couleur de la scène de l’Athénée dont le “nez” avant (la partie arrondie qui couvre la fosse d’orchestre) n’était pas tout à fait du même noir que le reste.

Dans un endroit très passant juste à côté du lieu de prise de vue, l’équipe a installé de la moquette noire pour protéger celle de l’Athénée.

Le foyer bar a subi le même sort, avec en plus quelques bâches occultantes.

Sur les coursives entourant la salle, j’ai comme l’impression que ce ne sont pas les mêmes affiches ni les mêmes sièges que d’habitude…

Le fameux ballon éclairant (éteint) au premier plan, et les techniciens installant le décor sur la scène au fond.

L’équipe du film se mélange à Jean-Noël et Richard, régisseurs à l’Athénée.

Reflets de lunettes et lumière d’écrans d’appareils photo ou de caméras devant une partie du décor du film.

Le fameux ballon éclairant, cette fois descendu et allumé.

L’atelier costumes de l’Athénée est bien plus rempli que d’habitude…

Des membres de l’équipe technique, artistique et administrative du film dans la cour de l’Athénée.

Les techniciens commençant à ranger le décor à la fin du tournage.

L’équipe du film est aujourd’hui partie et l’Athénée se prépare à accueillir Une Maison de poupées mise en scène par Nils Öhlund qui commence cette semaine! Bonne journée.

Merci à Thierry Muscat

"Je suis heureux" — "Moi aussi... C'est fini pour toujours." • Coulisses

Emmanuelle Grangé interprète le rôle de Kristine Linde dans Une Maison de poupées mise en scène par Nils Öhlund qui commence cette semaine à l’Athénée.

Pendant les premières répétitions en septembre et octobre dernier (dont vous avez pu voir quelques photos sur le blog, ici ou là), Emmanuelle a tenu un journal quotidien qu’elle m’envoyait tous les soirs: voici pour vous le début de ses chroniques des répétitions d’Une Maison de poupées.


NB: l’équipe artistique d’Une Maison de poupées est composée de Nils (metteur en scène), Olivia (rôle de Nora), Féodor (rôle de Torvald), Alexis (rôle de Rank), Emmanuelle (rôle de Kristine) et Bernard (rôle de Krogstad)

Mon cher journal

Les répétitions vues par Emmanuelle Grangé

«1er septembre 2009
La peau
Il pleut en sortant du métro. Souvenons-nous de cet août où Féodor plante ses arbres fruitiers et sa charpente, où Olivia rend visite à Homère en Grèce, où Alexis adopte un chat, où Nils ne capte pas de chez sa mère, où Emmanuelle retrouve la Charente, où Bernard reviendra la semaine prochaine... De ces paysages aussi dépendront La Maison.
Qu'est-il de plus flagrant qu'un épiderme le jour d'une première répétition ? Le soleil omniprésent de cet été n'a pas main mise sur la peau de l'acteur. Bestiole pensante, le comédien se tient entre l'apprentissage du texte et son interprétation bredouillante, ses idées lumineuses ! Dans cet infime détroit naît la création.
Au metteur en scène revient la baguette du regard large; Nils a sa chemise bleue transpirante et l'oeil vigile parlant.
 
2 septembre 2009
L'amour et l'argent
L'hérédité et ses qualités
Nora et Kristine
Tor. et Kro.
Ce matin j'ouïe
Je me demande pendant combien de temps
je garderai les pieds nus
Septembre serait une belle saison
pour sécher un herbier
Et toujours revenir
à la Norvège d'Ibsen
Le climax !
Je vois l'acteur en équilibre se pencher
Peut-être ne le fera-t-il que là
en grâce de répétition,
à l'ombre du laboratoire.
Ce matin, les yeux de Nora étaient humides.
“Je suis heureux”
“Moi aussi... C'est fini pour toujours”
(Acte I, scène 1)


3 septembre 2009
“Putain de mort et saloperie de douleur” (Nora, acte I, scène 4)
Dès cette scène, Nora dit l'inconsolable. Elle a convié son amie d'enfance, un fantôme ?, Kristine, qu'elle ne reconnaît qu'après effusion corps à corps, et le docteur Rank mourant. La mort et la re-naissance.
Juste un peu plus tard, une scène plus loin, Torvald dira à Kristine : “Venez, Madame, à moins d'être une maman, l'endroit va devenir insupportable”.
Je pense à la Médée de Pasolini.
Je pense à Tchekhov qui disait sa Cerisaie comédie, Ibsen n'en aurait pas moins ainsi qualifié sa Maison de poupées. Parce que la tragédie n'est jamais dramatique.
 

4 septembre 2009
Je t'ai par cœur.
L'acteur rabat les œillères au milieu du bruit de la brasserie, recopie l'auteur, réplique après réplique. Les mots se chamaillent la place, la portée, l'ordonnance dans le cerveau, se logent impacts dans le cœur. L'homme fronce le nez, les lunettes menacent de tomber, la calligraphie est aussi élégante que sa silhouette penchée à la Giacometti. ?Il redevient apprenti, balbutieur, découvreur. Rien n'est jamais acquis...
Il n'y a guère qu'une chanson de Bob Dylan dans les haut-parleurs qui puisse lui faire relever la tête, tourner la cuiller dans le café froid. "Like a rolling stone ..." Les mains dans l'humus des mots, la mémorisation finit par pénétrer le corps. ?L'acteur s'absente de longues heures, fourmi souterraine, il peut lui arriver d'oublier dans ces endroits publics de surchauffe un pull-over, un téléphone, un carnet d'adresses, un imperméable, il peut lui arriver de vouloir franchir le tourniquet du métro en oubliant de glisser un ticket, il se fait alors très mal.

7 septembre 2009
Couleur Isabelle
Lilas en Scène est l’antre de nos répétitions aux Lilas dans le 93. Proche de la fameuse clinique de l’accouchement sans douleur.
Nous changeons de salle aujourd’hui, d’une dénommée « Leila » -de l’arabe nuit-, nous passons à « Isabelle » - Isabelle la Catholique aurait fait le vœu de ne pas changer de chemise avant la fin du siège de Grenade en 1491…-  Le ciel est à l’été.
Nous avons visité les dernières scènes de l’acte I.
Je voudrais ce soir après le travail d’aujourd’hui ne penser qu’à l’espèce de pureté de Nora.
“Mmh” (Torvald, acte I, scène 9), “je vais relire mon texte” (Emmanuelle G.)


14 septembre 2009
On a beau lire, relire, penser, taire, que sais-je, rêver, le monologue de l'acteur chez lui n'arrive pas à la cheville de l'intime lors de la répétition à plusieurs.
Quelle est cette chose que j'abandonne dès la porte de chez moi claquée ? Quelle est cette rumination silencieuse dans le bus devant la femme qui in extremis arrivera à hisser la poussette et son enfant dans l'habitacle roulant ? De quel ordre est ce rituel commençant en bas de ma maison à heure presque précise et finissant à la porte de Lilas en Scène ?
Bien souvent je vois en premier Alexis là où un pâlot rayon de soleil veut bien encore chauffer les corps endormis. L'automne est-il là ?
Notre tanière est chaude et sans garantie et sans esbroufe, nous travaillons mine de tout; Nils ne perd aucun d'entre nous.


15 septembre 2009
Esculape et heidelberger Brot* !
Il faut d’abord sentir et surtout ne pas mélanger ! Chez nous, il y a un Grec aux accents sud américains, un Breton-Italien, une Calvadosienne (c’est elle qui sent si bon les Esculape’s gouttes), un jeune Suédois, un va-nu-pieds-sans-dire russe , une germano-russe. Chez nous, c’est plus large que la France et grand comme six fois la grande ourse, enfin, c’est ce qu’on voit, pressent et désire…
“Tu as entendu.” (Nora, acte III, scène 2). Les corps ont à dire, à faire, non à démontrer.
Pour cela il faut du souffle, un gros zeste insoupçonnable de travail, des amandes émondées, du sucre, des mains, un tantinet de pensée, une forte pincée d’abandon, du blé pas si riche que ça… Hop là !  Voici le pain mendiant superbe de Heidelberg !
 
*das Brot :  le pain
Heidelberg :  ville d’Allemagne, célèbre université, Goethe, les frères Grimm…


16 septembre 2009
Restons sérieux et légers !  Je persiste à croire que les quelques gracieux moments de répétition s’approchent au plus près du théâtre avant la re-présentation.
Quelle est cette espèce d’alchimie orchestrée par Nils Öhlund ? De quel ordre est cette confiance de voyants que nous lui accordons, nous, les acteurs ?
Nils nous propose de travailler au plus près de nous, c’est-à-dire de l’intime. Son adaptation d’Ibsen est alerte, de scories, il n’y a pas. Et le bougre a enlevé la ponctuation du texte !
Alors, par exemple, ça donne ça dans mon interprétation: “…Maintenant, je me retrouve toute seule, vide et laissée de côté. C’est terrible, travailler juste pour soi, il n’y a aucun plaisir.”, là où on pourrait aussi entendre, “Maintenant, je me retrouve toute seule, vide et laissée de côté, c’est terrible. Travailler juste pour soi, il n’y a aucun plaisir.” (Kristine, Acte III, scène 1)
A bon entendeur, salut !  Je retourne à mon texte.»


Emmanuelle a continué son journal de répétitions de manière très régulière (quoique moins quotidienne) jusqu’à la première d’Une Maison de poupées à Niort, deux semaines plus tard. Vous pouvez le consulter en intégralité sur le site d’Une Maison de poupées, ici.
(Note du 25 mai 2010 : Emmanuelle a continué son journal au moment des représentations à l'Athénée. Je l'ai publié sur le blog  ici)


Il ne reste plus que quelques jours avant la première d’Une Maison de poupées. Si vous avez acheté le Télérama de la semaine dernière ou de la semaine précédente, vous y trouverez le pass théâtre qui vous donnera droit à des places à 10 euros à l’Athénée jusqu’à samedi.

Bon lundi !

Acte I, scène 1 • Pleins feux

On a beaucoup parlé d'Une Maison de poupées d'Ibsen en en faisant une pièce féministe, oubliant ses qualités proprement littéraires ou tout simplement qu'il s'agissait surtout de l'histoire de la déliquescence d'un couple: un homme, Torvald (un peu loin du monstre que l'on a parfois décrit) et une femme, Nora (un peu loin de la militante que l'on en a souvent faite).

On a aussi déjà dit sur ce blog que c'était Nils Öhlund, le metteur en scène d'Une Maison de poupées à partir de la semaine prochaine à l'Athénée, qui a retraduit le texte d'Ibsen.

Pour découvrir à la fois les subtilités des personnages d'Ibsen et la traduction de Nils Öhlund, voici un extrait de la première scène d'Une Maison de poupées dans la version qui sera jouée à l'Athénée.

Une Maison de poupées
Texte: Henrik Ibsen. Traduction : Nils Öhlund.

ACTE I, scène 1

"Nora : Il est à la maison.

Un temps

Torvald off : C’est toi Nora ?

Pas de réponse

Torvald off: Nora … ? Biquette … ? Chérie ?

Nora : Viens voir ce que j’ai acheté.

Torvald off: Plus tard… .Comment ça « acheté » ?

Un temps

Torvald apparaît : Tu n’as pas pu te retenir !

Nora : Mais c’est le premier Noël où je peux me faire plaisir.

Torvald : Tu sais, on ne peut pas gaspiller.

Nora : Oh, si ! Un peu chéri, un tout petit peu. Avec tout ce que tu vas gagner maintenant. Tout cet argent, tant d’argent, de l’argent, de l’argent, de l’argent !

Torvald : Oui, à partir du nouvel an. Je ne toucherai rien avant la fin du trimestre.

Nora : Demande une avance

Torvald : Sûrement pas.

Nora : Nous n’avons qu’à emprunter.

Torvald : Et s’il m’arrive quoi que ce soit avant de …

Nora : Arrête , je n’aime pas … 

Torvald : Juste. Imagine que je prenne une tuile … 

Nora : S’il t’arrive quoi que ce soit …, des dettes … quelle importance ! ?

Torvald : Quelle inconséquence ! Et mes créanciers, tu penses qu’ils vont … 

Nora : Des étrangers …! Moi, je ne pourrais pas vivre sans toi.

Torvald : Nora ! Tu sais bien qu’il est hors de question qu’on emprunte …, de dépendre de qui que ce soit. On a tenu jusqu’…

Nora : Moi, je dépends de toi.

Torvald : Non, sérieusement ! Vivre avec des dettes, c’est vivre dans le mensonge, Nora. On a tenu onze ans … alors trois mois, qu’est-ce que c’est ?

Nora : Oui, oui …! Attendons … encore …

Torvald : Ca y est ! Mon piaf qui boude. L’escargot qui se recroqueville …, dans sa coquille ! Mon petit hérisson … (faisant un geste vers elle) Ouh, ça pique ! (Nora sourit, contrainte ; il sort quelques billets de sa poche)  Tiens, … ma petite mule.

Nora : Dix, vingt, trente, quarante … (Avec un reste de bouderie) Merci.

Torvald : Ca ira ?

Nora : Oui …, ça va suffire .

Torvald : Il faudra bien.

Nora : Viens voir ce que j’ai acheté.

Torvald : J’ai à faire …

Nora : Deux minutes. Regarde … . Je suis contente, ça ne m’a quasiment rien coûté. Un costume pour Ivar … avec le sabre ; le cheval pour Bob …. Il est joli, tu ne trouves pas ? -- Ah oui et puis une trompette … . C’était rien, je n’ai pas pu m’empêcher . Et j’ai pris cette poupée avec le lit pour Emmy. C’est très ordinaire … ça ne coûtait rien … mais bon … pour ce que ça va durer avec elle …

Torvald : Et ça ?

Nora : Ah non, non, non !  Ne regarde pas !

Torvald : Ah, ah! -- Et la petite dépensière, elle a réfléchi pour elle même ?

Nora : Bah ! Pour moi ce n’est pas la peine.

Torvald : Bien sûr ! -- Allez …, dis moi ce qui te ferait plaisir et d’ abordable.

Nora : Non vraiment, je ne sais pas . -- Ou bien …

Torvald : Oui … ?

Nora : Si tu veux vraiment …, tu pourrais me donner … .

Torvald : Eh bien ! Tu vas me le sortir !

Nora : De l’argent. Ce que tu peux. Comme ça un jour, j’achèterai …

Torvald : Non, mais …

Nora : Si, si, chéri, fais-le. J’accrocherai ça à l’arbre dans du papier doré. Ca sera amusant, non ?

Torvald : En fait ton vrai plaisir à toi, c’est de dépenser. Toi, tu es comme les… comment ça s’appelle ces petits bêtes …?

Nora : Je sais, oui …, comme les cigales. -- Faisons comme ça . Je pourrai réfléchir tranquillement et acheter ce dont j’ai vraiment besoin. Tu vois, je suis raisonnable.

Torvald : Oui. Si entre-temps tu ne le dépenses pas pour la maison ou je ne sais quoi d’inutile.

Nora : Pourquoi tu dis ça ? J’économise autant que je peux.

Torvald : Oui, autant que tu peux. Mais comme tu peux peu.

Nora : Si seulement tu savais les frais que nous avons, nous les piafs, les escargots !

Torvald : Tu es un drôle d’animal …, on dirait ton père. Très douée pour obtenir de l’argent mais alors, incapable de le garder. Enfin, il faut te prendre comme tu es. C’est héréditaire.

Nora : Je préfèrerais avoir hérité de ses qualités.

Torvald : Et moi je ne te préfèrerais pas  autrement."

Rendez-vous la semaine prochaine pour découvrir Une Maison de poupées à l'Athénée! Bon week-end à tous.

Le lustre a disparu ! • Coup de théâtre

Une Maison de poupées d'Ibsen mis en scène par Nils Öhlund ne commencera que la semaine prochaine à l'Athénée: ce n'est pas pour autant que le théâtre reste vide et qu'il ne s'y déroule pas des choses étranges...

Vous aurez la suite très vite.

Bonne journée à tous, et n'oubliez pas que pour voir Ursule 1.1, l'opéra pour internet de Benjamin Lazar dont je vous parlais hier, c'est ce soir de 21h à 21h30 sur le site du Théâtre de Cornouaille !

Vous êtes vierge ? Vous habitez Quimper ? • Pleins feux

Si vous êtes un spectateur fidèle de l’Athénée, vous connaissez déjà Benjamin Lazar: venu en avril 2008 avec son spectacle L’autre Monde ou les états et empires de la lune, il reviendra à partir du 27 mai prochain pour Les Amours tragiques de Pyrame et Thisbé.

Si vous êtes un spectateur fidèle d’opéra et de théâtre musical, vous connaissez déjà Benjamin Lazar aussi: il a mis en scène La la la - Opéra en chansons et Cadmus et Hermione à l’Opéra Comique ou Le Bourgeois gentilhomme au Château de Versailles.

Vous n’aurez même pas besoin de vous déplacer pour voir son prochain spectacle, Ursule 1.1, et pour cause, ce n’est pas vraiment un spectacle. Ou plutôt si, c’en est un, mais pour internet.

Le spectacle vivant passe souvent très mal à l’écran: mais ici, il ne s’agit pas d’une captation d’un spectacle joué devant du public et retransmis ensuite, mais bien d’un opéra conçu pour internet.
L’opéra Ursule 1.1 composé par Morgan Jourdain, mis en scène par Benjamin Lazar et dirigé par Geoffroy Jourdain sera joué au Théâtre de Cornouaille (Quimper) devant une caméra. La mise en scène est conçue pour cette caméra qui restera fixe: à la charge des comédiens, chanteurs et techniciens de jouer et régler les décors et lumières en fonction de cette caméra.

Vous l’aurez bien compris, l’objet est donc bien d’innover une nouvelle forme de création en investissant un média, internet, encore peu ou mal utilisé par le spectacle vivant.
Il n’est pas pour autant forcément question de voir un opéra en solitaire, car Benjamin Lazar se plaît à imaginer des endroits conviviaux où l’on pourrait regarder cette nouvelle forme de spectacles pour internet sur écran géant et à plusieurs.

Quelles ambiguïtés Internet peut-il produire? L’écran implique-t-il nécessairement une médiation? Le spectacle vivant l’est-il toujours autant si le public n’est pas dans la salle? L’émotion est-elle possible à distance? Internet représente-t-il une nouveau moyen d’accès au théâtre?

Pour réfléchir à toutes ces questions, rencontrer Ursule et découvrir le premier opéra créé pour internet, connectez-vous demain sur le site internet du Théâtre de Cornouaille pour la première session d’Au Web ce soir: c’est demain à 21h, c’est gratuit et cela dure une demi-heure.


Bon mercredi!

PS : Si vous achetez le Télérama d’aujourd’hui, vous y trouverez un encart, le pass Télérama théâtre, qui vous permettra d’aller voir Une Maison de poupées mis en scène par Nils Öhlund à l’Athénée pour 10 euros (offre valable pour la première semaine de représentations).

Niort est une jolie ville • Coulisses

Je vous le disais jeudi, j’ai suivi l’équipe d’Une Maison de poupées (à partir de la semaine prochaine à l’Athénée) dans leurs répétitions et/ou représentations aux Lilas, à Niort et à Dijon.

Je vous livrais donc la semaine dernière des photos de répétitions sans décor ni costumes aux Lilas; voici aujourd’hui quelques photos des répétitions à Niort, dans le décor mais pas forcément en costumes, quelques jours avant la première le 13 octobre (là aussi, c’était avant l’acquisition de mon nouvel appareil photo, mais vous ferez comme si vous n’aviez rien vu).

La scénographe Virginie Leforestier.

Les comédien(ne)s Bernard Mazzinghi (rôle de Nils Krogstad)
et Emmanuelle Grangé (rôle de Kristine)
entourant le metteur en scène Nils Öhlund
pendant les essais du créateur des lumières, Xavier Carré.

Les jambes des comédien(ne)s Bernard Mazzinghi (rôle de Krogstad)
et Emmanuelle Grangé (rôle de Kristine)
entourant celles du metteur en scène Nils Öhlund.

À gauche, la comédienne Olivia Brunaux (rôle de Nora) est dans le flou
pendant que le metteur en scène Nils Öhlund et les comédien(ne)s Alexis Danavaras (rôle du Docteur Rank), Emmanuelle Grangé (rôle de Kristine) et Féodor Atkine (rôle de Torvald) font le point.

La comédienne Olivia Brunaux (rôle de Nora).

Les comédien(ne)s Féodor Atkine (rôle de Torvald)
et Olivia Brunaux (rôle de Nora)
sous l’oeil du metteur en scène Nils Öhlund.

La silhouette du metteur en scène Nils Öhlund.

Les comédien(ne)s Féodor Atkine (rôle de Torvald)
et Olivia Brunaux (rôle de Nora).

Le metteur en scène Nils Öhlund à une époque où il avait moins de problèmes avec son coiffeur qu’avec ses tableaux Excel.

J’en avais profité pour faire un rapide tour dans Niort que je ne connaissais pas du tout: et comme j’imagine que certains d’entre vous non plus...

À la semaine prochaine pour Une Maison de poupées d'Ibsen mis en scène par Nils Öhlund et à demain sur le blog. Bonne journée!

Monsieur Jouvet, un autographe! • D'hier à aujourd'hui

Nous avons déjà eu l’occasion de le voir ensemble, l’Athénée offre de nombreux témoignages du passé à qui a l’occasion d’y farfouiller.

Avec Denis Léger, directeur technique du théâtre, je n’ai même pas besoin de beaucoup me fouler: il suffit d’une courte visite dans son bureau pour qu’il ouvre son placard (que dis-je, sa caverne aux trésors) et m’en sorte de nombreux documents authentiques et inédits, dont, par exemple, ce papier format A5 :

Il s’agit d’une demande d’invitation à un spectacle pour Abel Hermant, écrivain membre de l’Académie française qui tenait également une chronique dans Le Temps ou Le Figaro (et accessoirement condamné après la seconde guerre mondiale pour des faits de collaboration, mais je m’égare).

Au vu de la date, 22 mai 1934, il s’agirait de La Machine infernale de Jean Cocteau mis en scène par Louis Jouvet et créé le 10 avril 1934 à la Comédie des Champs-Élysées (Paris 8e) dont Louis Jouvet était à l’époque le directeur -il prendra la tête de l’Athénée quelques mois plus tard.

La demande est signée G. de Guilhermy, apparemment journaliste au Figaro (je dis “apparemment”, car la seule occurrence que j’ai pu retrouver de lui est une chronique de manoeuvres militaires effectuées en Normandie en 1937). Elle a été acceptée par Louis Jouvet dont on peut voir l’approbation et la signature en rouge sur le document.

Bonne semaine à tous.

Les grands mystères de Dominique Lemaire (10) • La corde verte du lapin qui siffle

Domique Lemaire, directeur technique adjoint de l'Athénée, est actuellement en vacances bien méritées, mais ce n'est pas cela qui nous empêchera de jouer avec les photos de vieux objets qu'il a prises à l'Athénée.

Certains trouveront sans doute assez vite l'utilité de cet objet. Mais son petit surnom, c'est ?

Bonne journée.

Des poupées dans les lilas • Coulisses

Une Maison de poupées commencera dans deux semaines à l’Athénée.

Le spectacle n’en est cependant pas à ses premiers pas: les répétitions ont commencé en septembre 2009 aux Lilas (nord-est de Paris) et la création a eu lieu à la Scène nationale de Niort le 13 octobre, inaugurant une tournée passant par Sens, Montluçon,  Flers, Dijon, Colmar ou Colombes.

Comme je suis une blogueuse mobile, j’ai suivi toute l’équipe d’Une Maison de poupées aux Lilas, à Niort et à Dijon.

Je vous livre donc aujourd’hui des photos qui datent d’il y a huit mois: c’était dans la salle du premier étage de Lilas en Scène (aux Lilas, donc) et les répétitions venaient de commencer. Il n’y a donc pas de décor, pas de costumes, et parfois quelques textes dans les mains des acteurs…

Comme j’étais à l’époque une blogueuse mal équipée, les photos ont été prises avec mon ancien appareil qui, vous vous en rendrez vite compte, était quand même beaucoup moins bien que mon actuel: j’espère que vous saurez être indulgents.

Le “décor” improvisé aux Lilas.

Au premier plan de dos, Nils Ölhund (metteur en scène).
Au fond, la comédienne Olivia Brunaux (rôle de Nora).

Les comédien(ne)s Féodor Atkine (rôle de Torvald)
et Olivia Brunaux (rôle de Nora).

Les comédien(ne)s Olivia Brunaux (rôle de Nora)
et Alexis Danavaras (rôle du Docteur Rank).

La comédienne Olivia Brunaux (rôle de Nora).




Le comédien Bernard Mazzinghi (rôle de Nils Krogstad).

Le metteur en scène Nils Öhlund
à une époque où il avait un problème avec son coiffeur.

Les comédiennes Olivia Brunaux (rôle de Nora) et Emmanuelle Grangé (rôle de Kristine).

Les comédien(ne)s Olivia Brunaux (rôle de Nora), Féodor Atkine (rôle de Torvald) et Alexis Danavaras (rôle du Docteur Rank).

Pour voir Une Maison de poupées (Texte: Henrik Ibsen, 1879. Mise en scène: Nils Öhlund), c’est du 6 au 22 mai à l’Athénée !

Bonne journée.

Quand l'Athénée était en travaux.... • D'hier à aujourd'hui

Si l’Athénée est aujourd’hui l’un des plus beaux théâtres de Paris (non, je ne dis pas cela parce que j’y travaille), il était en piteux état lorsque Patrice Martinet en prit la direction en 1993.

Construit en 1893, l’Athénée n’a pas connu de travaux importants entre 1896 et 1978, l’année où Pierre Bergé en devient directeur, soit quasiment un siècle.
Pierre Bergé crée dans les combles une deuxième salle de spectacle, la salle Christian-Bérard, et fait réaliser quelques travaux d’aménagements dans les parties accueillant le public et le personnel administratif.
En 1992, une partie de la cage de scène est rénovée.

En 1993, Patrice Martinet ne peut que constater la nécessité d’engager des travaux de grande ampleur: la cage de scène est loin d’être sécurisée, l’électricité est en 110 volts avec les fils datant de l’époque de construction (fin du 19e siècle, donc…), le chauffage fonctionne à vapeur, certaines loges et toutes les baignoires de la salle ont été supprimées, la façade a besoin d’un ravalement et son balcon s’est en partie effondré.

Les travaux sont chiffrés à trente millions de francs, soit cinq millions d’euros.

Toute l’équipe de l’Athénée, et en particulier Patrice Martinet, Denis Léger, Dominique Lemaire (tous trois toujours en poste au Théâtre aujourd’hui!), Patrick Penot et Denis Bretin, se mobilise pour rassembler les fonds et concevoir les travaux.

Il faut d’abord classer l’Athénée aux Monuments Historiques pour que l’État finance l’opération à hauteur de 50%, puis réunir la moitié restante qui sera fournie par la ville de Paris, le conseil régional d’Île-de-France et de nombreux mécènes comme Groupama (propriétaire, encore aujourd’hui, du bâtiment de l’Athénée), Pierre Bergé et des particuliers réunis au sein de la société des amis de l’Athénée.

L’incroyable mobilisation qui eut lieu pour réaliser cette campagne de travaux permit de (re)donner naissance au théâtre que vous voyez aujourd’hui: l’ensemble du bâtiment a été entièrement réhabilité, la cage de scène complètement reconstruite, le système de son refait, la fosse d’orchestre redécouverte et agrandie, la salle redorée, les baignoires et loges ressuscitées, l’électricité et l’éclairage entièrement changés, les fauteuils du parterre restaurés et le reste du mobilier reconstruit à l’identique.

Aujourd’hui, avant chaque représentation, l’on voit des spectateurs qui s’extasient devant le lustre ou les décors de la salle, d’autres qui prennent des photos.
Rassurez-vous, même en y travaillant tous les jours, on ne peut s’empêcher de se dire à chaque fois que l’on traverse la scène: “c’est beau, quand même…”.

Si mes recherches s'avèrent fructueuses, je vous livrerai bientôt quelques photos de l'Athénée avant et pendant travaux!

À demain.

PS : Pour davantage d’informations, vous pouvez consulter le livre Si l’on voulait écrire l’histoire du théâtre. Athénée Théâtre Louis-Jouvet 1982-2007 paru chez Biro Éditeur en 2007 et en vente auprès de l’Athénée.

Des photos inédites de Louis Jouvet • D'hier à aujourd'hui

Petit rappel introductif à ceux qui prennent l’affaire en cours de route et aux autres qui auront peut-être besoin qu’on leur rafraîchisse la mémoire: Louis Jouvet fut machiniste, costumier, accessoiriste, peintre, éclairagiste, comédien et metteur en scène, mais également directeur de l’Athénée de 1943 à 1951 (il est d’ailleurs décédé dans les murs du Théâtre).

De 1941 à 1945, ne pouvant exercer son métier comme il l’entendait du fait de l’occupation allemande, Louis Jouvet entreprit une tournée théâtrale en Amérique latine avec toute sa troupe.

C’est en 1942 qu’il croise la route de Denise Mireille Delavigne, épouse d’un diplomate en poste à Rio de Janeiro qui décidera de quitter maison et mari pour accompagner la tournée de la compagnie Louis Jouvet.

Denise Mireille Delavigne est décédée il y a peu: de son aventure théâtrale en Amérique latine, elle a tiré un récit et conservé quelques photos.
Le tout est parvenu à l’Athénée l’année dernière grâce au personnel de la maison de retraite où elle a fini sa vie.

Ici, je vous racontais la découverte de ce manuscrit ; là, je vous livrais une lettre inédite de Louis Jouvet. Aujourd’hui, voici trois photos découvertes dans le précieux classeur:

Louis Jouvet en compagnie de Denise Mireille Delavigne.

Louis Jouvet.

Il est inscrit au dos de la photo de la main de Denise Mireille Delavigne : “Jouvet durant le voyage. Medellín, 1943”
(NB: Medellín est une ville située au sud de la Colombie)

Une photo que Louis Jouvet a dédicacée à Denise Mireille Delavigne.

La dédicace est la suivante:
“25 oct. 42
En souvenir de la compagne d’Amérique du Sud
À Denise dite Mireille
Avec affection
Louis Jouvet”

À venir, une petite histoire (en plusieurs partie) de cette tournée en Amérique latine selon le récit qu’en a fait Denise Mireille Delavigne.

Une autre femme se pose la question de quitter maison et mari: c'est la Nora d'Une Maison de Poupées d'Ibsen, qui sera présentée à l'Athénée dès le 6 mai dans la mise en scène de Nils Öhlund.


Bon mardi!

Vous mettrez bien un "s" à "poupées"? • Pleins feux

À l’Athénée, Dans la colonie pénitentiaire s’est terminé ce week-end: les musiciens du quintette à cordes de l’Opéra national de Lyon et leur chef Philippe Forget ont pu laisser leurs robes de justice traîner un peu plus longtemps que d’habitude sur les sièges avant la reprise de l’opéra à la Comédie de Valence le 4 juin prochain.

Il faudra attendre plus de deux semaines avant de revoir un spectacle à l’Athénée: rendez-vous le 6 mai pour Une Maison de poupées d’Henrik Ibsen mis en scène par Nils Öhlund.

Vous avez peut-être déjà beaucoup entendu parler d’Une Maison de poupées (souvent sans S à “poupée”, mais à l’Athénée cela sera au pluriel): par un curieux hasard, la pièce aura en effet été l’objet de quatre mises en scène cette saison à Paris.

Nous aurons tout le temps de parler de la singularité de celle de l’Athénée, tout en sachant que vous avez peut-être déjà aussi beaucoup entendu parler de Nils Öhlund, son metteur en scène: la saison dernière à l'Athénée, il interprétait le rôle de Hugo dans Les Mains sales de Sartre et celui de Skouratov dans Les Justes de Camus, tous deux mis en scène par Guy-Pierre Couleau.
Vous pouvez le revoir en photo sur le blog ici ou relire son interview là (l'intégralité des billets publiés sur le blog concernant Les Mains sales est ici, et pour Les Justes cela sera par là).


Bon lundi sous le soleil et bon courage aux bloqués de l’avion et aux paralysés du train (je fais moi-même partie de l’une des deux catégories, vous permettez que je m’auto-console, sans mauvais jeu de mot sur “auto”?) À demain.

Le mystère reste entier • Pleins feux

Dans la colonie pénitentiaire se termine demain soir: si nous avons beaucoup parlé du sujet abordé par l’opéra de Philip Glass, la scénographie d’Anouk Dell’Aiera et la mise en scène de Richard Brunel laissent encore beaucoup de mystère…

Pour voir cela, il faudra être au moins installé en corbeille.

Le tableau d'une exécution n'est pas forcément exempt de coquetterie...

Tiens, il se reflète encore quelque part, lui...
(le premier épisode est ici)

Dans la colonie pénitentiaire, opéra de Philip Glass d’après Kafka mis en scène par Richard Brunel et dirigé par Philippe Forget, avec le quintette à cordes de l’opéra national de Lyon, Stephen Owen, Michael Smallwood, Nicolas Henault, Mathieu Lebot-Morin et Gérald Robert-Tissot, se joue encore à l’Athénée ce soir et demain.

Bon week-end et à lundi!


PS : et pour continuer sur le même sujet, sachez qu’un opéra portant sur le sort d’un condamné à mort est en préparation à l’Opéra national de Lyon: Robert Badinter signera le livret et Thierry Escaich (que vous avez pu entendre à l'Athénée avec la pianiste Claire-Marie Le Guay) la musique. Rendez-vous en 2013 et, en attendant, ici pour plus d’informations.
Je publierai les résultats du sondage sur le blog lundi.

Dans les grandes lignes • Pleins feux

Dans la colonie pénitentiaire, l’étrange visiteur venu assister à une exécution n’est pas loin de franchir la ligne: si celle de démarcation entre le bien et le mal n’est en effet pas toujours aussi facile à définir, il suffit de lire entre les lignes pour comprendre que c’est la passivité devant l’inimaginable qui entre en ligne de compte -même si le compositeur Philip Glass, en faisant de cette nouvelle de Kafka un opéra, met la question de la peine de mort en première ligne.

Les lignes de force s’imposent-elles nécessairement à l’individu? Certains sont parfois prêts à tout pour franchir les premiers la ligne d’arrivée, d’autres préféreront suivre une ligne en gardant toujours leurs principes en ligne de mire. On sait qui aura raison sur toute la ligne: mais dans les faits, il y aura souvent de la friture (friture d’ailleurs à éviter si vous voulez absolument la retrouver, la ligne, mais je m’égare).


Pour voir la pureté des lignes de Dans la Colonie pénitentiaire, opéra de Glass d’après Kafka, dans la mise en scène de Richard Brunel et la direction musicale de Philippe Forget, c’est à l’Athénée jusqu’à samedi!

Bon jeudi.

Il y est, il y reste • Pleins feux

Après les représentations de Dans la Colonie pénitentiaire, il reste sur scène des flaques d’un drôle de liquide…

Le drôle de liquide peut aussi donner lieu, une fois la mise au point de mon appareil photo un peu modifiée, à de drôles de reflets….

Eh oui, le lustre de l’Athénée n’est pas du genre à se laisser oublier.

Dans la Colonie pénitentiaire, opéra de Philip Glass d’après Franz Kafka, se joue à l’Athénée dans la mise en scène de Richard Brunel et la direction musicale de Philippe Forget jusqu’à samedi!

Bon mercredi.

Êtes-vous favorables à la peine de mort? • Perspective

En septembre 2006, un sondage publié par TNS-Sofres montrait que quatre Français sur dix étaient favorables au rétablissement de la peine de mort.

En interdisant la peine de mort en 1981, la France était très en retard par rapport au reste de l’Europe, le grand duché de Toscane ayant légalement aboli la peine de mort dès 1786, suivi par le Portugal en 1867, la Hollande en 1870 ou la Norvège en 1905.
(Quelques autres dates --> Suède: 1921. Danemark: 1930. Suisse: 1942. Italie: 1944. Finlande et Allemagne de l'Ouest: 1949. Autriche: 1950. Grande-Bretagne: 1965. Espagne: 1978.

La Chine, l’Iran, Singapour, l’Indonésie, le Japon ou les États-Unis pratiquent encore la peine de mort, même si une quinzaine d’États des États-Unis l’ont abolie (la Cour Suprême américaine avait d’ailleurs bloqué l’application de la peine de mort de 1972 à 1976, considérant qu’elle contredisait le huitième amendement de la Constitution).

La peine de mort pose trois questions essentielles: la société et l’État peuvent-ils juger du destin d’une personne humaine et avoir droit de vie ou de mort sur leurs citoyens?
La peine de mort a-t-elle valeur dissuasive et exemplaire, diminue-t-elle la criminalité?
Si l’on supprime la peine de mort, par quoi la remplacer et peut-on réintégrer des criminels dans la société?


Dans la colonie pénitentiaire de Franz Kafka (1914) raconte l’histoire d’un observateur en visite sur une île-prison où doit se dérouler une exécution cruelle: ce n’est pourtant pas vraiment la question de la peine de mort et de la torture qui interpelle à la lecture, mais plutôt la passivité du visiteur venu assister à l’exécution.

Lorsque le compositeur Philip Glass utilise la nouvelle de Kafka pour en faire un opéra créé en 2000 à Seattle, c’est davantage la peine capitale qui est mise en question dans un pays qui la pratique toujours.

Dans la colonie pénitentiaire, opéra de Glass d’après Kafka mis en scène par Richard Brunel et dirigé par Philippe Forget, se joue jusqu’à samedi à l’Athénée: faites-vous partie des 42% des Français favorables à la peine de mort, des 52% qui s’y opposent ou des 6% sans opinion? N’hésitez pas à répondre au sondage sur le blog.

Bon mardi.

Cui cui • Coup de théâtre

(c) Andrew Gray

Oui, c'est un oiseau.

Mais il ne s'agit pas de n'importe quel oiseau.
Il porte un nom précis, qui a un rapport avec Dans la colonie pénitentiaire, l'opéra de Philip Glass adapté d'une nouvelle de Franz Kafka actuellement à l'Athénée.

Ceux qui connaissent l'anecdote et/ou qui parlent couramment une  certaine langue étrangère européenne (que je ne cite pas sinon c'est trop facile) et/ou qui se passionnent pour l'ornythologie trouveront tout de suite.
Pour les autres, un indice: il faut traduire le nom de cet oiseau dans une autre langue en rapport avec l'un des deux auteurs de Dans la colonie pénitentiaire.

Pour donner vos réponses, n'hésitez pas à laisser un commentaire à ce billet.

L'équipe de Dans la colonie pénitentiaire se repose ce soir et reprendra les représentations à l'Athénée dès demain soir jusqu'à samedi!

Bon lundi.

Minimaliste • Perspective

Philip Glass, compositeur de l’opéra Dans la colonie pénitentiaire actuellement à l’Athénée, est rattaché au mouvement minimaliste.

Les quatre pionniers du minimalisme musical, Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley et La Monte Young, naissent tous aux États-Unis entre 1935 et 1937: et c’est l’année 1964, qui voit la création de The Well-Tuned Piano de Young et In C de Riley, que l’on retient comme la date de naissance du minimalisme en musique.


Le minimalisme est un domaine vaste regroupant de nombreux esthétiques et courants, en particulier celui dit de la musique “répétitive” auquel on a associé Philip Glass.

“Musique répétitive”, je ne sais pas si c’est parlant ni si cela donne très envie dans la mesure où “répétitif”, en français, est un adjectif plutôt négatif. Il ne s’agit donc pas, lorsqu’on écoute des œuvres de Philip Glass, d’entendre encore et toujours la même rengaine. La “musique à structures répétitives” consiste en effet plutôt à:
- limiter les instruments et voix au minimum,
- faire entendre des harmonies simples appartenant au système tonal (pour comprendre son opposé, le système atonal, je vous conseille un petit tour vers les compositions de Schoenberg ou Berg, ici par exemple)
- utiliser le principe de la variation où l’on répète un thème musical en le modifiant légèrement
- donner un rythme obstiné ressemblant à une pulsation
- favoriser un temps statique où la musique semble suivre une trajectoire circulaire et non linéaire.

Extrêmement difficiles à exécuter pour les musiciens et chanteurs, les œuvres de musique répétitive sont en revanche très accessibles pour le public: Philip Glass a d’ailleurs rapidement été très populaire dans le monde entier, en particulier par ses nombreuses musiques de films comme celles de The Hours de Stephen Daldry, Kundun de Martin Scorsese, The Truman Show de Peter Weir ou Le Rêve de Cassandre de Woody Allen.

Il a également composé de la musique destinée aux salles de concerts et d’opéra, comme l’opéra Einstein on the Beach monté par Robert Wilson, le tryptique d’opéra autour de Cocteau (Orphée, La Belle et la Bête et Les Enfants terribles vu l’année dernière à l’Athénée dans une mise en scène de Paul Desveaux) mais aussi de nombreuses œuvres pour piano, orchestres ou ensembles avec voix dont les plus connues sont Music in Twelve Parts, Glassworks et son Concerto pour violon et orchestre.
Si les compositions de Philip Glass sont immanquablement marquées par son style très particulier et inimitable, il s’est progressivement détaché du mouvement minimaliste.

Pour en savoir davantage sur ses œuvres, vous pouvez venir à l’Athénée jusqu’au 17 avril pour découvrir son opéra Dans la colonie pénitentiaire inspiré d’une nouvelle de Franz Kafka, mais aussi assister ce soir à une rencontre autour de son œuvre: vous pourrez y discuter avec Philippe Forget, directeur musical de Dans la colonie pénitentiaire, Mathieu Lebot-Morin, comédien et danseur dans le spectacle et Jacques Amblard, musicologue. Rendez-vous ce soir à 19h à la Médiathèque musicale de Paris (forum des Halles, 8 porte Saint-Eustache, 75001 Paris, métro Châtelet Les Halles).

Bon week-end.

J'ai mal au coeur • Coulisses

J'ai comme l'impression que, depuis que l'équipe de Dans la Colonie pénitentiaire est arrivée à l'Athénée, la scène n'est pas pareille qu'avant...

Si vous n'arrivez pas à lire la vidéo, cliquez là pour aller sur YouTube.

Dans la Colonie pénitentiaire, opéra de Philip Glass d'après Franz Kafka, a commencé hier et se joue jusqu'au 17 avril à l'Athénée!
Ce soir, dans le cadre des "D'abord" de l'Athénée, Jacques Amblard, musicologue, viendra vous présenter l'œuvre: rendez-vous à 19h au foyer-bar.

Bon mercredi!

Rampe, rampez, rampons • Coulisses

Dans la Colonie pénitentiaire commence ce soir: hier en début de soirée, Sylvain et Nicolas changeaient les ampoules d'une rampe de projecteurs placée sous un praticable et contrôlaient son orientation.

À ce soir pour la première de Dans la Colonie pénitentiaire! Avant la représentation de demain, Jacques Amblard, musicologue, viendra présenter l'œuvre: rendez-vous à 19h au foyer-bar de l'Athénée!

Pâques, de toutes façons, c'est surfait. • Coulisses

L’équipe de Dans la Colonie pénitentiaire est arrivée ce dimanche pour monter les lumières et le décor (une pensée pour les techniciens qui n’ont pas pu chercher des œufs au chocolat dans leurs plantes vertes) et a répété toute la journée d’hier à l'Athénée (une petite pensée pour les artistes, administratifs et techniciens qui n’ont pas pu profiter du beau temps).

Les cartons des costumes et le matériel pour les lumières
envahissait encore les couloirs du théâtre hier.

Sylvain et David, régisseurs, procèdent aux réglages.

Richard, metteur en scène, et Vanessa, administratrice de la compagnie Anonyme, à leur table de travail dans la salle.

L’équipe de Dans la Colonie pénitentiaire répétera encore aujourd’hui avant la première demain!
Pour rappel, il s'agit d'un opéra de Philip Glass d'après une nouvelle de Kafka mis en scène par Richard Brunel et dirigé par Philippe Forget.

Bon mardi!

L'humour noir • Pleins feux

Auteur de La Métamorphose, du Verdict ou du Procès, Kafka se refusa à publier bon nombre de ses manuscrits: beaucoup d’œuvres que nous connaissons de lui aujourd’hui ont en fait été éditées après sa mort, parfois encore à l’état d’ébauche et contre sa volonté.

Dans la Colonie pénitentiaire a été publié de son vivant en 1919 -il avait alors trente-six ans. Extrêmement déroutante, la nouvelle raconte l’histoire d’un visiteur venu observer le système judiciaire d’une prison située sur une île. Du visiteur, on ne sera que peu de choses, sinon que la sympathie que l’on avait au départ pour lui se meut peu à peu en perplexité devant sa passivité face à une infâme machine de torture.

En adaptant cette nouvelle sèche et dépouillée en opéra, Philip Glass, que vous avez déjà croisé à l’Athénée la saison dernière pour son opéra Les Enfants terribles inspiré de Cocteau, insistait sur le côté politique du texte: Kafka a longtemps été mis en avant pour sa portée idéologique, peut-être au détriment de ses qualités littéraires incroyables qui le propulsent à l’avant-garde du 20e siècle.

Son style insaisissable, sa variété de ton, les petites touches de fantastique, la sécheresse de son écriture, son cynisme, son humour et son sens de la dramaturgie sont ainsi très nettement présents dans Dans la Colonie pénitentiaire où l’on croise encore une fois la figure de l’écrivain.
Toujours présente dans les textes de Kafka, mais souvent détournée ou déplacée, l’écriture est ici une sentence qui provoque littéralement la mort -on ne vous en dira pas plus: le pouvoir meurtrier de la littérature sera à découvrir dans l’opéra.
Les figures d’écrivains (ou ce qui s’en approche) que Kafka place dans ses œuvres sont ainsi des “figures de messies douteux, à mi-chemin entre le raté, l'escroc et le parvenu, qui non seulement ne sauvent personne, mais se perdent invariablement eux-mêmes malgré leur foi inébranlable et l'excès de leur sérieux” (Marthe Robert).

Existe-t-il un système judiciaire juste? La neutralité est-elle synonyme de complicité? La lâcheté se fait-elle réellement par omission? L’humour est-il acceptable dans l’horreur? Le politique a-t-il sa place sur une scène d’opéra?
Pour explorer toutes ces questions, Dans la Colonie pénitentiaire, opéra de Philip Glass d’après Kafka mis en scène par Richard Brunel et dirigé par Philippe Forget sera à l’Athénée à partir de mercredi et jusqu’au 17 avril.

Bon lundi de Pâques!

Merci à Marthe Robert et Bernard Lortholary
pour leurs articles sur Kafka.

Qu’il est mauvais! • Perspective

“De renommée internationale”: c’est l’argument imparable lorsqu’on veut prouver qu’un musicien classique est bon.
S’il est possible en effet d’être très bon sans se produire pour autant aux quatre coins de la terre, un interprète donnant des concerts au Metropolitan de New York, à Covent Garden à Londres et à Pleyel à Paris est forcément bon.

Acceptons l’argument qu’en musique classique on ne fait pas illusion bien longtemps, et que pour parvenir à se produire dans les plus grandes salles occidentales il faut avoir franchi de nombreux examens de passage où l’on démontre son talent (jury de concours d’entrée au conservatoire, maisons de disques, programmateurs, critiques, public): mais justement, ce talent maintes fois prouvé, en quoi consiste-t-il exactement?

C’est la question que s’est posée Daniel Levitin dans l’un des chapitres de son livre De la note au cerveau paru cette année aux éditions Héloïse d’Ormesson: qu’est-ce qu’un bon musicien?
Neuroscientifique canadien né en 1957, Daniel Levitin mêle donc la musique et la science pour tenter de comprendre notre rapport à la musique en proposant d’expliquer scientifiquement ce qu’est l’oreille absolue, comment nous classifions la musique ou pourquoi nous aimons tel ou tel type de musique.

La pianiste française “de renommée internationale” (comme on dit) Claire-Marie Le Guay est en résidence à l’Athénée depuis deux saisons, et il paraît clair que son talent ne fait plus aucun doute: mais qu’est-ce que le talent? Les musiciens exceptionnellement doués possèdent-ils une différence de nature (ils ont quelque chose que les autres n’ont pas) ou de degré (ils ont des capacités plus développées)?

Si l’on part du postulat que le talent peut s’analyser scientifiquement, voici quelques éléments de définition proposés par Daniel Levitin:

1) Le talent a une part génétique: de grandes mains peuvent faciliter l’apprentissage du piano comme une voix au grain original peut aider un chanteur à se démarquer. Notre physique prédispose donc à certaines pratiques mais, plus généralement, notre patrimoine génétique influence nos activités cognitives globales.

2) Le talent n’est pas inné: il se développe avec le travail. On considère ainsi qu’il faut dix mille heures de travail dans une discipline (soit environ trois heures par jour pendant dix ans) pour parvenir à son niveau d’expertise.
Ceux qui réussissent ont d’ailleurs connu plus d’échecs que les autres : tout dépend de leur capacité à rebondir (avouez que c’est rassurant).

3) Le talent est lié au plaisir: l’intérêt que nous portons à une discipline lui donne une étiquette neurochimique positive et renforce notre motivation, notre attention et notre vitesse de progression.

4) Le talent dépend de l’environnement dans lequel nous évoluons: tout comme un enfant né de mère française et de père polonais parlera le polonais et le français mieux qu’un Allemand tentant d’apprendre ces deux langues, être né dans une famille de musiciens favorise l’apprentissage de la musique.

5) Le talent est renforcé par la mémoire: il est important de connaître et mémoriser rapidement les morceaux que l’on travaille, et les musiciens classifient d’ailleurs la musique dans leur mémoire  selon un schéma très particulier.

6) Le talent réside dans le pouvoir émotionnel transmis: étant donné  que nous attendons de la musique qu’elle nous touche, nous aimons les musiciens qui parviennent à véhiculer l’émotion que la musique porte, qu’ils éprouvent eux-mêmes réellement cette émotion ou non.
Cette faculté de l’interprète à produire une expérience émotionnelle repose sur des aptitudes techniques (difficile d’être ému par un violoniste qui joue faux) mais aussi sur des facultés plus mystérieuses: la façon dont le musicien bouge lors d’un concert, le charisme, le charme, l’investissement, la sensibilité…
C’est à ce stade que la science reste sur le pas de la porte: la capacité d’un interprète à nous émouvoir et nous emmener dans un autre univers est difficilement explicable, tout comme l’on a du mal à définir pourquoi quelque chose nous touche ou pourquoi certaines personnes sont photogéniques et pas d’autres.


Pour vérifier le talent de Marie Gillain à la narration et Claire-Marie Le Guay et ses artistes associés à la musique, rendez-vous demain à 20h à l’Athénée pour le conte musical Timouk.

Et pour en savoir davantage sur les liens entre musique et science, n’hésitez pas à vous procurer le livre de Daniel Levitin, De la note au cerveau, Éditions Héloïse d’Ormesson, Paris, 2010.

Bon week-end de Pâques à tous et à lundi.

Oh, mais quel jour sommes-nous? • Coup de théâtre

“De renommée internationale”: c’est l’argument imparable lorsqu’on veut prouver qu’un musicien classique est bon.
S’il est possible en effet d’être très bon sans se produire pour autant aux quatre coins de la terre, un interprète donnant des concerts au Metropolitan de New York, à Covent Garden à Londres et à Pleyel à Paris est forcément bon.

Acceptons l’argument qu’en musique classique on ne fait pas illusion bien longtemps, et que pour parvenir à se produire dans les plus grandes salles occidentales il faut avoir franchi de nombreux examens de passage où l’on démontre son talent (jury de concours d’entrée au conservatoire, maisons de disques, programmateurs, critiques, public): mais justement, ce talent maintes fois prouvé, en quoi consiste-t-il exactement?

C’est la question que s’est posée Daniel Levitin dans l’un des chapitres de son livre De la note au cerveau paru cette année aux éditions Héloïse d’Ormesson: qu’est-ce qu’un bon musicien?
Neuroscientifique canadien né en 1957, Daniel Levitin mêle donc la musique et la science pour tenter de comprendre notre rapport à la musique en proposant d’expliquer scientifiquement ce qu’est l’oreille absolue, comment nous classifions la musique ou pourquoi nous aimons tel ou tel type de musique.

La pianiste française “de renommée internationale” (comme on dit) Claire-Marie Le Guay est en résidence à l’Athénée depuis deux saisons, et il paraît clair que son talent ne fait plus aucun doute: mais qu’est-ce que le talent? Les musiciens exceptionnellement doués possèdent-ils une différence de nature (ils ont quelque chose que les autres n’ont pas) ou de degré (ils ont des capacités plus développées)?

Si l’on part du postulat que le talent peut s’analyser scientifiquement, voici quelques éléments de définition proposés par Daniel Levitin:

1) Le talent a une part génétique: de grandes mains peuvent faciliter l’apprentissage du piano comme une voix au grain original peut aider un chanteur à se démarquer. Notre physique prédispose donc à certaines pratiques mais, plus généralement, notre patrimoine génétique influence nos activités cognitives globales.

2) Le talent n’est pas inné: il se développe avec le travail. On considère ainsi qu’il faut dix mille heures de travail dans une discipline (soit environ trois heures par jour pendant dix ans) pour parvenir à son niveau d’expertise.
Ceux qui réussissent ont d’ailleurs connu plus d’échecs que les autres : tout dépend de leur capacité à rebondir (avouez que c’est rassurant).

3) Le talent est lié au plaisir: l’intérêt que nous portons à une discipline lui donne une étiquette neurochimique positive et renforce notre motivation, notre attention et notre vitesse de progression.

4) Le talent dépend de l’environnement dans lequel nous évoluons: tout comme un enfant né de mère française et de père polonais parlera le polonais et le français mieux qu’un Allemand tentant d’apprendre ces deux langues, être né dans une famille de musiciens favorise l’apprentissage de la musique.

5) Le talent est renforcé par la mémoire: il est important de connaître et mémoriser rapidement les morceaux que l’on travaille, et les musiciens classifient d’ailleurs la musique dans leur mémoire  selon un schéma très particulier.

6) Le talent réside dans le pouvoir émotionnel transmis: étant donné  que nous attendons de la musique qu’elle nous touche, nous aimons les musiciens qui parviennent à véhiculer l’émotion que la musique porte, qu’ils éprouvent eux-mêmes réellement cette émotion ou non.
Cette faculté de l’interprète à produire une expérience émotionnelle repose sur des aptitudes techniques (difficile d’être ému par un violoniste qui joue faux) mais aussi sur des facultés plus mystérieuses: la façon dont le musicien bouge lors d’un concert, le charisme, le charme, l’investissement, la sensibilité…
C’est à ce stade que la science reste sur le pas de la porte: la capacité d’un interprète à nous émouvoir et nous emmener dans un autre univers est difficilement explicable, tout comme l’on a du mal à définir pourquoi quelque chose nous touche ou pourquoi certaines personnes sont photogéniques et pas d’autres.


Pour vérifier le talent de Marie Gillain à la narration et Claire-Marie Le Guay et ses artistes associés à la musique, rendez-vous demain à 20h à l’Athénée pour le conte musical Timouk.

Et pour en savoir davantage sur les liens entre musique et science, n’hésitez pas à vous procurer le livre de Daniel Levitin, De la note au cerveau, Éditions Héloïse d’Ormesson, Paris, 2010.

Bon week-end de Pâques à tous et à lundi.

Il est interdit de klaxonner en ville • Pleins feux

Klaxon, grand tam-tam, glockenspiel, triangle, wood-block, temple block, cymbale suspendue, guero, cabassa, métaux, marimba: ce sont toutes les percussions que vous pourrez découvrir dans le conte musical Timouk.

Timouk est un jeune prince qui se retrouve coup sur coup privé de sa famille et de la parole: quel rôle la musique peut-elle jouer pour l’aider dans sa quête?

Dans ce conte musical sur un texte de Yun-Sun Limet et une musique de Guillaume Connesson, c’est le silence qui permet la musique, et l’émotion produite par la musique qui permet de retrouver la parole.
Passant du jardin du château à un couloir aux grandes fenêtres qui permettent de passer d’un monde à l’autre, Timouk erre dans la ville avant de tomber sur un meuble bien étrange… Mais l’on ne vous dira pas ce que c’est.

L’on peut en revanche vous indiquer par exemple que le wood-block est un instrument composé d’un morceau de bois creux souvent rectangulaire sur lequel on tape, que le guero se racle ou que le marimba ressemble à un balafon, pour ceux qui connaissent.

Parfois comparé à Bernstein, le jeune français Guillaume Connesson a composé une œuvre vivante multipliant les trouvailles et les influences musicales: Timouk sera interprété ce samedi 3 avril à l’Athénée avec Claire-Marie Le Guay au piano (pianiste en résidence à l’Athénée), Marie Gillain à la narration (que l’on ne présente plus non plus), Sarah Nemtanu au violon (premier violon solo de l’Orchestre National de France et doublure de Mélanie Laurent dans le film Le Concert de Radu Mihaileanu), Florian Lauridon au violoncelle, Nicolas Baldeyrou à la clarinette et Emmanuel Curt aux percussions (nombreuses, les percussions, donc).

Rendez-vous samedi à 20h à l’Athénée! Bon mercredi.

Peut-on échapper à sa famille? • Perspective

De gauche à droite:
Jean-Louis Ezine, Lola Gruber, Nicole Prieur et François de Singly.

Depuis cette saison 2009-2010 et en partenariat avec Philosophie Magazine, l’Athénée organise des café-débats modérés par Lola Gruber, qui écrit également les programmes (ou “bibles”) et brochures à l’Athénée, destinés à éclairer certaines interrogations communes à plusieurs spectacles du Théâtre.

Après “Besoin d’ordre, envie de désordre” en novembre 2009 et “Moi aussi, je veux être une victime!” en janvier dernier, le café-débat “Peut-on échapper à sa famille?” a eu lieu samedi à l’Athénée.
Les invités en étaient Jean-Louis Ezine, écrivain et journaliste, Nicole Prieur, psychanalyste et François de Singly, sociologue.


Dans ce débat d’une heure et demie qui s’est terminé sur la prise de parole de certains spectateurs présents, il fut par exemple question:

- Du texte d’Une Maison de Poupées qui sera joué en mai à l’Athénée dans une mise en scène de Nils Öhlund et interrogé ici essentiellement par Nicole Prieur et François de Singly (quels sont les ressorts de la domination dans un couple? La domination masculine est-elle une période révolue? Est-il vrai que “lorsqu’on aime, on ne compte pas?” Les petits mots d’amour sont-ils neutres? La non-reconnaissance d’un geste de don mène-t-elle à la violence? La transgression des normes sociales est-elle synonyme de trahison?)

- De la définition de la famille (Jean-Louis Ezine parle de “taiseux”, traduisant par là l’obstination familiale dans le silence, mais aussi d’”engendrerie” pour parler de la famille, tout en pointant la coloration négative des mots “bâtards” ou “enfant illégitime”, pendant que Nicole Prieur fit remarquer que plus elle travaillait avec des familles, moins elle savait définir la famille)

- Des Amours tragiques de Pyrame et Thisbé de Théophile de Viau, proposé en mai-juin à l’Athénée monté par Benjamin Lazar et qui raconte l’histoire de jeunes gens empêchés de s’aimer par leurs parents (quelle est la nature des reproches faits aux parents? Pourquoi la littérature met-elle quasiment toujours en scène des enfants dénonçant leurs parents mais jamais des parents reniant leurs enfants? Doit-on abolir l’accouchement sous X ?)

- Et évidement, de la possibilité ou non d’échapper à sa famille (quelle est la différence entre s’en échapper et s’en libérer? Comment se représenter ses origines? Peut-on réécrire l’histoire familiale?)

Pour répondre (ou non) à ces questions et en poser d’autres, vous pourrez regarder la vidéo intégrale du débat qui sera disponible très prochainement sur le site de l’Athénée et de Philosophie Magazine (je vous préviendrai).



Samedi soir, cela ne sera pas l’heure d’échapper à votre famille: si le conte musical Timouk interprété entre autres par Claire-Marie Le Guay (piano) et Marie Gillain (récitante) intéressera les grands, il est également accessible aux enfants. C’est samedi à 20h à l’Athénée!

Hier, la manifestation destinée à défendre les arts et la culture à laquelle participait une partie du personnel de l'Athénée a réuni entre 2500 et 3000 personnes. Plus d'informations sur les dépêches AFP du spectacle vivant publiées par le site des professionnels du spectacle: cliquez ici.

Bon mardi sous la pluie.

Si on jouait à cache-cache? • Coulisses

Alors que Vénus s'est terminé samedi soir et grâce aux multiples recoins de l'Athénée, voici quelques photos de ce que vous n'auriez pas pu voir:

Vénus vu des coulisses.
De gauche à droite: Laurent Fernandez, Cédric Appietto, Mickaël Gaspar, Céline Fuhrer (cachée) et Xavier Legrand.

La robe de juge vue à travers deux lattes du gril.

Le plateau de Vénus vu d'en haut

Les coulisses de Vénus vus d'en bas: des accessoires sous la scène.

Aujourd'hui, une partie du personnel de l'Athénée a décidé d'aller manifester dans le cadre d'une journée d'action nationale destinée à défendre les arts et la culture. À Paris,  la manifestation partira à 14h30 du Palais Royal. Des rassemblements sont également prévus à Nantes, Lyon, Bordeaux et Marseille.

Le prochain spectacle à l'Athénée sera Timouk, un conte musical interprété entre autres par Claire-Marie le Guay au piano et Marie Gillain à la narration. Rendez-vous ce samedi à  20h!

Bonne semaine.

J’admire. • La corde verte du lapin qui siffle

En période de spectacle, les techniciens arrivent avant les comédiens et repartent souvent plus tard.

Il y a en effet de nombreuses choses à faire avant et après chaque représentation: avant, il faut préparer le plateau, tester le son, vérifier le fonctionnement des projecteurs et mettre en place le décor et les accessoires; après, il faut ranger, sécuriser la scène et tout éteindre.

Dans cette vidéo de six minutes, vous aurez un aperçu du travail  quotidien (et du sens de l’humour) de Marie-Noëlle, Jean-Noël, Richard, Jérôme ou Julien avant chaque représentation de Vénus.

Si vous n’arrivez pas à lire la vidéo, cliquez là pour aller sur YouTube.

Pour voir Vénus, il vous reste ce soir et demain. Demain aura également lieu un café-débat sur le thème “peut-on échapper à sa famille?”: rendez-vous à l’Athénée de 17h à 18h30!

Bon week-end.

N'oubliez pas, c'est une histoire d'amour... • Entretien

Gina Djemba est comédienne: c’est elle que vous avez beaucoup vue en photo sur le blog ces derniers temps et qui tient le rôle-titre de Vénus actuellement à l’Athénée.

Conversation à 16h dans le foyer des comédiens de l’Athénée, avant que Gina se prépare pour la représentation.

«_ Tu dînes déjà?
_ Oui, je ne peux pas manger juste avant une représentation, sinon je me sens trop lourde. J’ai besoin d’être vide pour prendre…

_ Jouer, c’est prendre?
_ C’est à la fois prendre et donner, que cela soit avec ses partenaires ou avec le public. Les relations avec les spectateurs ou les autres comédiens sont différentes chaque soir, et je suis particulièrement attentive aux réactions du public: un regard, un rire, cela n’a l’air de rien, mais c’est déjà énorme. C’est une forme de don.

_ Les réactions des spectateurs sont-elles différentes d’un soir à l’autre sur Vénus? Y a-t-il des choses qui t’étonnent?
_ Non, les réactions sont assez égales sur Vénus. Mais il m’est déjà arrivé sur d’autres pièces de sentir des salles glaciales… J’ai le sentiment que le public de Vénus est extrêmement impliqué. Il y a tout de même une chose qui m’a étonnée au début, c’est l’absence de rires sur les scènes de la pièce intérieure, Pour l’amour de la Vénus [passages d’un vaudeville écrit au 19e siècle sur la vénus hottentote et réintégrés dans la pièce par Suzan-Lori Parks. Extrait vidéo publié sur le blog le 17 mars]; ces scènes grotesques nous faisaient beaucoup rire en répétitions, et je me suis rendue compte lors des représentations que cela ne prêtait en fait pas nécessairement à rire: finalement, ne serait-ce pas être complice du drame vécu par la vénus hottentote que de s’esclaffer devant cela?
De même, il m’arrive d’entendre des rires nerveux lors de certaines scènes très dures: parce que parfois, devant la violence, on ne peut avoir aucune autre réaction que celle-ci… C’est par ce genre de signaux que je sens que le public de Vénus est impliqué dans ce qu’il voit -le texte étant assez complexe, l’écoute est de toutes façons nécessaire...
J’aime beaucoup la scène où je descend en salle pour raconter l’histoire du chocolat et en offrir quelques-uns aux spectateurs: je perçois à ce moment-là une écoute extrême de la part du public et me sens entièrement connectée à lui. Cette écoute attentive m’aide d’ailleurs beaucoup, car il s’agit d’un passage où je dois sortir du personnage de Vénus pour raconter l’histoire du chocolat: je m’appuie beaucoup sur les spectateurs pour me dégager de toute l’agitation de mon personnage.

_ C’est un rôle qui me semble difficile à endosser, parce qu’il porte la pièce, qu’il demande une certaine nudité et qu’il ne ressemble à aucun personnage “classique”. Tu n’as pas eu peur en découvrant la pièce?
_ Je ne connaissais pas l’histoire de Saartje Baartman, la véritable vénus hottentote, avant de lire la pièce. Je me suis sentie mise en confiance dès l’audition: d’habitude, un casting, c’est très expéditif. Là, Cristèle Alves Meira, la metteure en scène, a pris le temps de m’expliquer sa démarche, de me faire faire des improvisations… Elle m’a fait jouer différents stades de la vie de Vénus, a abordé mon rapport à la nudité, m’a fait travailler sur l’obscénité, le monstrueux… Elle a une véritable vision: avec elle, tout a un sens, et la nudité, lorsqu’elle apparaît, est nécessaire.

_ Quelles sont les difficultés propres au rôle de Vénus?
_ Tout d’abord, il faut lui donner une forme de naïveté, ou de simplicité: elle a des difficultés à parler et évolue par étapes. Il y a donc quelque chose de primitif, ou d’élémentaire, d’animal, chez elle, qu’il fallait jouer sans pour autant la rendre bête.
C’est d’ailleurs la deuxième difficulté: ne surtout pas en faire une femme stupide, car elle est loin de l’être. S’il existe une ambiguïté d’une femme qui se laisse exploiter, on sent tout de même qu’elle possède un fort caractère: elle a décidé de partir, quand même… Ce paradoxe entre la détermination et la soumission d’une femme contrainte et forcée qui se retrouve face à ce qu’elle n’aurait jamais imaginé est très intéressant à jouer.
Ce qui m’a beaucoup motivée, c’est sans doute le fait que Vénus soit tiré de l’histoire d’une femme qui a réellement existé: je me sens au service de Saartje Baartman, et c’est sans doute pour cela que j’ose beaucoup de choses sur scène. Je me suis aussi beaucoup documentée sur sa véritable histoire.

_ Dans l’interview qu’elle m’a accordée, Cristèle Alves Meira, la metteure en scène, me parlait de la prothèse des fesses en disant qu’il était indispensable que tu en sentes bien le poids. Es-tu d’accord avec cela?
_ Entièrement. D’ailleurs, la prothèse des fesses a mis beaucoup de temps à se construire, et j’ai eu l’impression de devenir Vénus au fur et à mesure qu’elle prenait forme… Ces fesses sont comme un masque : elles me donnent l’impression d’être habillée et sans elles, je n’aurais pas pu être Vénus.

_ Les différentes perruques que tu portes agissent-elles aussi comme une forme de masque?
_ Les coiffures apportent un port de tête, et elles montrent également l’évolution du personnage. La perruque à la Brigitte Bardot est le signe extérieur d’appartenance à une certaine bourgeoisie. À ce sujet, la scène où elle se maquille a été très difficile [extrait vidéo de la scène en répétition sur le blog le 8 mars], car je ne voulais pas singer les bourgeoises de cette époque: mais c’est une scène où c’est l’imaginaire de Vénus qui parle, c’est son échappatoire, sa respiration… Cela permettait de faire exister sa fantaisie et ses espoirs autant que sa désillusion. Dans cette scène, on voit en fait qu’elle a quitté sa prison pour une cage dorée où elle se conduit comme une enfant qui joue à la grande dame… La poudre que je mets fait aussi office de masque en transformant Vénus en une sorte de clown triste. Pour moi, c’est la scène la plus difficile à vivre, bien plus que celles où je me fais battre, car elle intervient après le premier avortement, après qu’elle se soit fait couper les cheveux… Ce moment où elle se fait couper les cheveux correspond à une perte d’identité, à une négation de sa féminité, à une déchéance: elle est entièrement devenue un objet d’études au point de se faire couper les cheveux pour qu’ils soient analysés. C’est le dernier stade, on ne peut plus aller plus loin…

_ Lorsqu’elle a rencontré Cristèle Alves Meira, Suzan-Lori Parks, l’auteure du texte, lui a dit: “n’oubliez pas que c’est une histoire d’amour”. Vénus, c’est une histoire d’amour, pour toi?
_ Oui, mais c’est l’histoire d’amour la pire qui soit! Vénus et le Baron-Docteur sont deux individus tous les deux perdus dans leur solitude qui se retrouvent parce que chacun espère devenir quelqu’un grâce à l’autre. C’est donc davantage une histoire sur l’idée d’amour qu’une histoire d’amour proprement dit…

_ Le lieu même de cette histoire d’amour, le lit, est d’ailleurs à l’image de ce que tu viens d’expliquer: de loin, il a l’air confortable, et puis quand on se met dedans, quelle horreur...
_ Oui, c’est un lit formé d’un matelas gonflable, de poufs avec des billes en polystyrène et d’oreillers en plume. C’est un lit où tu sombres comme dans un gouffre… Le lit devrait évoquer quelque chose de paisible, mais c’est en fait l’endroit où se déroulent les choses les pires: rien de ce que l’on fait d’habitude dans un lit ne s’y passe! Ils n’y font pas l’amour, et lorsqu’ils dorment, ils font des cauchemars… À la fin, le lit devient d’ailleurs le tombeau de Vénus…

_ Je crois que tu tournes également une série télévisée pendant la journée, ce n’est pas fatiguant de tout cumuler?
_ Si, mais le théâtre est à la base de tout. J’aime beaucoup tourner pour le cinéma et la télévision car c’est un autre exercice tout à fait intéressant et complémentaire. Mais au cinéma, c’est aussi le montage qui détermine ce que sera un film. Au théâtre, tu agis en fonction du public, de tes partenaires et des imprévus. Il y a une véritable marge personnelle. Je suis d’ailleurs assez désespérée de voir que pour beaucoup de gens, le travail du comédien consiste juste à apprendre un texte...»


Pour voir Gina Djemba et ses partenaires dans Vénus, vous avez jusqu’à samedi!

Samedi aura également lieu le troisième café-débat de la saison sur le thème "peut-on échapper à sa famille?". Pour écouter débattre Jean-Louis Ezine, Nicole Prieur et François de Singly, rdv à 17h à l'Athénée! L'entrée est libre.

Bon jeudi.

Déconseillé aux moins de 18 ans • Pleins feux

Je ne mets quasiment jamais de photos de spectacle proprement dites sur le blog: en journée je traîne plutôt du côté des coulisses, et en soirée je ne tiens pas à déranger les spectateurs avec les claquements de mon appareil photo pendant les représentations.

Mais pour Vénus, il se trouve que j’étais présente à l’Athénée le jour de la séance photo, c’est-à-dire au moment où avait lieu une représentation uniquement destinée à des photographes professionnels alignés dans la salle avec pieds d’appareil photo et téléobjectifs.

Voici donc les quelques “photos officielles” (mais sans pied ni téléobjectif) que j’ai prises de Vénus mis en scène par Cristèle Alves Meira. La faible luminosité de certaines correspondent à l’atmosphère visuelle de Laïs Foulc, créatrice des lumières du spectacle.

Gina Djemba

Julien Béramis et Gina Djemba

Céline Fuhrer, Mickaël Gaspar et Xavier Legrand

Gina Djemba

Cédric Appietto, Gina Djemba,
Xavier Legrand, Céline Fuhrer et Mickaël Gaspar

Gina Djemba

Gina Djemba

Gina Djemba

Mickaël Gaspar

Laurent Fernandez et Cédric Appietto

Gina Djemba

Mickaël Gaspar, Céline Fuhrer et Xavier Legrand

Xavier Legrand, Mickaël Gaspar, Céline Fuhrer et Gina Djemba

Laurent Fernandez et Gina Djemba

Gina Djemba

Gina Djemba

Gina Djemba

Cédric Appietto

Gina Djemba

Julien Béramis et Gina Djemba

Céline Fuhrer, Mickaël Gaspar, Xavier Legrand, Julien Béramis, Laurent Fernandez et Cédric Appietto

Mickaël Gaspar, Céline Fuhrer, Julien Béramis, Laurent Fernandez, Xavier Legrand et Cédric Appietto

Les heureux (ou pas) inscrits à Facebook pourront aller voir d'autres photos mises en ligne sur le profil de l'Athénée Théâtre Louis-Jouvet (vous pouvez en profitez pour devenir fan de la page du blog, j'ai besoin d'amis).

Ce soir à 19h, Cristèle Alves Meira, metteure en scène de Vénus, répondra à vos questions sur le tchat de l’Athénée: connectez-vous entre 19h et 20h sur le site de l’Athénée et posez vos questions pour une conversation écrite en direct!

Vénus continue jusqu'à samedi.

La femme sans tête • Perspective

La langoureuse Asie et la brûlante Afrique,
Tout un monde lointain, absent, presque défunt,
Vit dans tes profondeurs, forêt aromatique !
La Chevelure in Les Fleurs du Mal (Charles Baudelaire)

De Jeanne Duval, on ne sait presque rien. Maîtresse de Charles Baudelaire durant une vingtaine d’années, son nom pouvait être aussi bien Jeanne Lemer ou Jeanne Prosper, comme elle a pu naître à Saint-Domingue, à Haïti ou en Afrique du Sud, en 1827, en 1823 ou en 1819.

Elle a inspiré nombre des écrits de Baudelaire, à commencer par quelques poèmes du chapitre “Spleen et Idéal” dans Les Fleurs du Mal que l’on a regroupés, bien que l’expression ne soit jamais apparue chez Baudelaire (mais plutôt dans une lettre de sa mère), sous le nom de “cycle de la Vénus noire”. 
Ces poèmes sont Parfum exotique, La Chevelure, Je t’adore à l’égal de la voûte nocturne, Sed non satiata, Le Serpent qui danse et Le Balcon, mais le biographe de Jeanne Duval, Emmanuel Richon, estime qu’il y en a bien davantage, et pas que dans Les Fleurs du Mal.



“Bizarre déité, brune comme les nuits,
Au parfum mélangé de musc et de havane,
Œuvre de quelque obi, le Faust de la savane,
Sorcière au flanc d'ébène, enfant des noirs minuits,
   
Je préfère au constance, à l'opium, au nuits,
L'élixir de ta bouche où l'amour se pavane ;”
Sed non satiata in Les Fleurs du Mal (Charles Baudelaire)



Car Jeanne Duval était noire, et c’est ce qui semble l’avoir résumée aussi bien pour les contemporains de Baudelaire que pour la postérité : femme sans nom domiciliée au 6 rue de La-Femme-sans-tête (aujourd’hui rue Le Regrattier à Paris), elle est en tout cas restée femme de couleur.


À te voir marcher en cadence,
Belle d'abandon,
On dirait un serpent qui danse
Au bout d'un bâton.
Le Serpent qui danse in Les Fleurs du Mal (Charles Baudelaire)


Les similitudes avec Saartje Baartman (ou la Vénus hottentote) qui a inspiré Vénus de Suzan-Lori Parks actuellement à l’Athénée sont bien présentes: c’est peut-être à elle aussi qu’Abdellatif Kéchiche a songé en intitulant son prochain film La Vénus noire.

En effet, le réalisateur de L’Esquive ou de La Graine et le Mulet prépare actuellement un film sur Saartje Baartman: à sa sortie, vous pourrez dire que vous connaissiez déjà l’histoire de la Vénus hottentote -ou, mieux, vous pourrez comparer le film et la pièce de théâtre.

Vénus de Suzan-Lori Parks mis en scène par Cristèle Alves Meira se joue à l’Athénée jusqu’à samedi !

Bon mardi.

Passer en revue • Pleins feux

Qui sont les acteurs de Vénus ? Galerie de portraits en jeu.

Cédric Appietto

Julien Béramis

Gina Djemba

Laurent Fernandez

Céline Fuhrer

Mickaël Gaspar

Xavier Legrand

Vénus de Suzan-Lori Parks mis en scène par Cristèle Alves Meira continue jusqu'à samedi! Bon début de semaine.

Mais qu'est-ce que c'est que ce cirque? • Entretien

Cristèle Alves Meira est la metteure en scène de Vénus actuellement à l’Athénée.

Si vous aviez déjà pu voir sur le blog une vidéo où elle expliquait l’histoire de la vénus hottentote et le projet de mécénat citoyen lancé pour soutenir le spectacle, voici cette fois une discussion où elle explique ses choix artistiques de mise en scène.

«_ Le texte de Suzan-Lori Parks est très particulier: non seulement il intègre des documents historiques concernant la vraie vénus hottentote ou des scènes de pièces de théâtre écrites à l’époque, mais il est entièrement construit sur un flash-back et ne suit pas de linéarité au sens habituel du terme.
Que se dit-on lorsqu’on lit ce texte pour la première fois dans la perspective d’en faire une mise en scène?
_ Ce qui m’a immédiatement frappée, c’est son aspect hybride et morcelé: l’architecture, extrêmement complexe, crée différents niveaux de jeu. Rendre cet espace-temps bouleversé fluide et abordable pour le spectateur est un véritable défi de mise en scène…
J’ai également eu une intuition très forte pour un univers de cirque ou de fête foraine, une atmosphère de fantasmagorie et de cauchemar… La question des corps, du rendu de la monstruosité des personnages, s’est aussi posée tout de suite: où se situe le monstrueux? Qui l’est, qui ne l’est pas? Comment montrer la différence physique de Vénus tout comme celle des bêtes de foire qu’elle côtoie? Comment traiter ces corps difformes, observés, tripotés, volés, vendus?
Et juste après la lecture du texte, je me suis évidemment plongée dans l’étude des faits historiques qui ont inspiré la pièce…

_ Concernant la difformité des corps, comment as-tu finalement fait le choix de mettre une prothèse de fesses au personnage de Vénus?
_ J’ai immédiatement écarté l’idée de choisir une comédienne métisse et callipyge: nous ne sommes pas habitués à voir des corps ronds dans notre société, et montrer des rondeurs nues sur scènes aurait immanquablement, à mon avis, provoqué un effet pervers de voyeurisme -et vu l’histoire dont traite la pièce, il était évidemment d’autant plus impossible de tomber dans ce travers… De toutes façons, ne montrer que des grosses fesses aurait fermé toutes les autres possibilités de lecture de la pièce: au-delà de l’histoire tragique de Saartjie Baartman, Vénus traite aussi des prostituées forcées, des esclaves sexuelles et des femmes-objets… Il fallait donc, à mon sens, éviter de retomber dans le voyeurisme tout en élargissant les lectures pour évoquer toutes ces femmes.
Le théâtre est aussi le lieu du masque: cette prothèse en est une forme. La couleur or de la prothèse fut une évidence, car ces fesses sont un moyen de gagner de l’argent, un bijou, une mine d’or, un trésor, un fétiche devenu l’objet d’un rituel….
Mais ces fesses sont également la cause du calvaire de Vénus, et elles deviennent pour elle une croix très lourde à porter, d’où la ceinture en cuir cloutée qui permet de l’attacher. La prothèse est également très lourde, pour que Gina Djemba, qui interprète le rôle de Vénus, en sente tout le poids…

_ Dans les fêtes foraines où elle est exhibée, Vénus côtoie d’autres bêtes de foire, que Suzan-Lori Parks appelle “le choeur des merveilles humaines”. Elles sont interprétées dans ton spectacle par le trio Céline Fuhrer, Mickaël Gaspar et Xavier Legrand qui semblent former comme un corps unique. Peux-tu nous expliquer ton choix?
_ Je ne voulais surtout pas faire interpréter ces freaks*, ou bêtes de foire, par des comédiens arborant des masques d’Elephant man ou de femmes à barbes: pour moi, la monstruosité se situe ailleurs. À vrai dire, j’ai été inspirée par certains photomontages du photographe Pierre Molinier (1900-1976) pour inventer une espèce de corps à six jambes et trois têtes, cette forme étrange créée à partir de trois corps normaux… Céline, Mickaël et Xavier, en plus d’être comédiens, sont également acrobates, trapézistes ou contorsionnistes…

_ J’ai diffusé mercredi sur le blog une vidéo de ce que vous appelez la “pièce intérieure”, ces passages d’une pièce écrite au 19e siècle sur Saartjie Baartman et réintégrée par Suzan-Lori Parks dans son texte. Dans cette mise en abyme, tu superposes vidéo et comédiens en chair et en os, pourquoi?
_ La vidéo était d’abord là pour répondre à une contrainte financière, car ces passages de Pour l’amour de la Vénus auraient demandé cinq comédiens supplémentaires. Mais elle agit, elle aussi, comme une sorte de masque en jouant sur un glissement constant entre ce que l’on montre et ce que l’on cache: le corps des comédiens est masqué par la vidéo, mais ce sont leurs visages qui jouent… C’était d’ailleurs un véritable défi à relever et  beaucoup de problèmes techniques à résoudre pour travailler sur l’interactivité entre un corps filmé et des comédiens qui jouent en temps réel! Au final, on obtient de nouveaux freaks*, des marionnettes, des personnages à moitié réels et à moitié virtuels…
De manière générale, la vidéo agit comme un révélateur dans le spectacle: je te disais au début que l’image du cirque m’était immédiatement venue à la première lecture, parce que j’ai tout de suite pensé à une galerie de miroirs déformants. La pièce traite d’un corps que l’on juge difforme, et la vidéo, soit en projetant des diapositives d’anatomie sur le corps de Vénus, soit en déformant des corps, soit en faisant des gros plans, crée cette galerie de miroirs déformants.

_ Le personnage de Vénus change plusieurs fois de coiffure pendant le spectacle: est-ce dans le sens de cette idée de déformation?
_ Non, les changements de coiffure de Vénus évoquent plutôt son changement de situation, son embourgeoisement progressif: elle rêve de devenir une dame, et pour cela elle s’achète de nouvelles robes, se coiffe différemment et tente de se blanchir la peau… La scène avec le Baron-docteur où elle lui demande s’il l’aime m’a fait penser à la première scène du Mépris de Jean-Luc Godard avec Brigitte Bardot et Michel Piccoli: c’est pour cela que la coiffure de Vénus ressemble à ce moment-là à celle de Bardot dans ce film.

_ L’entracte réserve bien des surprises aux spectateurs: sans trop en dévoiler, quel est le sens de cet intermède peu orthodoxe?
_ De rappeler cette ambiance de cirque et de cinéma mélangés -car l’écriture de Suzan-Lori Parks comme ma mise en scène me semblent s’approcher du cinéma. Et comme le texte de Parks explose l’espace-temps, j’avais envie que le spectacle déborde aussi bien le lieu que le temps de la représentation.

_ Tu joues également beaucoup avec le rideau de fer de l’Athénée, comme tu l’avais d’ailleurs fait, d’une autre manière, pour Les Nègres monté à l'Athénée en 2007.
_ Oui, j’avoue que les rideaux de fer de théâtre me fascinent: c’est à la fois lourd, théâtral, industriel… Vénus traite de la pudeur, de ce que l’on choisit de montrer ou non: par exemple, Vénus montre ses seins mais cache ses aisselles, car c’est là que se situe sa pudeur. De même, la boîte en bois où elle est exhibée permet de ne montrer que des bouts de son corps. Le rideau de fer, selon qu’il soit levé ou baissé ou que l’on laisse sa petite porte ouverte, permet de créer comme un cadrage et de jouer sur cette ambivalence montrer/cacher. Il s’agit également de servir le texte qui commence par le finale avant d’entamer un flash-back: le finale, c’est quand le rideau se baisse…»

* monstres, en anglais

Vénus se joue encore pour un peu plus d’une semaine! Bon week-end.

Pop-corn et chocolat • Pleins feux

Pendant les représentations de Vénus, des choses étranges se passent dans la salle et le foyer de l’Athénée: certaines plairont d’ailleurs sans doute beaucoup aux gourmands...
(À ce sujet, conseil d’ami: si vous êtes au parterre, choisissez le rang D. Et à l’entracte, courez au foyer-bar, mais ne tardez pas trop à revenir dans la salle)

Julien Béramis

Julien Béramis et Gina Djemba

Julien Béramis

Laurent Fernandez

Gina Djemba

Laurent Fernandez

Julien Béramis et des spectateurs

Gina Djemba

Bon jeudi à tous!

Vous m’écriviez de si jolis poèmes… • Pleins feux

Pendant que Saartjie Baartman, la véritable vénus hottentote qui a inspiré Vénus actuellement à l’Athénée, vivait en Europe au début du 19e siècle, sa renommée était telle qu’elle donna lieu à des pièces de théâtre jouées de son vivant.

Suzan-Lori Parks, l’auteure de Vénus, a intégré dans sa pièce des scènes de l’un de ces drames, Pour l’Amour de la Vénus, auquel assiste le personnage du baron docteur.

Pour ce théâtre dans le théâtre, la metteure en scène Cristèle Alves Meira a eu recours a un procédé visuel assez particulier que vous pourrez deviner dans cet extrait filmé.


Précisions : il s’agit d’un extrait d’une minute de la scène 29 de Vénus qui intègre la scène 3 de l’acte 1 de Pour l’Amour de la Vénus.
Le personnage du baron docteur (interprété par Laurent Fernandez) assiste à cette pièce. L’on y voit un jeune homme délaissant sa promise pour la Vénus hottentote.

Le texte de la scène filmée est le suivant :
«LE JEUNE HOMME lit dans son carnet.
"L'Homme qui n'a jamais quitté son foyer n'est pas un Homme digne de ce nom. Car comment être un Homme, un vrai, si on n'a jamais franchi le seuil de sa maison pour courir le monde... Qu'il s'aventure sous d'autres cieux et alors, là oui, ce sera un Homme."
LA PROMISE
Vous m'écriviez
De si jolis vers.
LE JEUNE HOMME
"Et alors lui sera révélée, ainsi qu'à tous ceux qui posent les yeux sur lui, la place qu'il occupe dans la Grande Échelle des Êtres."
 LA PROMISE
"L'Amour que j'ai pour vous n'a rien de naturel
Autant que cette épître il est artificiel..."
(un temps)
Vous m'écriviez de si jolis poèmes.
LE JEUNE HOMME
"Il se voit, et on le voit, tel qu'au regard du Grand Inconnu, et il occupe  sa juste place parmi les Splendeurs de l'Univers."
(un temps)
(un temps)
Il faudrait dire : "Parmi les Splendeurs de l'Univers divin".
Vous ne croyez pas ?
LA PROMISE
Aaah malheureuse :
La Mal-aimée.

Rideau.
LE BARON DOCTEUR applaudit.»

Vénus de Suzan-Lori Parks - traduction Jean-Pierre Richard.

Si vous n'arrivez pas à lire la vidéo, cliquez là pour aller sur YouTube.

Vénus mis en scène par Cristèle Alves Meira  se joue à l’Athénée jusqu’au samedi 27 mars! Bon mardi.

Signé Louis Jouvet • D'hier à aujourd'hui

Je vous parlais le 27 octobre dernier de Denise Mireille Delavigne, qui a accompagné la troupe de Louis Jouvet (directeur de l'Athénée de 1934 à 1951) sur une partie de leur tournée en Amérique du Sud dans les années 1940.

C'est au moment de son décès que les employés de la maison de retraite où elle séjournait ont retrouvé dans ses affaires un manuscrit racontant cette tournée en Amérique du Sud ainsi que de nombreuses photographies et des lettres.

Je vous livre ce matin une lettre que Louis Jouvet lui a écrite en avril 1944 alors qu'elle était coincée pour plus d'un an au Mexique après avoir contracté la fièvre typhoïde.

Contenu de la lettre :
"Ma petite Denise, C'est une maigre consolation de savoir ce qu'on a quand on est malade mais c'en est une... Et que tu aies si bravement attendu pour te déclarer est encore un bénéfice... Je ne suis pas passé te voir. J'ai gardé la chambre hier et aujourd'hui et je partirai mercredi matin pour cinq à six jours à la campagne. J'enverrai mon adresse pour que Régis puisse nous donner de tes nouvelles. Ne t'inquiète pas. Sois sage et laisse-toi soigner. Marcel te portera ce mot -qu'il te dise mon affection très sincère et tous les voeux que je fais pour te revoir en santé, jolie, et heureuse. Je t'embrasse. Louis Jouvet."

À l'Athénée, Vénus continue encore pendant deux semaines! Bon mardi.

Édit : suite avec des photos inédites de Louis Jouvet ici.

C'est monstrueux • Pleins feux

La Vénus hottentote montrée comme une bête de foire en Angleterre et en France a de drôles de collègues.

Retrouvez Vénus de Suzan Lori-Parks mis en scène par Cristèle Alves Meira à l'Athénée jusqu'au 27 mars.

Ce soir, dans le cadre des "Entre nous-cinéma" (cartes blanches laissées aux metteurs en scène de l'Athénée au cinéma Le Balzac,) vous pourrez découvrir le film Freaks de Tod Browning dont je vous parlais vendredi: c'est ce soir à 20h30 au 1 rue Balzac dans le 8e arrondissement de Paris.

Bon lundi politique!

Monsieur Muscle - 300e billet du blog! • Pleins feux

En 1932, Tod Browning, réalisateur de L’Inconnu, Dracula ou L’Homme de fer, termine son film Freaks, la monstrueuse parade.
Échec à sa sortie, sans doute parce qu’il avait été présenté comme un film à la Frankenstein, Freaks (monstres, en anglais) est aujourd’hui considéré comme l’un des plus grands chefs d’œuvre du cinéma.

Dans un cirque où se côtoient une trapéziste, un monsieur Muscle, des sœurs siamoises, des lilliputiens ou une femme à barbe, la monstruosité n’est pas toujours là on le croit et la normalité pas si facile à définir.

Recourant à de véritables bêtes de foires, Tod Browning explose les clichés et pose la question du regard de l’autre: mettant en scène trois fins possibles selon le montage choisi, Freaks, la monstrueuse parade bouleverse encore aujourd’hui par sa liberté, sa beauté et ses audaces.

En partenariat avec le cinéma Balzac et en complément du spectacle Vénus qui a commencé hier à l’Athénée, Freaks sera projeté lundi prochain à 20h30 au Balzac, 1 rue Balzac dans le 8e arrondissement de Paris.

Vénus a commencé hier et se joue jusqu'au 27 mars. Bon week-end à tous!

8 Mars Attack • Perspective

Lundi dernier, c’était la journée internationale du droit des femmes. Vénus s’inspirant de l’histoire vraie d’une femme, Sarah Baartman, dont on avait décidé que son corps ne lui appartenait pas, il était tout naturel de lui rendre hommage ce jour-là.

Les Amis de Vénus écoutant Cristèle Alves Meira,
metteure en scène de Vénus, leur présenter la soirée.

Les mécènes qui ont choisi de soutenir le spectacle Vénus étaient donc conviés lundi 8 mars à l’Athénée pour une soirée où ils ont pu rencontrer l’équipe du spectacle et découvrir des textes présentés par Geneviève Fraisse, philosophe et chercheuse au CNRS spécialiste de la pensée féministe et de l’égalité des sexes, et Carole Sandrel, auteure d’un livre à paraître sur l’histoire de Sarah Baartman, Vénus et Hottentote.

Geneviève Fraisse entourée de Cristèle Alves Meira, metteure en scène de Vénus, et de Julien Béramis, comédien dans le spectacle.

Cette soirée fut l’occasion de retracer la courte vie de Sarah Baartman, femme sud-africaine aux grosses fesses exhibée en Angleterre et en France et qui, après sa mort à l’âge de vingt-six ans, fut disséquée pour être exposée dans trois musées parisiens jusqu’en 1974. Sa dépouille ne fut restituée à son pays d’origine qu’en 2002 après le vote d’une loi spéciale destinée à contourner le principe de l’inaliénabilité des collections des musées français (autrement dit, le fait que les objets conservés dans les musées appartiennent au domaine public et ne peuvent être cédés).
Sarah Baartman fut également l’objet d’un procès à Londres pour déterminer si elle était consentante ou esclave mais qui fut rapidement détourné sur la question de l’atteinte aux bonnes moeurs: en montrant ses fesses, était-elle coupable d’attentat à la pudeur?

Debout, Carole Sandrel, l'auteur de Vénus et Hottentote.
À gauche, Mickaël Gaspar et Laurent Fernandez, comédiens du spectacle.

Après une intervention de Geneviève Fraisse et de Carole Sandrel, les comédiens du spectacle Vénus ont lu des textes historiques portant sur la vie de Sarah Baartman, en particulier des articles parus dans les journaux de l’époque, des débats à l’Assemblée nationale et au Sénat portant sur la restitution de sa dépouille ainsi que le discours du président d’Afrique du Sud lors de la cérémonie funéraire de Sarah Baartman en 2002.

Debout, Susan George, auteure du texte Irruption du corps de couleur dans un Occident malade de sa modernité. Derrière, Julien Béramis, Gina Djemba et Cédric Appietto, comédiens du spectacle.

Les lectures furent conclues par Susan George, membre du conseil scientifique et cofondatrice d’Attac et également membre du comité d’honneur des Amis de Vénus, qui nous a lu son texte Irruption du corps de couleur dans un Occident malade de sa modernité, avant que mécènes et membres de l’équipe du spectacle se retrouvent autour d’un verre de vin au nom prédestiné!...

Pour rappel, le comité d’honneur des Amis de Vénus est présidé par Geneviève Fraisse et composé de Gisèle Blanchard (inspectrice générale de la Mairie de Paris), Tanella Boni (philosophe et écrivaine), Marie-Paule Cani (chercheuse et professeure), Catherine Clément (philosophe et romancière), Dyana Gaye (réalisatrice), Susan George et Carole Sandrel.

Quatre-vingt-cinq particuliers et cinq entreprises ont choisi de devenir mécènes de Vénus.

La première est ce soir!

Bonne journée à tous.

Haut les tulles • Coulisses

À l'Athénée, la création de Vénus est dans sa dernière ligne droite. Ici, les comédiens Gina Djemba (à gauche) et Laurent Fernandez (au centre) regardent la metteure en scène Cristèle Alves Meira (au fond) et le scénographe Yvan Robin (à droite) régler la hauteur d'accrochage des tulles en fond de scène.

Vénus de Suzan-Lori Parks dans une mise en scène de Cristèle Alves Meira assistée de Valérie Maureau commence demain soir!

Bon mercredi.

Silence dans la salle! • Pleins feux

La pièce Vénus qui commencera jeudi à l’Athénée a été écrite par l’écrivaine américaine Suzan-Lori Parks dont je vous parlais la semaine dernière.

Pour vous donner une idée plus précise de son écriture, voici deux scènes extraites de la pièce: nous sommes au procès du personnage principal, la Vénus hottentote, jugée pour outrage à la pudeur après avoir été exhibée comme une bête de foire.

Comme vous le verrez, l’écriture de Suzan-Lori Parks procède parfois du vers libre et relève également du principe de la variation où des passages sont repris avec de légères altérations -l’analogie avec la musique ne s’arrête d’ailleurs pas là, Suzan-Lori Parks ayant construit la pièce comme une partition où les temps voire les blancs (voir ci-dessous où le nom d’un personnage apparaît sans donner lieu à une réplique) sont à compléter par le metteur en scène.
La traduction est de Jean-Pierre Richard.

Bonne lecture et bon mardi! À jeudi pour la première de Vénus.

«Scène 20F
La Vénus Hottentote au Tribunal (suite)
(Témoin N°1 et Témoin N°2)

LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Veuve Mathews, dites-nous ce que vous avez vu.

TEMOIN n°2
Je n'ai rien vu.
C'est seulement par ouï-dire.
Du rapporté.

LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Ça ira.
Accouchez !

TEMOIN n°2
Je suis veuve.
Mon cher époux adorait les attractions et avant de mourir
il avait vu La Vénus H.
Voici ce qu'il m'en a raconté :
“Autour d'elle il y avait plein de monde, y compris des femmes !
On la pinçait, on tournait autour ;
il y a un monsieur qui la piquait du bout de sa canne ;
et une grande dame qui, de son ombrelle, vérifiait si tout était bien, comme elle disait, "naturel".
Et elle, elle subissait tout ce tripotage sans dire un mot.
Peut-être un soupir ou 2 quand elle semblait sur le point de protester."
Une fois elle a tiré une plume de sur sa tête et l'a donnée à mon mari
Ça porte bonheur, à ce qu’il paraît.
"Aussitôt il y a eu une bagarre. 3 hommes sont morts. Un petit garçon est devenu fou. Une femme a perdu son enfant." 
Mon mari s’est sauvé avec la plume intacte.
“Pauvre femme !”
“Vraiment incroyable !”
“Ce spectacle me rend mélancolique !”
Ce sont les mots mêmes qu’il a employés.
Il était à la maison debout près de la fenêtre. Je le revois encore.
Puis il s’est éloigné de moi, plongé dans ses pensées ;
Puis, oubliant complètement sa compassion, s’est écrié
“Bon dieu elle a un de ces culs !”
(un temps)
Le choc de voir cette femme l’a tué, je crois,
Car le surlendemain il était mort.
J’ai jeté la plume.

Scène 20I
La Vénus Hottentote au Tribunal (suite)
(Extrait historique)

LA VENUS sort de sa cage.


LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Nous appelons à la barre La Vénus Hottentote.

LA VENUS
C'est moi qu'on appelle La Vénus Hottentote.


LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Elle parle !!
(un temps)
Des questions simples pour commencer.
Qui êtes-vous ?
D'où venez-vous ?
Avez-vous de la famille ?
Êtes-vous heureuse ?
Êtes-vous sorcière ?
Avez-vous déjà été battue ?
ça vous a plu ? c'était bon ?
Vous voulez rentrer chez vous ?
Et si oui, quand ?! Et si oui, quand ?!
Répondez ! Allez-y, accouchez !

LA VENUS

LA VENUS

LA VENUS

LA VENUS
La Vénus Hottentote est actuellement
indisponible.

LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Hé toi, attention, il y a des limites !
On pourrait te boucler jusqu'à la fin de tes jours !
Répondez :
Êtes-vous ici de votre plein gré
ou agissez-vous sous la contrainte ?

LA VENUS
Je suis ici pour faire un pactole.

LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Bravo ! Bravo ! Bravo !
(Silence-silence-silence dans la salle !)

LA VENUS
Après tout ce que j'ai dû subir
rentrer au pays sans un rond ce serait la honte

LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Pauvreté serait-elle plus honteuse que nudité ?
Pas pour nous !

LE CORYPHEE
Faites-la taire !
Renvoyez-la chez elle !

LA VENUS
Braves gens. Permettez-moi de rester.

LE CORYPHEE
Pas question !
Ceux de son espèce portent le stigmate de Dieu et, baptisés ou pas,
leur noirceur entache l'honneur de notre beau pays.
Mettez-la dehors !

LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Faites-la taire !
Renvoyez-la chez elle !

LA VENUS
Non !
S'il vous plaît. Très braves et honnêtes gens.
Si je porte ce stigmate, c’est l’occasion ou jamais de m'en laver ?
Quand une pécheresse comme moi s'exhibe, à vous tous cela sert d’avertissement
et aux yeux du Seigneur cela pourrait me racheter,
me permettre de laver ma noirceur.
Je suis venue ici noire.
Donnez-moi une chance d’en repartir blanche.

LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Hmmmmmmmmmmmm.
Ses paroles ne laissent pas insensible.
(un temps)
Une dernière question, hum…
Êtes-vous coupable d’outrage à la pudeur ?

LE CHOEUR DU TRIBUNAL

LA VENUS

LE CHOEUR DU TRIBUNAL

LA VENUS
(un temps)
"Outrage à la pudeur"?

LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Été indécente.

LA VENUS
Jamais.
Non. Je suis moi.

LE CHOEUR DU TRIBUNAL
Et ça veut dire quoi, ça ?!?!

LA VENUS
Cacher sa pudeur, ce n'est pas bien.
Moi je montre la mienne. Vous voulez voir ?»

Vénus - Suzan-Lori Parks, traduction Jean-Pierre Richard

Vénus - extrait filmé! • Coulisses

Bonjour à tous,

Et bon retour à ceux qui rentrent de vacances.

Vénus commence jeudi à l’Athénée: découvrez aujourd’hui une vidéo de deux minutes filmée en répétition où l’on voit Cristèle Alves Meira, la metteure en scène, discuter avec l'équipe pour ajuster un passage de la pièce.

Si la vidéo ne démarre pas, cliquez là.

Vous pouvez toujours devenir mécène du spectacle qui se jouera du 11 au 27 mars à l’Athénée!

Bon lundi

PS : suite à une panne électrique, les images de mon billet de vendredi où je comparais mes photos de répétitions aux croquis de la peintre Elisabeth Marion ne se sont pas affichées si vous avez tenté d’ouvrir le mail en milieu de journée: le problème a été résolu depuis dans vos boîtes mail comme sur le blog.

Question de point de vue • Coulisses

Comme je vous l’expliquais hier, la peintre Elisabeth Marion est venue réaliser quelques croquis et dessins sur les répétitions de Vénus.

En feuilletant ses carnets, force fut de constater qu’ils présentaient des similitudes avec certaines de mes photos. Étude comparée :

© Elisabeth Marion

© Clémence Hérout

© Elisabeth Marion

© Clémence Hérout

© Elisabeth Marion

© Clémence Hérout

© Elisabeth Marion

© Clémence Hérout

© Elisabeth Marion

© Clémence Hérout

© Elisabeth Marion

© Clémence Hérout

Vénus de Suzan-Lori Parks mis en scène par Cristèle Alves Meira assistée de Valérie Maureau se jouera à partir de la semaine prochaine à l’Athénée. Vous pouvez toujours devenir mécène du spectacle en cliquant ici.

Bon vendredi !

Sur le vif • Entretien

Elisabeth Marion est peintre. Depuis trois ans, elle fait régulièrement des croquis sur le vif dans des lieux parisiens: postée dans une gare, une rue, un café, une station de métro ou un musée, elle saisit des expressions au vol, des gens sur le vif et des atmosphères en quelques traits.
L’obligeant à sortir de son atelier, ces croquis sont pour Elisabeth l’occasion de travailler sa technique et de nourrir son travail ou son inspiration, qu’elle les intègre directement à ses autres travaux ou non.

Mise en relation avec la comédienne Gina Djemba, qui interprète le rôle principal dans Vénus qui se jouera bientôt à l’Athénée, Elisabeth est venue faire des croquis sur quelques répétitions du spectacle.

À l’Avant Rue (Paris 17e), Elisabeth Marion (à droite)
croque l’équipe de Vénus vue d’en haut.

«_ Pourquoi fais-tu régulièrement des croquis ?
_ Lorsque l’on travaille en atelier, on est en soi, à l’intérieur, dans un processus de création: faire des croquis dans des lieux publics me permet d’aller vers l’inattendu. Dessiner sur le vif est aussi un défi qui me donne l’occasion d’améliorer ma technique et d'aller au-delà en cherchant l'intensité de l'instant.
Je réintègre parfois ces croquis dans mes peintures: les expressions de personnes réelles que j’ai saisies dans mes croquis apportent quelque chose aux personnages de mes tableaux, peut-être un peu la présence d'un être vrai.

© Elisabeth Marion

_ Depuis quand suis-tu les répétitions de Vénus?
_ Depuis deux semaines, mais je ne viens que par intermittence : j’ai besoin d’un temps de décantation, car lorsqu’on accumule trop d’informations, on est rapidement dépassé par tout ce que l’on a. J’assiste donc aux répétitions de temps en temps afin de réussir à me recentrer, à prendre du recul par rapport à ce que j’ai fait…

© Elisabeth Marion

© Elisabeth Marion


_ Tu fais parfois certains croquis “à l’aveugle”, sans regarder ta feuille, afin de rester concentrée sur l’expression à saisir. Retravailles-tu certains de tes croquis une fois les répétitions de Vénus terminées?
_ Il s’agit surtout de saisir des moments furtifs et éphémères en croisant deux expériences de création, le théâtre et la peinture. Je ne sais pas ce que je ferai de ces croquis ni même si j’en ferai quelque chose, mais j’en ai effectivement retravaillé certains, ou bien m’en suis servie pour faire d’autres dessins…»

© Elisabeth Marion

© Elisabeth Marion

© Elisabeth Marion

© Elisabeth Marion


Parler avec Elisabeth en regardant ses dessins et croquis fut également l’occasion de découvrir de nombreuses convergences entre nos points de vue et de rapprocher certaines de ses œuvres avec certaines de mes photos. Rendez-vous demain matin pour le comparatif!

Bonne journée à tous et à bientôt sur Vénus.

Un coeur à prendre • Coup de théâtre

Trouvé dépassant d’une caisse dans les ateliers techniques de l’Athénée :

Je savais que les techniciens étaient au fond de grands romantiques.

Bon mercredi!

Kiss-moi • Perspective

Qui connaît Suzan-Lori Parks? En France, pas grand-monde.

Suzan-Lori Parks fait pourtant partie des écrivains les plus renommés aux États-Unis: auteure en résidence au Public Theater de New York, elle a reçu de nombreuses bourses et distinctions et fut la première femme afro-américaine à remporter le prix Pulitzer.

Sa pièce Vénus sera pour la première fois jouée en France à partir de la semaine prochaine à l’Athénée, mais vous avez peut-être eu l’occasion de découvrir son écriture particulière il y a trois ans: en 2007, l’Athénée créait déjà en France Topdog/Underdog dans une mise en scène de Philip Boulay.

Si ses discours et interviews nous font découvrir une personne chaleureuse, modeste et pleine d’humour, ses textes témoignent d’une écriture à la fois singulière et très accessible.

Abordant souvent la question raciale, Suzan-Lori Parks ne tombe jamais dans le cliché: à la fois réalistes et lyriques, tragiques et drôles, secs et émouvants, ses textes heurtent la langue sans jamais la détruire et donnent une dimension étrangement poétique à des dialogues quotidiens.

La cruauté du sujet de Vénus (la pièce raconte l’histoire vraie de S. Baartman, femme sud-africaine exhibée comme une bête de foire en Europe à la fin du 19e siècle) est bien présente, mais Suzan-Lori Parks ne fait pas de son personnage principal une simple victime et n’hésite pas à convoquer la légèreté et l’humour.

Pour exprimer l’étrangeté d’une femme originaire d’une Afrique du Sud colonisée par les Pays-Bas qui est emmenée en Grande-Bretagne puis en France, Suzan-Lori Parks lui invente un langage insolite où les langues étrangères se mélangent : “Kiss-moi”, répète-t-elle ainsi souvent -parce qu’on ne vous l’a pas encore dit, mais Vénus est aussi une histoire d’amour.

Cet après-midi, l’équipe du spectacle Vénus sera présente à la Manufacture des Abbesses dans le cadre du festival Au Féminin: vous pourrez entendre une lecture de la pièce par les comédiens à partir de 15h30. L’entrée est libre et se fait au 7 rue Véron dans le 18e arrondissement de Paris (métro Blanche ou Abbesses)

Le spectacle aura lieu du 11 au 27 mars à l’Athénée.

Bonne journée!

C'est vraiment l'usine • D'hier à aujourd'hui

Bonjour à tous,

J’espère que tout va bien pour vous après cette semaine d’interruption du blog.

Du côté de l’Athénée, le spectacle de Guillaume Gallienne Les Garçons et Guillaume, à table! s’est terminé pour laisser place à Vénus de Suzan-Lori Parks qui commencera dans très exactement dix jours.

L’équipe de Vénus répète désormais à l’Athénée après être passée par le Théâtre du Colombier à Bagnolet (vous aviez pu voir des photos ici ou là) ainsi que par L’Avant-Rue dans le 17e arrondissement de Paris où ils travaillaient jusqu’à la semaine dernière.

Usine construite à la fin du 19e pour abriter successivement (et entre autres) la fabrication de monte-charges, de carreaux de faïence, de lits en fer forgé ou de maquillage, l’Avant-Rue est aujourd’hui un lieu qui accueille des artistes en favorisant les rencontres avec les habitants du quartier ainsi que la mise en réseau de résidences d’artistes au niveau européen.

Le caractère industriel du lieu a été préservé, et l’ambiance des répétitions de Vénus a ainsi été très différente d’un endroit à un autre -je me demande d’ailleurs au passage quelle est la nature et le degré d’influence d’un lieu de travail sur l’œuvre finalement créée, mais nous aurons sans doute l’occasion d’en reparler.

Vénus commencera le jeudi 11 mars à l’Athénée pour un peu plus de deux semaines de représentations. Vous pouvez toujours soutenir le spectacle (plus d’informations ici).

Bon lundi!

Clémence et Guillaume, au lit! • Pleins feux

Le décor de Les Garçons et Guillaume, à table! partira de l’Athénée demain avant d’y revenir à partir du 26 juin pour la reprise de ce spectacle écrit et joué par Guillaume Gallienne.

Guillaume Gallienne va ainsi pouvoir prendre un repos bien mérité, tout comme moi d’ailleurs: le blog fait une pause d’une semaine et reprendra le lundi 1er mars pour le spectacle Vénus!

À bientôt.

Vous pouvez répéter? • Coulisses

Je vous avais proposé la semaine dernière des photos de répétitions du spectacle Vénus qui se jouera dans moins d’un mois à l’Athénée.

Ces premières photos avaient été prises lors de répétitions de scènes appartenant au début de la pièce, lorsque la sud-africaine Saartjie Baartman arrive en France pour y être montrée comme une bête de foire.

Voici maintenant des photos de répétitions de la fin de la pièce, lorsque… vous verrez bien (ce n’est pas mon genre de casser le suspense).

Gina Djemba, la metteure en scène Cristèle Alves Meira, Cédric Appietto et Julien Béramis.

Julien Béramis et Gina Djemba entre deux scènes.

Julien Béramis

Gina Djemba

Trois tabourets

Cristèle Alves Meira en train d’installer un panneau destiné à… vous verrez bien (ce n’est pas mon genre etc.).

Laurent Fernandez et Gina Djemba.

Xavier Legrand, Céline Fuhrer et Mickaël Gaspar

Laurent Fernandez

Julien Béramis

Gina Djemba et Julien Béramis à la fin de la répétition.

Vénus de Suzan-Lori Parks mis en scène par Cristèle Alves Meira assistée de Valérie Maureau se jouera à l’Athénée à partir du 11 mars! Vous pouvez toujours soutenir le spectacle en cliquant ici.

Bon jeudi!

Monsieur Sarkozy fait ses voeux, version 2010! • Perspective

Je vous avais proposé la semaine dernière des photos de répétitions du spectacle Vénus qui se jouera dans moins d’un mois à l’Athénée.

Ces premières photos avaient été prises lors de répétitions de scènes appartenant au début de la pièce, lorsque la sud-africaine Saartjie Baartman arrive en France pour y être montrée comme une bête de foire.

Voici maintenant des photos de répétitions de la fin de la pièce, lorsque… vous verrez bien (ce n’est pas mon genre de casser le suspense).

Gina Djemba, la metteure en scène Cristèle Alves Meira, Cédric Appietto et Julien Béramis.

Julien Béramis et Gina Djemba entre deux scènes.

Julien Béramis

Gina Djemba

Trois tabourets

Cristèle Alves Meira en train d’installer un panneau destiné à… vous verrez bien (ce n’est pas mon genre etc.).

Laurent Fernandez et Gina Djemba.

Xavier Legrand, Céline Fuhrer et Mickaël Gaspar

Laurent Fernandez

Julien Béramis

Gina Djemba et Julien Béramis à la fin de la répétition.

Vénus de Suzan-Lori Parks mis en scène par Cristèle Alves Meira assistée de Valérie Maureau se jouera à l’Athénée à partir du 11 mars! Vous pouvez toujours soutenir le spectacle en cliquant ici.

Bon jeudi!

Ne surtout pas lui voler dans les plumes. • Coulisses

Mardi 9 février, j’arrive à l’Athénée avec un manteau dont l’un des boutons a très envie de vivre sa vie sans moi.

Parvenue à l’atelier couture du théâtre dans l’idée d’y trouver un fil et une aiguille, je tombe sur Emeline Delannoy et Clotilde Lerendu en plein travail pour le spectacle Vénus qui se jouera au mars à l’Athénée.

C’est donc le temps de lutter avec la doublure de mon manteau que je me suis installée auprès d’Emeline et Clotilde pour une petite discussion couturière:

Assistante du scénographe Yvan Robin, Emeline coud du scratch sur les tulles choisis il y a quelques semaines (j’en avais parlé ici) afin de pouvoir les fixer sur des panneaux en bois.

Assistante des costumiers Benjamin Brett et Marine Demoury, Clotilde effectue une tâche de plus longue haleine: la réalisation d’un tutu à plumes, soit 31,50 mètres de tissu.

Clotilde commence par utiliser des boas en plume qu’elle défait entièrement pour garder les plumes en vrac.

Elle dispose ensuite les plumes en ligne…

… en y glissant des fils de part et d’autre qu’elle fixe à l’extrémité de la table.

Elle se saisit alors de l’une des extrémités des fils pour les enrouler sur eux-mêmes, accrochant les plumes au passage.

Elle coud ensuite le boa modèle réduit qu’elle vient de créer au tulle noir qui constituera le tissu du tutu.

Voici un bout du tulle à plumes obtenu, qu’il faudra ensuite monter pour obtenir le tutu…

Lorsque je suis partie, mon bouton était recousu, mais il restait à Emeline et Clotilde de nombreux jours de travail avant la première de Vénus à l’Athénée...

Vénus se jouera à l'Athénée du 11 au 27 mars 2010. Vous pouvez toujours soutenir Vénus, plus d'informations ici.

Pendant ce temps, Guillaume Gallienne continue de jouer son spectacle Les Garçons et Guillaume, à table! jusqu’à samedi avant de le reprendre à l’Athénée à partir du 26 juin.

Bonne journée à tous!

Mi-figue, mi-raisin • Pleins feux

Que faire avec du raisin?

- Du vin
- Du champagne
- Du jus de raisin
- De la gelée de raisin
- Des biscuits, en y ajoutant de la cannelle (ou du miel. Ou les deux)
- De la salade de fruits
- Du raisin sec
- Du vinaigre de vin
- Des cakes
- Des scones (mais en ce qui me concerne, je les préfère nature)
- Du pudding
- Un accompagnement de volaille, type caille, coquelet ou pintade
- Des flans
- De l’huile de pépin de raisin
- Des compléments alimentaires censés lutter contre la cellulite
- Des cosmétiques censés lutter contre le vieillissement

Guillaume Gallienne en fait un accessoire très discret de théâtre dans son spectacle Les Garçons et Guillaume, à table! qui se joue jusqu’à samedi et reprendra à l’Athénée à partir du 26 juin.

Ce soir, Guillaume Gallienne sera présent au cinéma Le Balzac pour vous présenter le film Noblesse oblige qu’il a choisi pour accompagner son spectacle.
Rendez-vous ce soir à 20h30 au 1 rue Balzac 75008 Paris! Plus d'informations ici.

Bon lundi

Bon appétit, messieurs! • Pleins feux

«Bon appétit, messieurs !» lance Ruy Blas en interrompant la séance du conseil privé du Roi avant de continuer:
«Ô ministres intègres !
Conseillers vertueux ! Voilà votre façon
De servir, serviteurs qui pillez la maison !
Donc vous n'avez pas honte et vous choisissez l'heure,
L'heure sombre où l'Espagne agonisante pleure !
Donc vous n'avez ici pas d'autres intérêts
Que remplir votre poche et vous enfuir après !
Soyez flétris, devant votre pays qui tombe,
Fossoyeurs qui venez le voler dans sa tombe !
– Mais voyez, regardez, ayez quelque pudeur.
L'Espagne et sa vertu, l'Espagne et sa grandeur,
Tout s'en va. […]»

(Vous pouvez trouver ce passage en intégralité sur le site de l’Académie de Rouen)


Valet d’un marquis qui le fait passer pour son cousin, Ruy Blas se fait nommer premier ministre par la Reine d’Espagne avec qui il partage un amour secret. C’est au début de l’acte III qu’il fait irruption parmi les membres du conseil où règnent népotisme, favoritisme et distribution des richesses au mépris de l’intérêt général (cela vous rappellera peut-être quelque chose).

Drame romantique de Victor Hugo où l’amour se mêle à la réflexion politique autour d’un personnage de valet devenu ministre, Ruy Blas pose la question de la justice sociale et de la noblesse de cœur dans un style fastueux faisant fi des règles du classicisme.


Passage quasi-obligé des élèves comédiens, cette tirade lyrique en forme de réquisitoire posa quelques problèmes à Guillaume Gallienne à ses premiers cours de théâtre: pour l’écouter le raconter lui-même, rendez-vous à l’Athénée pour son spectacle Les Garçons et Guillaume, à table! qui se joue jusqu’au 20 février et reprendra le 26 juin à l’Athénée.


Lundi, Guillaume Gallienne aura carte blanche au cinéma Le Balzac: pour accompagner son spectacle, il a choisi de vous faire découvrir le film Noblesse oblige de Robert Hamer où l’acteur Alec Guinness interprète huit personnages différents dans une atmosphère empreinte de références littéraires et d’humour très british.
Guillaume Gallienne sera présent pour vous présenter le film avant sa projection: pour y assister, c’est lundi prochain à 20h30 au cinéma Le Balzac dans le 8e arrondissement de Paris. Plus d’informations ici.

Bon week-end et à lundi!

PS : le sondage lancé hier sur le micro-mécénat est toujours actif: pour voter, cliquez ici et regardez à droite.

Que pensez-vous du mécénat citoyen pour soutenir la culture? • Perspective

Comme j’ai déjà eu l’occasion de l’évoquer avec vous sur le blog, un projet de mécénat a été lancé pour soutenir le spectacle Vénus qui se jouera en mars prochain à l’Athénée.

Alors que le mécénat est habituellement réservé aux entreprises, il s’élargit cette fois aux gens comme vous et moi qui peuvent soutenir le spectacle à partir de 15 euros, soit 5 après déduction d’impôts si vous êtes imposable -le mécénat n’est en effet possible que grâce à un dispositif mis en place par l’État qui accorde un crédit d’impôts sur le revenu de  66% sur le montant du don versé.

De nombreuses entreprises ont investi dans la culture depuis la loi sur le mécénat d’août 2003 qui leur permet, à elles aussi, de bénéficier d’un crédit d’impôts.
Les dons en provenance de particuliers, s’ils sont importants en matière caritative, n’ont en revanche investi le monde de la culture que récemment et souvent de manière légèrement détournée.
En permettant ainsi à tout un chacun de devenir producteur d’une œuvre, le label MyMajorCompany qui put lancer le chanteur Grégoire, ou la société de production Touscoprod, notamment autour du film Le bel Âge de Laurent Perreau, tablaient davantage sur la notion de production citoyenne que de mécénat citoyen: si l’exploitation de l’album ou du film engrange des bénéfices, ceux-ci sont reversés aux personnes qui avaient misé dessus proportionnellement au montant de leur participation.

Dégager des bénéfices étant quasiment impossible en matière théâtrale*, c’est bien un projet de mécénat citoyen qui a été mis en place pour la pièce Vénus de Suzan-Lori Parks mise en scène par Cristèle Alves Meira.
Comme c'est très souvent le cas pour les entreprises mécènes, les mécènes citoyens du spectacle bénéficient d'une certaine forme de contrepartie, en pouvant par exemple rencontrer les artistes, assister à de nombreuses répétitions  (j’en avais parlé ici) ou prendre part à des événements créés pour eux.

* (Pour aller vite, le coût des billets dans les théâtres subventionnés, fixé assez bas pour faciliter l’accès à la culture, ne permet souvent même pas de couvrir les frais engagés pour la production d’un spectacle, même si les salles sont pleines)

Si certains d’entre vous ont déjà choisi de soutenir Vénus, je serais curieuse de recueillir votre avis à tous sur cette initiative:

Que pensez-vous du micro-mécénat (ou mécénat citoyen) en matière culturelle?

Vous pouvez développer votre réponse en écrivant votre commentaire à ce billet (c’est ici) mais aussi me donner une indication en choisissant l’une de ces quatre possibilités, forcément restreintes (pour choisir un item, c’est là en regardant à droite):
1- Je n’y suis pas favorable, c’est à l’État de soutenir la culture.
2- Je n’y suis pas favorable, je préfère soutenir des associations caritatives.
3- J’y suis favorable mais je ne peux/souhaite pas donner moi-même.
4- J’y suis favorable et ai décidé de devenir mécène de Vénus.

J’attends votre avis avec impatience! À très vite et bonne journée à tous.

Un jour je compterai le nombre d'ampoules • La corde verte du lapin qui siffle

Si l'on parle très souvent du lustre de la grande salle pour évoquer le lieu même de l'Athénée, on oublie régulièrement le reste du théâtre qui a pourtant été (presque) aussi bien pourvu que la salle où se jouent les spectacles.

Voici donc quelques lustres capturés ça et là dans l'Athénée:

Dans le hall du théâtre

Dans le hall du théâtre, après avoir monté les premiers escaliers.

Sur l'une des coursives qui entourent la grande salle.

Dans le foyer-bar du théâtre.

Au cas où vous auriez manqué l'information hier, je vous rappelle que Guillaume Gallienne, qui joue actuellement à guichets fermés Les Garçons et Guillaume, à table! reprendra le spectacle à l'Athénée à partir du 26 juin.

Bon mercredi!

Je suis un homme, un vrai. • Pleins feux

Qu’il soit d’affaires, d’État ou de confiance, l’homme désigne par métonymie (biaisée, la métonymie) la totalité du genre humain, mais également les individus de sexe masculin.

Si être une femme présente son lot de difficultés, Guillaume Gallienne évoque dans son spectacle Les Garçons et Guillaume, à table! le chemin  à parcourir pour devenir un homme.

Que ceux d’entre vous qui n’ont pas pu obtenir de places pour le spectacle se réjouissent: l’Athénée redonnera Les Garçons et Guillaume, à table! à partir du 26 juin prochain!

À demain.

En répétant Vénus • Coulisses

Vénus, une pièce de l'écrivaine américaine Suzan-Lori Parks, se jouera à l'Athénée en mars prochain. Voici comme promis la semaine dernière quelques photos des répétitions qui ont lieu depuis début janvier.

Le comédien Cédric Appietto

Le comédien Julien Béramis

La metteure en scène Cristèle Alves Meira et la comédienne Gina Djemba, qui joue le rôle de Vénus.

Les comédiens Mickaël Gaspar, Xavier Legrand et Céline Fuhrer.

Les comédiens Cédric Appietto, Xavier Marchand, Céline Fuhrer, Mickaël Gaspar, Gina Djemba et Julien Béramis et la main de la metteure en scène Cristèle Alves Meira.

La comédienne Gina Djemba et la main du comédien Julien Béramis.

Les comédiens Xavier Legrand, Mickaël Gaspar et Céline Fuhrer.

Bon début de semaine. Après le relâche du lundi, Les Garçons et Guillaume, à table! reprend demain!

ça me rappelle mes années d'internat • Pleins feux

Un lit, une chaise et une table en fer: le décor de Les Garçons et Guillaume, à table!  évoque tout à la fois la chambre d’enfant, la cellule de détenu et la chambre d’hôpital.

Le spectacle se joue jusqu’au 20 février à l’Athénée. Bon week-end à tous!

Un musée dans la cave • La corde verte du lapin qui siffle

Vous connaissez déjà les objets mystères de Dominique Lemaire, directeur technique adjoint de l’Athénée.

Dans les ateliers techniques (déjà vus en vidéo sur le blog), on trouve également le petit musée de Jean-Noël de Marcovitch, régisseur général de l’Athénée.

Vous y trouverez un plomb de fil à plomb, une chignole, une pince, une gaffe de brigadier, un tirez-lâchez, un vilebrequin, une lampe à carbure de calcium et une poulie de renvoi. Et un fer à cheval.

Et un truc, là, tout à droite, que je n’ai pas identifié. Une idée?


Bonne journée!

L'ombre du public • Coulisses

Le spectacle Vénus qui se jouera à l’Athénée dans un mois a commencé ses répétitions en début janvier.

Vendredi dernier, la répétition était ouverte à un public bien particulier: le matin, quelques mécènes du spectacle (car je vous rappelle que, si vous le souhaitez, vous pouvez soutenir Vénus) étaient présents.
L’après-midi, les membres d’une association d’alphabétisation à qui l’équipe de Vénus propose également des ateliers de théâtre sont venus assister au travail sur les dernières scènes de la pièce.

Cristèle Alves Meira, metteure en scène, donne ses indications aux comédiens Cédric Appietto, Gina Djemba et Julien Béramis.
Au premier plan, une partie des mécènes de Vénus.

Valérie Maureau, dramaturge et collaboratrice à la mise en scène, et Cristèle Alves Meira, metteure en scène.

Patrice Martinet, directeur de l'Athénée, lors de la répétition du matin.

Des femmes membres d'une association d'alphabétisation de Bagnolet, lors de la répétition de l'après-midi.
On aperçoit de dos le comédien Cédric Appietto.

Pour les artistes de Vénus, ce fut l’occasion d’échanger autour d’un pré-spectacle avec un pré-public, de recueillir les premières réactions, d’expliquer que l’on peut passer quatre heures sur une seule scène, de discuter du sujet de la pièce et plus particulièrement des critères de beauté et du trafic humain, ou tout simplement de profiter d’un moment de partage.

Je vous promets quelques photos des répétitions pour très bientôt!


En attendant, le spectacle de Guillaume Gallienne, Les Garçons et Guillaume, à table! continue de se jouer à l’Athénée. Bonne journée!

Guillaume II de Bavière • Pleins feux

Né en 1845, Ludwig von Wittelsbach devient Louis II de Bavière en 1864. Roi d’une région d’Allemagne à l’époque où le pays est sur le point d’être unifié, Louis II se distingue par son désintérêt pour les affaires publiques et sa personnalité fantasque.

Doux rêveur attaché aux arts, il s’employa moins à gouverner la Bavière qu’à construire le monde qu’il voyait dans son imagination. Mécène fidèle et généreux autant que proche ami de Wagner, il permet à celui-ci de créer le festival de Bayreuth pour y représenter ses œuvres et l’accompagnera dans son travail de création pendant une vingtaine d’années.

Passionné d’architecture, il dilapida la fortune de la Bavière dans la construction de châteaux ambitieux semblant tout droits sortis de ses rêves. Déchu de ses fonctions par des ministres doutant de sa santé mentale, il fut remplacé par son oncle Leopold et se noya quelques jours plus tard, en 1886.

Incarnation du romantisme pour certains, il fut également le cousin de Sissi et poussera, des années plus tard, Guillaume Gallienne à aller faire un séjour en Bavière -mais cela, il vous le racontera bien lui-même dans Les Garçons et Guillaume, à table!.


Ce soir à l’issue de la représentation, vous pourrez rencontrer Guillaume Gallienne et sa metteure en scène, Claude Mathieu, au foyer-bar de l’Athénée.

Et si vous ragez de ne pas avoir obtenu de place pour le spectacle Les Garçons et Guillaume, à table!, sachez qu'il reste des places dues à des désistements chaque soir, et qu’elles ne sont pas toujours intégralement revendues: en vous présentant à la billetterie une heure avant la représentation, vous aurez certainement la chance de pouvoir trouver un billet.

Bonne journée!

Les dieux du stade (3) • D'hier à aujourd'hui

Souvenez-vous, je vous parlais le 6 mars dernier du calendrier dénudé qu'avait réalisé le personnel de l'Athénée en 1997 avec le photographe Fabien Calcavechia et vous en avais reproduit deux pages le 19 juin.

Grâce à l'autorisation du photographe et de ses modèles, en voici aujourd'hui deux autres!
(Les deux jeunes hommes de cette photo travaillent encore actuellement à l'Athénée)

(c) Fabien Calcavechia

(c) Fabien Calcavechia

Bon début de semaine à tous.

PS: Désolée de l'envoi tardif de ce billet dû à quelques problèmes techniques qui nous auront occupés une bonne partie de la matinée...

Le lever du Roi • Pleins feux

Entre intimité publique et emprisonnement intérieur, Les Garçons et Guillaume, à table! vous dévoile le passage de l’enfance à l’adulte et explore l’envahissant désir de plaire.

Écrit et joué par Guillaume Gallienne, mis en scène par Claude Mathieu et en lumière par Dominique Bruguière, Les Garçons et Guillaume, à table! se joue jusqu’au 20 février à l’Athénée.

Demain, vous pourrez assister au café-débat pour une réflexion autour de la figure de la victime.
Rendez-vous demain à 17h à l'Athénée en compagnie de Cristèle Alves Meira, Geneviève Fraisse, Thierry Lévy et Richard Rechtman. Plus d'informations ici.

Bon week-end et à lundi!

Peut-on parler tout seul? • Perspective

La définition de base du monologue est la suivante: “discours qu'un personnage seul en scène se tient à lui-même”.

Censé représenter la pensée du personnage, le monologue ne semble pas appeler d’interaction ou de réponse, d’où la connotation péjorative que le verbe “monologuer” a pu prendre dans le langage courant: dire d’une connaissance qu’il a “monologué toute la soirée” l’apparente ainsi à un personnage plus grossier que théâtral.

En théâtre, le soliloque est quant à lui une adresse à un interlocuteur muet mais présent.

Parce que l’on parle finalement toujours à quelqu’un au théâtre, à commencer par le public, le monologue n’est pas aussi solitaire qu’il en a l’air.
Très présent dans le théâtre de Koltès, Beckett ou Bernhard, le monologue souligne l’impossibilité de parler seul et, paradoxalement, l’incapacité de connaître un véritable dialogue.

Le monologue suppose surtout une écoute, de la part du public bien sûr, mais aussi de l’acteur qui adapte son jeu aux réactions des spectateurs.
Pour écouter le comédien Guillaume Gallienne dans le spectacle qu’il a lui-même écrit, c’est à l’Athénée jusqu’au 20 février dans Les Garçons et Guillaume, à table!.

Bonne journée à tous.

Encore une histoire de fesses (cette fois en vidéo) • Entretien

Cristèle Alves Meira est la metteure en scène de Vénus de Suzan-Lori Parks qui sera donné à l’Athénée en mars prochain.

Elle a eu la gentillesse de m’accorder un entretien vidéo dans l’une des loges du théâtre: elle y évoque l’histoire racontée par la pièce, l’écriture de Suzan-Lori Parks, l’appel au mécénat lancé pour le spectacle, les avantages dont bénéficient les donateurs et les répétitions actuellement en cours.

(Durée : 8 minutes)
Pour regarder la vidéo sur YouTube, cliquez ici.

Vous pourrez rencontrer Cristèle ce samedi à 17h pour le deuxième café-débat de cette saison à l’Athénée: sur le thème “Moi aussi, je veux être une victime!” et autour des spectacles Julie, Vénus, Une Maison de poupées et Dans la Colonie pénitentiaire, une discussion aura lieu entre Cristèle Alves Meira (metteure en scène de Vénus), Geneviève Fraisse (philosophe au CNRS), Thierry Lévy (avocat pénaliste et auteur) et Richard Rechtman (psychiatre et anthropologue).
Plus d’informations ici.

Bon mercredi!

PS : et ce soir à 17h30, c’est Guillaume Gallienne, auteur et acteur de Les Garçons et Guillaume, à table! actuellement à l’Athénée, que vous pourrez rencontrer à la FNAC des Ternes dans le 17e à Paris. Plus d’informations ici.

Ceci n’est pas un tableau de Vermeer. • Coulisses

Après une représentation du spectacle de Guillaume Gallienne, Les Garçons et Guillaume, à table!, Jean-Noël (régisseur général) et Liza (habilleuse) rangent le plateau et s'apprêtent à nettoyer les tissus utilisés.

Demain à 17h30, vous pourrez discuter avec Guillaume Gallienne à la FNAC des Ternes (Paris 17e) dans une rencontre animée par Hervé Pons. Plus d'informations ici.

Bon mardi!

Guillaume a un pépin • Pleins feux

Lorsque Charles Martel décède, son royaume est divisé entre ses deux fils: Carloman et Pépin se partagent donc le territoire franc, l’aîné administrant l’Austrasie, l’Alémanie et la Thuringe (soit le nord de la France et de l’Allemagne actuelles en passant par la Belgique et le Luxembourg), le cadet héritant de la Neustrie (englobant plus ou moins la Normandie, les Pays de la Loire, le Centre, l’Île-de-France, la Picardie et la Champagne-Ardenne actuelles) ainsi que la Provence et la Bourgogne.

Après l’abdication de Carloman, Pépin règne de fait sur tout le royaume et, grâce à l’appui du Vatican qu’il a aidé contre les Lombards, un peuple germanique menaçant Rome, il se fait sacrer Roi des Francs par le Pape Étienne II en 751.

Son règne se distingue par sa réforme de l’Église, sa reconquête de l’Aquitaine, la consolidation des frontières du royaume, l’instauration de la dîme et la volonté d’uniformiser la monnaie franque.

Père de Charlemagne, surnommé Le Bref à cause de sa petite taille, Pépin n’arborait pas une coiffure facile -c’est en tout cas l’avis de Guillaume Gallienne qui joue son spectacle Les Garçons et Guillaume, à table! à l’Athénée jusqu’au 20 février.

Bonne semaine!

Comment ça, on n'y voit rien? • Pleins feux

Guillaume Gallienne, qui a commencé hier soir son spectacle Les garçons et Guillaume, à table! mis en scène par Claude Mathieu, n’est pas un homme facile (à prendre en photo).

L’Athénée disposant d’un système de retour vidéo permettant de visualiser ce qui se passe sur scène depuis les coulisses, vous pouvez tout de même apercevoir sa silhouette réglant quelques détails avant la première (mais si, là, au milieu de l’écran!). À droite, vous reconnaîtrez aisément Patrice Martinet, directeur de l’Athénée.

Les garçons et Guillaume, à table! continue bien sûr ce week-end et se joue à l’Athénée jusqu’au 20 février!

Bonne chère • Pleins feux

Qu’elle soit ronde ou carrée, on peut rouler dessous, la dresser, s’y accouder ou la réserver. S’il l’on y fait honneur, on peut aussi la quitter ou, en cas de période difficile, y manger lorsqu’elle recule.

Y passer suppose de bien s’y tenir (de préférence mieux qu’à cheval) et de ne pas se mettre les pieds dessous. On peut la courir, ce qui n’est pas la même chose que d’en faire le tour -ni de faire passer de l’argent dessous.

Lorsqu’elle est bouillotte, gigogne ou d’opération, on ne peut pas vraiment la tenir ouverte ; rase, de multiplication ou des matières, elle n’a plus grand-chose à voir avec les plaisirs qu’on lui associe.

Guillaume Gallienne lui fait honneur à partir de ce soir à l’Athénée avec son spectacle Les Garçons et Guillaume, à table!

Bon appétit.

Un pied sur la fosse • La corde verte du lapin qui siffle

Depuis plusieurs saisons, l’Athénée accueille à la fois des spectacles musicaux et théâtraux, obligeant ainsi à alternativement couvrir et découvrir la fosse d’orchestre.

Entre Julie et Les garçons et Guillaume, à table! qui commence demain soir, les techniciens de l’Athénée ont donc couvert la fosse et remonté un à un les fauteuils sur trois rangs. Dans cette vidéo de moins d’une minute, nous en sommes à la fin du processus:

Bon mercredi à tous.

Rencontre du troisième type • La corde verte du lapin qui siffle

Écrits de spectateurs 3 - Jean • Coup de théâtre

Dans le cadre de la publication de vos écrits, voici aujourd’hui ce que m’a envoyé Jean, fidèle spectateur de l’Athénée qui nous propose une rétrospective de la saison 2008-2009:


«Je m’étais promis de faire un bilan de la saison passée pour faire le point et aborder la nouvelle saison, l’âme sereine.

Une chose est sûre, ayant vu 11 spectacles sur 12 l’année dernière (il manquait La Cantatrice chauve chantée) et ayant apprécié 10,5 spectacles sur 11, je ne pouvais cette année que prendre un abonnement. Comme je ne me refais pas : j’ai mis la note de 7,9 sur 10 en moyenne pour l’ensemble de la saison.


Coté musique, 3 propositions (+ La Cantatrice) opposées mais alliant la même qualité d’interprétation, de mise en scène, de décors et de mise en lumière.
Les moyens financiers et les subventions (?) permettent de soutenir le professionnalisme des créateurs (chacun dans son domaine).

Le burlesque de L’Opéra de quatre notes renvoie au sérieux de Cosi fan tutte qui s’oppose à l’oppression de Riders to the Sea.
Trois façons d’aborder la musique mais avec le même degré d’exigence. Cela m’a rappelé la soirée Olivier Messiaen, une découverte pour moi.


Coté théâtre “sérieux”, 5 pièces classiques mais difficiles et le plaisir de voir le travail auprès des lycées pour faire venir ces jeunes vers des textes qu’ils ne trouveront pas dans les théâtres privés (ou difficilement car on n’y rit pas dans ces pièces).

L’opposition entre Les Justes et Les Mains sales m’est remontée à la mémoire en voyant récemment le téléfilm sur Camus. Ces deux pièces, présentées l’une derrière l’autre, éclairaient le conflit entre les deux auteurs.
J’ai écrit, dans mes notes sur mes soirées : "On avance vers la notion de combat politique et on s’éloigne du meurtre politique" en parlant des Justes vis-à-vis des mains sales.

Par ailleurs, j’ai été impressionné par Bezace dans Après la Répétition, la meilleure pièce de la saison suivant mon baromètre. Quelle maîtrise du texte et des sentiments alors qu’il ne se passait rien sur scène en terme d’action.
Les mises en perspective de En attendant Godot (Où est la réalité de la / leur vie ? Qui est esclave de qui ? Qui est méchant ? Qui choisit sa vie ?) rappellent le Rêve d’automne (la recherche ou la quête d’une raison de vivre).


Pour se détendre, l’Athénée a proposé La Puce à l’oreille où “Le jeu des comédiens est tel que mon voisin n'a pas remarqué que les deux sosies étaient joués par la même personne”!. Belle performance de l’acteur. [NDLR : David Ayala]


Côté découverte, j’ai regroupé Claus Peyman… / Sik Sik et Le Tribun / Finale. Sik Sik est d’une drôlerie où il n’est pas nécessaire de connaître l’italien pour comprendre l’intrigue et voir venir la chute finale.

Le Tribun a été une belle performance car le texte ne disait rien, seul comptait le contexte.
Le dictateur “aime” son peuple, pense (hypocritement) que le peuple pense comme lui, ne veut que le “bien” du peuple même si le peuple doit souffrir. Beau programme.


Comme le programme ne contient “que” 12 spectacles, je dois donc compléter mes sorties avec d’autres théâtres publics et privés.
Je dois reconnaître que les subventions permettent aux théâtres nationaux des prix bas et des spectacles de qualité où l’objectif n’est pas QUE de rechercher les spectateurs mais aussi de proposer d’autres façons de faire du théâtre avec toujours le même degré de qualité, tous types de spectacles confondus (du One man show à l’opéra-ette).
Les propositions des théâtres privés sont beaucoup moins variées : de la comédie où le rire doit être présent, pour l’essentiel. Mais parfois, certaines scènes peuvent présenter des pépites. C’est toutefois de la pêche à la ligne.

La saison a ainsi été une succession de découvertes (pour moi) comme semble être la saison actuelle avec un début remarquable (Minetti) mais j’en reparlerai peut-être l’année prochaine.
Bonne saison à tous.»



J’espère continuer à recevoir de nouvelles contributions de votre part! Bon début de semaine à tous.

Doit-on être moche lorsqu’on est utile? • La corde verte du lapin qui siffle

Nous en avions déjà parlé le 29 septembre dernier, les établissements recevant du public sont tenus de respecter des règles strictes en matière de sécurité des personnes et de protection contre l’incendie.

En isolant la scène (qui présente des risques particuliers d’incendie) de la salle, le rideau de fer est ainsi un coupe-feu de premier plan. L’utilité n’empêche cependant pas le souci esthétique -on est à l’Athénée, tout de même.

Bon week-end à tous! Un nouveau spectacle redémarre jeudi avec Les Garçons et Guillaume, à table !

C’est moi, ou il y a comme un problème? • Perspective

Nous en avions déjà parlé le 29 septembre dernier, les établissements recevant du public sont tenus de respecter des règles strictes en matière de sécurité des personnes et de protection contre l’incendie.

En isolant la scène (qui présente des risques particuliers d’incendie) de la salle, le rideau de fer est ainsi un coupe-feu de premier plan. L’utilité n’empêche cependant pas le souci esthétique -on est à l’Athénée, tout de même.

Bon week-end à tous! Un nouveau spectacle redémarre jeudi avec Les Garçons et Guillaume, à table !

On me demande souvent… • Pleins feux

… comment je m’y prends pour trouver un sujet tous les matins, et si je n’ai pas trop souvent l’angoisse de la page blanche.


Pour être honnête, c’est totalement le contraire: j’ai trop de sujets de billets en tête au regard du nombre de jours disponibles dans une semaine, et vous ne voyez qu’une petite partie des deux cents photos que je prends à chacun de mes passages à l’Athénée.

Leur durée d’exploitation étant réduite, cette question de la sélection se pose de manière encore plus accrue lorsque l’Athénée programme des spectacles musicaux.
Certes, comme me le disait Patrice Martinet, directeur de l’Athénée, en interview la saison dernière, “avoir plus de désirs que de possibilités, c’est un luxe” ; mais parce que Julie se termine déjà ce soir, voici en vrac ce dont vous auriez pu entendre parler (ou pas):

Non, Julie n’est pas un remake de La Boum.

Ce sont les écrans qui permettent aux chanteurs de voir le chef d’orchestre, Jean-Paul Dessy, en fosse.
Je crois qu’on ne va pas pouvoir le rater, là.

Après le sol en miroir des Règles du savoir-vivre dans la société moderne, le rideau qui se transforme en miroir, vitre ou bâche selon la lumière.

Ça, c’est juste un téléphone.

Quelques acteurs d’un nouveau genre…

Et pour terminer cette rubrique Julie-en-vrac, quelques photos du spectacle mis en scène par Matthew Jocelyn :

Julie se joue encore ce soir!

Bon mercredi.

Savez-vous ce qu’est un acrostiche? • Pleins feux

Surhomme: concept élaboré par Nietzsche et qui correspond à ses préoccupations. Les deux hommes correspondront longuement.

Théâtre de l’intime.

Révolté.

Institutions: il les combat au point de s’attirer des ennuis avec la justice.

Naturalisme, auquel on a rattaché certains de ses écrits.

Dix-huit cent quarante-neuf à Stockholm. Mort en 1912 à Stockholm.

“Bénis-moi, mon Dieu, bénis ton humanité / Qui souffre, car tu lui as donné la vie ! / Et moi, d'abord, qui ai le plus souffert, / Qui ai le plus souffert de la douleur / De ne pouvoir être celui que je voulais !”
Souvent considérées comme son testament spirituel, ces lignes sont extraites de l’une de ses dernières œuvres, La Grand-Route.

Expressionnisme, auquel on a rattaché d’autres de ses écrits.

Rêve: important dans ses écrits même si ceux-ci manifestent une analyse et une précision toutes documentaires.

Génie.



En 1888, Strindberg écrivait Mademoiselle Julie, adaptée en opéra en 2005 par le compositeur Philippe Boesmans. 
Julie dure 1h10 et se joue à l’Athénée encore ce soir et demain.

Bonne journée!